¿Cuáles son las características de las canciones canadienses famosas?

"Si el álbum Soul de 1990 de la banda irlandesa 'Family' fue visto como una reliquia empañada, entonces 'Canadian View' presenta un paisaje glorioso. Este es el mensaje más importante que contiene la revista británica Q de 1992." Las palabras iniciales de la reseña de la cantante canadiense Lorena McKennitt en la edición de julio de 2017 tienen como objetivo conectar la "escena canadiense" con la música local irlandesa. La llamada escena canadiense se refiere al grupo artístico canadiense que atrajo mucha atención en los años 1990. La más destacada del grupo es Lorena Metanet. El primer álbum de McKennit se grabó en 1983. Esta pieza llamada "Dispel the Cold Winter" utiliza el arpa como instrumento principal y sorprendentemente intenta restaurar por completo la tradición de la música folclórica celta. La productora del disco, Blythe Hughis, era propietaria de un pequeño sello discográfico llamado Quinlan Road. Road to Quinlan se adhiere a ese principio de grabación: publicar obras musicales que regresan a la tradición y presentan la textura del sonido original. Los álbumes posteriores de Lorena McKennitt, "The Same Dream" y "Original Source", fueron todos producidos y distribuidos por la empresa. En estos discos, un gran número de repertorios tradicionales se activan con un canto sincero, y la tenacidad y la tranquilidad particularmente honestas y honestas en las obras son una herencia y un desarrollo extremadamente fiel de la cultura celta. Sobre la base de conservar el estilo instrumental tradicional, Lorena McKennitt publicó dos álbumes más en la década de 1990: "Visit" y "Occlusion and Appearance". Exploraron el mundo con una perspectiva muy amplia y trataron de encontrar estilos musicales de varios grupos étnicos. emociones musicales que están estrechamente relacionadas con la calidad de la cultura celta, revelando así las características culturales del enorme grupo de inmigrantes detrás de McKenzie y convirtiéndose en el estilo representativo de Canadá, un país emergente de inmigrantes.

La "Familia Rankin" se formó en 1989 como una unidad familiar. En ese momento, los cinco hermanos y hermanas Rankin abandonaron sus respectivos trabajos y se dedicaron juntos a la música profesional. Cada uno de estos cinco hermanos y hermanas es capaz de tocar múltiples instrumentos (un testimonio del éxito de la educación musical canadiense), ya sean canciones populares antiguas o baladas contemporáneas, todos se expresan en dulces armonías superpuestas en su primer álbum. mismo nombre; entre las coloridas interpretaciones instrumentales, se agregan letras y voces con fuertes raíces, haciendo que todo el trabajo esté lleno de poder simple y conmovedor. En el Festival de las Artes de Cambridge de 1993, la familia Rankin asistió al evento como representantes canadienses y presentó la obra maestra "You Walk with Love". La "escena canadiense" en realidad puede considerarse como un movimiento de búsqueda de raíces culturales. El antiguo grupo Fiki Davca, fundado a principios de los años 80, logró en aquella época un éxito, como lo confirman los ejemplos. Además de los instrumentos convencionales de la música pop moderna (guitarra, bajo y batería), la banda también cuenta con una variedad de otros instrumentos de acompañamiento. Fiki Duff se adhiere a la tradición celta de principio a fin y la música instrumental se posiciona como folk rock. En 1980, lanzó su álbum debut "Fiki Duff" en Europa en 1980 y "After the Wave" unos años más tarde, los cuales ganaron la atención del público y el reconocimiento de la crítica. En 1993, el multiinstrumentista Nordin falleció, lo que empujó a la banda a un perfil bajo y nunca se ha recuperado desde entonces.

En "Canadian Sights", la violista Ashley McEsaker arregló y reestructuró varias melodías populares. En el álbum "Okay, Thank You", trece conjuntos de pistas presentan al público el kig, lil, baile lento, stace, horn dance y clog dance tradicional más básico. Y "¡Hola! En el tema "Hello", es imposible distinguir claramente qué sección es Jige y cuál es Lier. Básicamente, las creaciones de Ashley McEsaker se basan en música de danza folclórica tradicional y una estructura de rock moderno.

Todavía quedan algunos gaélicos escoceses que viven en Cabo Bretón, en la península de Nueva Escocia, en la costa sureste de Canadá. Esta isla mágica se convirtió entonces en la guardiana del baile puro de las Highlands y del violín escocés que estaban al borde de la extinción. Los artistas aquí están llenos de esperanza, leyenda, poesía y el tono de su ciudad natal, a pesar de que se han visto obligados a abandonar su ciudad natal durante cientos de años. En un apartamento en el número 47 de Clyde Street en el distrito minero de Sidney, la pintoresca y gloriosa música folclórica escocesa brotaba de las ventanas abiertas durante muchos años. Más tarde, de aquí surgió una banda compuesta por cuatro hermanos y hermanas: "Bara McNee" Your. familia". "Bara McNair" es sólo uno de los muchos artistas gaélicos: Cape Brighton está lleno de pioneros artísticos tan rudos que, al igual que sus antepasados, consideran el canto y la interpretación folclórica como parte importante de sus vidas.

A principios de los años 1980, cuando este grupo musical familiar se hizo famoso, sus integrantes eran apenas adolescentes y jóvenes de 20 años. Se trata de una familia con raíces antiguas, un linaje de destacadas familias de baile tradicional y canto gaélico. Cuando los niños eran muy pequeños, a menudo había animadas reuniones musicales en casa. Los padres no mandaban a los niños a dormir, sino que los animaban a sentarse con los adultos y disfrutar juntos de la música. Más tarde, los padres les dieron a todos la oportunidad de aprender teoría musical y habilidades interpretativas, de modo que cada uno de ellos dominara al menos un instrumento, arraigando así profundamente las raíces de la vida espiritual en el alma de las Tierras Altas de Escocia. Los hijos de Barra McNair sabían que las canciones populares se estaban desarrollando desde muy temprano, por lo que agregaron libremente imaginación creativa a los temas originales e incluso anotaron cada parte que tocaron con huellas personales indelebles. Han integrado creativamente varias piezas tradicionales escocesas: "Lawett's Rebellion" de Stacey, el pequeño baile "Mrs. George Johnston of Baico", el kig "The Legato Kig" y "Angela Cameron" están perfectamente unidos por la conexión interna del ritmo. y melodía. Y las canciones que él mismo compuso, "Willie West" y "Proud Soul", son tan honestas y hermosas como las antiguas canciones populares escocesas. Ricos acordes rítmicos, sorprendentes cambios de clave y armonías, e innovaciones exquisitas y sutiles se han convertido en parte del estilo único de este grupo.

Todavía quedan algunos gaélicos escoceses que viven en Cabo Bretón, en la península de Nueva Escocia, en la costa sureste de Canadá. Esta isla mágica se convirtió entonces en la guardiana del baile puro de las Highlands y del violín escocés que estaban al borde de la extinción. Los artistas aquí están llenos de esperanza, leyenda, poesía y el tono de su ciudad natal, a pesar de que se han visto obligados a abandonar su ciudad natal durante cientos de años. En un apartamento en el número 47 de Clyde Street en el distrito minero de Sidney, la pintoresca y gloriosa música folclórica escocesa brotaba de las ventanas abiertas durante muchos años. Más tarde, de aquí surgió una banda compuesta por cuatro hermanos y hermanas: "Bara McNee" Your. familia". "Bara McNair" es sólo uno de los muchos artistas gaélicos: Cape Brighton está lleno de pioneros artísticos rústicos que, al igual que sus antepasados, consideran el canto y la interpretación folclórica como parte importante de sus vidas. A principios de los años 1980, cuando este grupo musical familiar se hizo famoso, sus integrantes eran apenas adolescentes y jóvenes de 20 años. Se trata de una familia con raíces antiguas, un linaje de destacadas familias de baile tradicional y canto gaélico. Cuando los niños eran muy pequeños, a menudo había animadas reuniones musicales en casa. Los padres no mandaban a los niños a dormir, sino que los animaban a sentarse con los adultos y disfrutar juntos de la música. Más tarde, los padres les dieron a todos la oportunidad de aprender teoría musical y habilidades interpretativas, de modo que cada uno de ellos dominara al menos un instrumento, arraigando así profundamente las raíces de la vida espiritual en el alma de las Tierras Altas de Escocia. Los hijos de Barra McNair sabían que las canciones populares se estaban desarrollando desde muy temprano, por lo que agregaron libremente imaginación creativa a los temas originales e incluso anotaron cada parte que tocaron con huellas personales indelebles. Han integrado creativamente varias piezas tradicionales escocesas: "Lawett's Rebellion" de Stacey, el pequeño baile "Mrs. George Johnston of Baico", el kig "The Legato Kig" y "Angela Cameron" están perfectamente unidos por la conexión interna del ritmo. y melodía. Y las canciones que él mismo compuso, "Willie West" y "Proud Soul", son tan honestas y hermosas como las antiguas canciones populares escocesas. Ricos acordes rítmicos, sorprendentes cambios de clave y armonías, e innovaciones exquisitas y sutiles se han convertido en parte del estilo único de este grupo.

Rápidamente surgieron en la escena musical del este de Canadá. El segundo hermano entre cuatro hermanos y hermanas, toca el violín y la mandolina en la banda. Su método de tocar el violín, un estilo de danza folclórica escocesa de rápida circulación, puede considerarse uno de los estilos representativos del arte del violín popular en "Traditional Horn". En "Guan", al estudiar las actuaciones en vivo de artistas rurales, dominó una melodía que sólo existía en el campo y nunca había sido registrada en ninguna partitura musical. El hermano mayor tocaba el piano y aportaba principalmente armonías a la banda. Utilizó la síncopa y la cuidadosa disonancia de la mano izquierda para favorecer y favorecer la evolución de los acordes en la mano derecha. Tenía algunos de los mejores riffs y se convirtió en uno de ellos. Los pianistas de la isla compitieron para aprender la plantilla. El tercer hermano sirvió como silbato, bajo y cantante principal de la banda. Dominaba todos los instrumentos y se convirtió en el verdadero melodista y orquestador de la banda. Algunos de sus fragmentos muy inteligentes encajan perfectamente en las famosas melodías de canciones populares tradicionales. dando ""One of Jeffy's" abre la puerta al folk y al jazz fusión con especial interés.

La hermana menor es violinista tradicional. Aunque sólo tiene 16 años, puede interpretar libremente "The Tullochgorum" en 14 variaciones diferentes. También es una excelente bailarina en Cape Brighton. En 1983, cuando un periodista visitó a esta familia, descubrió que había dos niños más pequeños estudiando detrás del famoso hermano y hermana mayores. El niño de 9 años tocaba el piano y el de 5 años tocaba el violín folclórico. A diferencia de la nueva generación de artistas, durante décadas, los artistas canadienses veteranos generalmente siguieron una ruta que integraba las tres tradiciones culturales de Inglaterra, Estados Unidos y Francia. La mayoría de ellas finalmente se fusionaron en la evolución de las canciones populares estadounidenses.

En las décadas de 1930 y 1940, representados por Percy Faith y Gaël Lambardo, los artistas canadienses aún podían combinar el estilo de la música de vodevil de circo francés y utilizar canciones líricas en las obras de teatro de Broadway estadounidenses para ocupar un lugar en ella. Con el paso del tiempo, estos estilos fácilmente etiquetables perdieron gradualmente sus características folk originales. Posteriormente, Frank Mills y Don Hale se convirtieron en cantantes populares y campeones comerciales. La llamada tradición de la música folklórica francesa también quedó exprimida en el estrecho mundo de la lengua francesa. Canadá para el desarrollo marginado, están cada vez más asimilados a la música convencional. Por lo tanto, cuando escuchas estas obras cantadas en francés, inconscientemente piensas que son canciones populares estadounidenses al estilo francés; en Canadá, la tradición francesa está decayendo.

Rápidamente surgieron en la escena musical del este de Canadá. El segundo hermano entre cuatro hermanos y hermanas, toca el violín y la mandolina en la banda. Su método de tocar el violín, un estilo de danza folclórica escocesa de rápida circulación, puede considerarse uno de los estilos representativos del arte del violín popular en "Traditional Horn". En "Guan", al estudiar las actuaciones en vivo de artistas rurales, dominó una melodía que sólo existía en el campo y nunca había sido registrada en ninguna partitura musical. El hermano mayor tocaba el piano y aportaba principalmente armonías a la banda. Utilizó la síncopa y la cuidadosa disonancia de la mano izquierda para favorecer y favorecer la evolución de los acordes en la mano derecha. Tenía algunos de los mejores riffs y se convirtió en uno de ellos. Los pianistas de la isla compitieron para aprender la plantilla. El tercer hermano sirvió como silbato, bajo y cantante principal de la banda. Dominaba todos los instrumentos y se convirtió en el verdadero melodista y orquestador de la banda. Algunos de sus fragmentos muy inteligentes encajan perfectamente en las famosas melodías de canciones populares tradicionales. dando ""One of Jeffy's" abre la puerta al folk y al jazz fusión con especial interés. La hermana menor es violinista tradicional. Aunque sólo tiene 16 años, puede interpretar libremente "The Tullochgorum" en 14 variaciones diferentes. También es una excelente bailarina en Cape Brighton. En 1983, cuando un periodista visitó a esta familia, descubrió que había dos niños más pequeños estudiando detrás del famoso hermano y hermana mayores. El niño de 9 años tocaba el piano y el de 5 años tocaba el violín folclórico. A diferencia de la nueva generación de artistas, durante décadas, los artistas canadienses veteranos generalmente siguieron una ruta que integraba las tres tradiciones culturales de Inglaterra, Estados Unidos y Francia. La mayoría de ellas finalmente se fusionaron en la evolución de las canciones populares estadounidenses.

En las décadas de 1930 y 1940, los artistas canadienses representados por Percy Faith y Gaël Lambardo supieron sintetizar el estilo de la música de vodevil de circo francés y utilizar canciones líricas en las obras de teatro de Broadway estadounidenses ocuparon un lugar en ella. Con el paso del tiempo, estos estilos fácilmente etiquetables perdieron gradualmente sus características folk originales. Posteriormente, Frank Mills y Don Hale se convirtieron en cantantes populares y campeones comerciales. La llamada tradición de la música folk francesa también quedó exprimida en el estrecho mundo de la lengua francesa. Canadá para el desarrollo marginado, están cada vez más asimilados a la música convencional. Por lo tanto, cuando escuchas estas obras cantadas en francés, inconscientemente piensas que son canciones populares estadounidenses con sabor francés; en Canadá, la tradición francesa efectivamente ha declinado.

Los artistas que siguen otras direcciones intentan perseguir la independencia y la integridad del arte nacional canadiense. Ya en la década de 1940, la estación de música folclórica canadiense WNYC comenzó a organizar festivales de arte de canciones folclóricas. Oscar Brand es un cantante folclórico canadiense sobreviviente de esa época.

Brand publicó "Selected American Folk Songs", que recopila algunas canciones populares nativas americanas del siglo XVIII, como "Bewitched by Shit", "Seven Old Women Locked in the Bathroom", "Wealthy Rich" ”, que también recopilaba canciones populares de los indios nativos americanos, algo único en aquella época.

Oscar Brand figuraba entre cantantes folk famosos como Pete Seeger y Pol Ives. Debido a sus letras que criticaban los males actuales, también estuvo en la lista negra oficial durante la era McCarthy. Brand tiene alrededor de 60 álbumes y una gran cantidad de escritos y películas, que influyeron profundamente en cantantes folk posteriores como Gordon Lightfoot y Judy Collins.

Buffy St. Mary, una canadiense que se graduó de la Universidad de Massachusetts con especialización en educación, marcó su ascendencia en su nombre: un indio aborigen. Buffy Saint-Marie publicó su primera novela "This is My Way" en 1964. Utilizó su encomiable fuerza creativa y su firme sentimiento nacional para luchar contra el colonialismo y la infracción racial y cultural. El siguiente álbum, "The Buffalo Chief Is Gone", contenía la canción "Follow Coggin and All the Soldiers", que se hizo mundialmente famosa tras ser cantada y difundida por el maestro folk británico Donovan y la otra canción "Until You Are Gone"; " ”, que fue versionada por Elvis Presley. El siguiente álbum de Buffy, "I Want to Be a Country Boy Again" y las bandas sonoras de las películas de temática india "Sweet America" ​​​​y "Soldier Blue", se desarrollaron a partir de la música folclórica india. En 1991, Buffy lanzó su primer álbum en 20 años: "Coincidencias e historias similares". El lenguaje musical se ha asimilado en gran medida a la música pop.

Ian Tyson es hijo de un granjero. La experiencia de su infancia en la vida en la granja le proporcionó muchas expresiones dinámicas de pensamientos de "política individual" para la creación de sus canciones, como "High Wind in the Day", "Sun". Wheel of the Sun", "Dance", "Bruce Kirkburn", "Important Situation", "Waiting for a Miracle" y "Just a Blazing Light" son clásicos entre sus casi 30 álbumes. Describen y satirizan a todos los seres vivos en un Con una actitud innovadora, intenta romper la sólida barrera que existe desde hace mucho tiempo entre la música country y la música folklórica ortodoxa, y trata de volver a sus raíces para seguir desarrollándose.

JONI MITCHELL, la cantante Joni Mitchell, anteriormente conocida como Joan Anderson, estudió arte en Calgary cuando era adolescente y se mudó a Toronto en 1964. Joni Mitchell escribió su primera canción después de escuchar una canción de Bob Dylan. Más tarde, Joni Mitchell formó un grupo con su esposo Chuck Mitchell y dejó sus huellas cantando en muchos clubes y cafés folclóricos en sus primeros años. Las primeras canciones de Jonny, como "Surround Game", fueron cantadas más tarde por estrellas de renombre como Judy Collins y Tom Rush. "Surround Game" fue la canción principal del segundo álbum de Tom Rush.

En 1967, después de su divorcio, Joni Mitchell se mudó sola a Nueva York y pronto ganó una amplia atención en el círculo artístico como guitarrista y autora prolífica. Pronto, Joni Mitchell y Joe Boyd fueron a Inglaterra para aprender allí canciones populares tradicionales británicas. Durante este período, Mitchell adaptó nuevas canciones de la melodía folclórica tradicional "London Bridge" y creó canciones inspiradas en antiguas canciones folclóricas como "Sad Western Rain", "Just Like Me" y "Brandy Eyes", que presentó al público. mundo de la década de 1960. Publica un lote de magníficos capítulos que durarán para siempre. Con la ayuda de David Crosby, Joni Mitchell publicó su primer álbum "Seagull Song" y su segundo álbum "Clouds" basado en canciones populares antiguas. Ambos tienen la sencillez de las canciones populares tradicionales y la autenticidad de las canciones populares tradicionales. Una serie de notas sinceras transmite la alegría incontrolable que brota del fondo del corazón del creador. Entre ellas, destacan en los dos álbumes las canciones "Chelsea Morning", "Split in Two" y "Obt Angle".

Jonny Mitchell no sólo es un excelente cantante, guitarrista y compositor, sino también un buen pintor, poeta y artista introspectivo. Al crear el tercer álbum "Canyon Woman", Joni Mitchell integró la cultura hippie de la época y añadió libremente su propia comprensión de las canciones populares del pueblo como individuo. Era respetado por los artistas callejeros de la época y también tenía ". Birds" y Bob Dylan vinieron a versionar sus canciones. El cuarto álbum, "Blue", tiene una melodía más simple y las letras son en su mayoría autodescriptivas y contienen mucho autoanálisis y contenido antirromántico. También cabe mencionar que, rodeados del suave y melodioso piano, guitarra y dulcimer de Mitchell, un gran número de intérpretes de folk como Stephen Stills, James Taylor, Pete Creno, Ross Kunkel, etc., dejaron una amable y conmovedora banda sonora en este álbum. El posterior "To a Rose" continuó algunas de las características de "Canyon Woman". En contraste con las letras agudas (que revelan la oscuridad del mundo patriarcal desde una perspectiva femenina), la música de "To a Rose" demuestra plenamente la naturaleza. Naturaleza sensible y cálida de la mujer. Exuda la fragancia pastoral de la tierra verde.

"Yard and Sparks", lanzado unos años después, es una obra maestra de la tecnología de grabación. Las baladas se mezclan con mucho lenguaje de jazz, y el saxofón de Tom Scott y la guitarra de Robben Ford añaden un ambiente sutil a las canciones. . El saxofón de Scott, en particular, sube y baja en el entretejido de la música, como el ajetreo de una ciudad lejana, o la noche solitaria en una ciudad bulliciosa. Estas bandas sonoras dan a las canciones de Joni Mitchell un trasfondo urbano muy significativo.

Luego, en 1975, Joni Mitchell se basó en la música nativa americana en el álbum "The Hiss of the Summer Grass". A partir de entonces, este tipo de trabajo de ampliación de la visión folk se repitió en cada trabajo. No hay interrupción, especialmente el álbum de 1977 "Don Juan's Reckless Daughter", el concierto de 1980 "Shadow and Light" y el álbum de 1982 "Crazy Things Go Fast". En 1995, Joni Mitchell una vez más se superó a sí misma y lanzó un nuevo trabajo extremadamente conmovedor: "Crazy Purple Blue". En la portada, un autorretrato de Van Gogh fue sustituido en secreto por Joni. La cara de Mitchell. 》Estas canciones son particularmente sobresalientes en los dos álbumes.

Jonny Mitchell no sólo es un excelente cantante, guitarrista y compositor, sino también un buen pintor, poeta y artista introspectivo. Al crear el tercer álbum "Canyon Woman", Joni Mitchell integró la cultura hippie de la época y añadió libremente su propia comprensión de las canciones populares del pueblo como individuo. Era respetado por los artistas callejeros de la época y también lo tenía. "Birds" y Bob Dylan vinieron a versionar sus canciones. El cuarto álbum, "Blue", tiene una melodía más simple y las letras son en su mayoría autodescriptivas y contienen mucho autoanálisis y contenido antirromántico. También cabe mencionar que, rodeados del suave y melodioso piano, guitarra y dulcimer de Mitchell, un gran número de intérpretes de folk como Stephen Stills, James Taylor, Pete Creno, Ross Kunkel, etc., dejaron una amable y conmovedora banda sonora en este álbum. El posterior "To a Rose" continuó algunas de las características de "Canyon Woman". En contraste con las letras agudas y duras (que exponen la oscuridad del mundo patriarcal desde una perspectiva femenina), la música de "To a Rose" completamente. Demuestra la naturaleza sensible y cálida de la mujer. Exuda la fragancia pastoral de la tierra verde. "Yard and Sparks", lanzado unos años después, es una obra maestra de la tecnología de grabación. Las baladas se mezclan con mucho lenguaje de jazz, y el saxofón de Tom Scott y la guitarra de Robben Ford añaden un ambiente sutil a las canciones. . El saxofón de Scott, en particular, sube y baja en el entretejido de la música, como el ajetreo y el bullicio de un mercado lejano, o la noche solitaria en una ciudad bulliciosa. Estas bandas sonoras dan a las canciones de Joni Mitchell un trasfondo urbano muy significativo.

Luego, en 1975, Joni Mitchell se basó en la música nativa americana en el álbum "The Hiss of the Summer Grass". A partir de entonces, este tipo de trabajo de ampliación de la visión folk se repitió en cada trabajo. No hay interrupción, especialmente el álbum de 1977 "Don Juan's Reckless Daughter", el concierto de 1980 "Shadow and Light" y el álbum de 1982 "Crazy Things Go Fast". En 1995, Joni Mitchell una vez más se superó a sí misma y lanzó un nuevo trabajo extremadamente conmovedor: "Crazy Purple Blue". En la portada, un autorretrato de Van Gogh fue sustituido en secreto por Joni. La cara de Mitchell. A medida que su voz envejece, se ha vuelto más rica, más profunda, más oscura y más brillante. Su compañero, Wayne Shortel y otros veteranos del jazz, han transformado el tono musical que apareció por primera vez en "Yard and Sparks" en uno nuevo, más profundo. refinado y más perfecto. Cuando escuchamos la primera canción, ya estábamos inmersos en ella, tan profundamente humanos.

Hay canciones para el análisis y hay canciones para el llanto. Joni Mitchell pertenece sin duda a este último. El famoso guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, dijo una vez: Joni Mitchell me hace llorar. Sí, no podemos evitar derramar lágrimas cuando escuchamos estos sollozos que vienen del fondo de nuestro corazón.

Entre los cantantes canadienses más familiares para el público chino, Neil Young puede ser el primero en recomendarlo. Neil Young pertenece al grupo de cantantes que insisten en el folk rock. Es un joven viejo y enojado que abarcó tres décadas diferentes en los años 1960, 1970 y 1980. Ya sean los álbumes que estuvieron profundamente influenciados por Bob Dylan en sus primeros años, o el "Buffalo Springfield" compuesto con Stephen Stills, o incluso el cálido y salvaje "Crazy Horse" de un período posterior, Neil Young ha publicado en el pasado. 30 años La mayoría de sus aproximadamente 40 álbumes se adhieren a la ruta folk-rock con un fuerte sabor local y en términos de letras, la mayoría involucra todos los aspectos de la sociedad, la familia y los individuos;

Neil Young es un autor extremadamente aficionado a la naturaleza. Sus creaciones se basan en el actual continente norteamericano y de su experiencia personal hereda deliberadamente la inspiración de la vida rural y la naturaleza; Concede gran importancia al papel del instinto y la inspiración. Cuando surge la inspiración, la composición de las canciones suele completarse en unos pocos minutos. Neil. Young cree que el papel de las canciones no es más que expresar los verdaderos sentimientos del cantante de manera general, y no hay necesidad de ceñirse a la estructura de la canción y hacer esfuerzos inútiles para lograrlo. A diferencia de muchos cantantes folk, en los álbumes de Neil Young a menudo dominan voces angustiadas y guitarras ásperas y caóticas. La colaboración con Crazy Horse agregó de manera aún más experimental una gran cantidad de efectos de sonido de guitarra no populares ni tradicionales, incluida una retroalimentación electrónica dura y tortuosamente larga. Por muy bien que se vendan estos álbumes, desde una perspectiva lírica y musical, ya son clásicos. En cuanto al uso experimental del ruido, son solo la guinda del pastel desde una perspectiva artística. Muchas bandas nuevas consideran a Neil Zhan como el trabajo del líder Robbie Robertson para regresar al sonido de Nueva Orleans y su éxito en la exploración de la música india, mientras que otros miembros se han quedado estancados en el campo del folk rock.

La civilización ha eliminado la ignorancia y ha enterrado ricas y hermosas culturas diversas. Robbie Robertson, que tiene algo de sangre india en su cuerpo, ha rastreado conscientemente sus raíces después de su carrera en solitario y ha publicado algunos trabajos que se esfuerzan por mostrar la cultura de la primera generación de residentes estadounidenses: el pueblo original que habitó esta tierra de América del Norte. . De hecho, la música de la "banda" siempre ha estado llena de esa emoción. Se esfuerzan por descubrir alguna herencia cultural perdida hace mucho tiempo y recordar la antigua América antes de que fuera contaminada por la civilización: su riqueza y su preciosidad.

Después de hablar de Canadá, descubrí que se me había escapado mencionar a K. D. Lang, no pudo evitar sentirse un poco arrepentido. Sin duda, k. D. Lang es un milagro en el mundo del sonido. Su sonido deslumbrante es como una luz brillante en el cielo azul puro en una noche de verano. La gente se sorprende por su luz y luego por la tranquilidad de esta luz. Solo k. D. Lang está al margen del mundo del folk, lo que finalmente le impide ser incluida en este artículo. Sus raíces más profundas están en realidad en cantantes como Roy Orbison, ese tipo de sonido integrado: folk, blues, country, montañas, todos juntos. sin límites en este sonido.