Introducir algunos conocimientos artísticos.
Cubismo:
Braque y Picasso, dos pintores parisinos del siglo XX, estuvieron profundamente influenciados por las formas simples y los marcados contrastes de las esculturas africanas
, desarrolló un nuevo estilo. Además, visitaron la exposición retrospectiva de Cézanne en 1907 y se produjo "Las señoritas de Aviñón" de Picasso, la primera obra representativa del cubismo.
Basado en el enfoque de Cézanne, el cubismo dividía los objetos en muchas caras y presentaba caras desde diferentes ángulos al mismo tiempo. Por tanto, las obras cubistas parecen piezas colocadas sobre una superficie plana.
En sus primeros trabajos sólo utilizó tonos grises. Debido al uso de colores neutros, todo el espacio no parece moverse hacia adelante o hacia atrás.
Pintores representativos:
Braque, Picasso, Reggie, Drone, Lebchitz, Brancusi.
Pablo Picasso (1881-1973) es uno de los artistas occidentales más influyentes del siglo XX.
Dejó una asombrosa cantidad de obras a lo largo de su vida, con estilos ricos y variados y llenas de una creatividad extraordinaria. Picasso nació en Málaga, España, y posteriormente se estableció en Francia durante mucho tiempo. Su padre es profesor de arte. Amó el arte desde pequeño. A los 15 años ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona con excelentes resultados y posteriormente se trasladó a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Llegó a París, Francia, en 1900 y comenzó a representar la vida de los pobres con gran compasión. En esta época
sus obras están llenas de tragedia. Las figuras delgadas y los fríos tonos gris azulados hacen que sus pinturas estén llenas de sentimientos de soledad y desesperación, desastre y desgracia. La gente llama a este período el "período azul" de su creación (1900-1904). 1904-1906 fue el "período rosa" de la carrera creativa de Picasso. Sus obras de este período representan principalmente personajes de circo. Aunque las imágenes son melancólicas, no son solitarias. En 1906, Picasso fue influenciado por las tallas primitivas africanas y las pinturas de Cézanne, y se dedicó a explorar un nuevo estilo de pintura. Como resultado, pintó la famosa y emblemática obra maestra: "Las señoritas de Aviñón".
"Las señoritas de Aviñón"
Este increíble óleo a gran escala no sólo marca un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también
Fue un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno y desencadenó el nacimiento del movimiento cubismo. "La chica de Asia
Vernon" se inició en 1906 y se completó en 1907.
Retrato de Caswell"
"Retrato de Caswell", pintado por Picasso, 1910, óleo, 100×61,5 cm, Chicago, recopilado por el Art Center of Chicago.
Las pinturas de Picasso durante el período del “cubismo analítico” de 1909 a 1911 demuestran aún más el abandono de la representación objetiva. Los objetos que pintó durante este período, ya fueran naturalezas muertas, paisajes o figuras, estaban completamente descompuestos, dejando al espectador confundido acerca de ellos. Aunque cada cuadro tiene un título, a la gente le resulta difícil encontrar objetos relacionados con el título. Esas formas descompuestas y el fondo se mezclan, haciendo que toda la imagen esté llena de bloques de diferentes formas entrelazados con varias líneas verticales, oblicuas y horizontales. En esta compleja estructura de red, la imagen emerge lentamente y luego desaparece inmediatamente en los complicados bloques. Aquí se ha minimizado el papel del color. Parece que en la pintura sólo hay algunos monótonos colores negro, blanco, gris y marrón. De hecho, lo que el pintor quiere expresar es sólo la estructura compuesta de línea y línea, forma y forma, y la tensión que emite esta estructura.
"Guernica"
"Guernica", pintado por Picasso, 1937, óleo sobre lienzo, 305,5×782,3 cm, recogido en el Museo del Prado.
El óleo "Guernica" es una obra maestra de gran influencia y significado histórico que Picasso pintó en los años 30. Esta pintura fue un encargo del Gobierno de la República Española y realizada para el Pabellón de España en la Exposición Internacional celebrada en París en 1937. La pintura muestra las atrocidades del loco bombardeo de la Fuerza Aérea Alemana a la ciudad española de Guernica en 1937. Como artista con un fuerte sentido de la justicia, Picasso mostró una gran indignación ante este acto bárbaro.
Le llevó sólo unas pocas semanas completar esta obra maestra como denuncia y protesta contra las atrocidades del fascismo.
Aunque Picasso era aficionado a la innovación artística de vanguardia, no abandonó la expresión de la realidad
Guernica"
26 de abril de 1937.
El significado simbólico de la imagen es: el toro simboliza el fascismo brutal; el caballo simboliza al pueblo miserable; sobre la cabeza del caballo hay una lámpara eléctrica que representa el "Ojo de la Noche" que brilla, y En el cuadro Mujeres también hay personas asustadas que levantan la mano pidiendo ayuda. No hay aviones bomba en el cuadro, pero está lleno de terror, muerte y gritos. El fondo del cuadro está lleno de oscuridad y la lámpara brillante ilumina la escena sangrienta, como si una pesadilla fría y cruel envolviera todo el cuadro. El pintor utiliza el negro, el blanco y el gris como tonos contrastantes, que son fuertes pero armoniosos. Utiliza técnicas figurativas, abstractas y surrealistas para crear las obras, que tienen un temperamento espiritual romántico con una estructura rigurosa y temas distintivos.
El óleo "Guernica" es una obra maestra de gran influencia y significado histórico que Picasso pintó en los años 30. Utiliza técnicas artísticas simbólicas para acusar a la Fuerza Aérea Nazi alemana de bombardear la ciudad española de Guernica durante la Guerra Civil Española en la década de 1930, matando a miles de civiles inocentes, y expone efectivamente la maldad de la guerra de agresión y las atrocidades del fascismo.
Este cuadro fue un encargo del Gobierno de la República Española y fue realizado para el Pabellón de España en la Exposición Internacional celebrada en París en 1937. La pintura muestra las atrocidades del loco bombardeo de la Fuerza Aérea Alemana a la ciudad española de Guernica en 1937. Como artista con un fuerte sentido de la justicia, Picasso mostró una gran indignación ante este acto bárbaro. Le llevó sólo unas pocas semanas completar esta obra maestra como denuncia y protesta contra las atrocidades del fascismo. Aunque Picasso estaba interesado en la innovación artística de vanguardia, no abandonó la expresión de la realidad. Dijo: "No soy un surrealista. Nunca me he separado de la realidad. Siempre permanezco en la verdadera situación de la realidad". Esta puede ser también una razón importante por la que eligió pintar "Guernica". Sin embargo, la expresión de la realidad en su pintura es completamente diferente al método de expresión del realismo tradicional. El rico simbolismo de sus pinturas es difícil de encontrar en obras realistas ordinarias. El propio Picasso explicó una vez el significado simbólico de esta pintura, diciendo que el toro simboliza la violación, el caballo herido simboliza el sufrimiento de España y las luces brillantes simbolizan la luz y la esperanza... Por supuesto, en el cuadro también se representan muchas escenas realistas. En el lado derecho de la pintura, una mujer llora al cielo mientras sostiene a un bebé muerto en sus brazos. Debajo de ella hay un soldado tirado en el suelo sosteniendo flores y una espada rota. En el lado izquierdo de la pintura, un hombre aterrorizado levantó las manos en el aire y gritó. No muy lejos de él, la mujer que huía estaba tan asustada que sus patas traseras parecían no poder seguir el ritmo y se quedaron muy atrás. . Todos estos son retratos reales de las víctimas del terrible bombardeo aéreo. Aquí, Picasso todavía utiliza el lenguaje artístico del clip art. Sin embargo, el efecto visual de cortar y pegar en la pintura no se logra mediante métodos reales de cortar y pegar, sino mediante pintura a mano. Los gráficos de "cortar y pegar" de una pieza apilada encima de otra se limitan a negro, blanco y gris, lo que resalta efectivamente la atmósfera tensa y aterradora de la imagen.
En pocas palabras, ¡es el estilo lujoso y lujoso del siglo XVII! Debido al predominio de la iglesia en ese momento, este estilo fue promovido vigorosamente. También era un estilo de pintura poco común que contaba con el fuerte apoyo de instituciones poderosas ~~~~~
Pero barroco significa movimiento y búsqueda. de novedad, fascinado por el infinito, la inquietud y el contraste, así como por la audaz fusión de diversas formas de arte.
El arte rococó se formó en Francia a principios del siglo XVIII. La delicadeza, la dulzura y la elegancia son sus principales características artísticas. El significado original de Rococó es decoraciones hechas de conchas o piedras pequeñas. Estas pequeñas cosas se llaman "detalles" en el lenguaje popular moderno. Después de los siglos XVII y XVIII, debido al creciente desarrollo de las ciencias naturales en Europa y a la influencia de diversas teorías democráticas y del pensamiento chino de aquella época, nació la "Ilustración", que a su vez propició el desarrollo de la industria y el ascenso del pensamiento democrático., luego se produjo el desarrollo de la revolución industrial y el estallido de la Revolución Francesa; estos cambios en la situación objetiva tuvieron un gran impacto en el desarrollo del arte en esa época;
A principios del siglo XVIII, aunque el arte de estilo barroco continuó siendo popular en toda Europa, al mismo tiempo, un estilo artístico llamado "rococó" surgió en Francia y gradualmente se hizo popular, reemplazando al estilo barroco.
La palabra rococó evolucionó de la palabra francesa rocaille, que originalmente se refería a una decoración interior hecha de una mezcla de conchas y guijarros. Aunque el estilo rococó conserva las características integrales del estilo barroco, carece de la atmósfera religiosa y la expresión emocional exagerada del estilo barroco. Destaca especialmente la atmósfera exquisita y suave y el amplio uso de la luz.
La apariencia de los edificios rococó es similar a la de los edificios barrocos, con énfasis en decoraciones interiores complejas. La escultura y el mobiliario pasan a formar parte de la decoración interior y carecen de funciones independientes.
Tomemos Francia como ejemplo. La arquitectura rococó era extremadamente popular en los interiores durante la época de Luis XV; las superficies planas interiores eran más amplias y las decoraciones como motivos florales y cintas eran muy populares. Los grandes edificios se transformaron en pequeños apartamentos o habitaciones compactas. Entre los muebles, son muy populares las formas en forma de concha, rizadas, así como los patrones en forma de flores, patrones en forma de bandas, etc. mencionados anteriormente. La decoración interior de la Cámara de la Campana del Palacio de Versalles es un famoso edificio rococó.
Debido a que la gente en ese momento perdió interés en el estilo serio de Luis XIV y en su lugar buscó espacios prácticos y amigables, muchas pinturas rococó fueron principalmente pinturas de género. Los colores utilizados en estas pinturas son claros y dulces, y están llenos de elegancia y magnificencia. Además de la lujosa vida aristocrática, los temas de las pinturas rococó también incluyen retratos, paisajes, mitos y la vida civil.
Una de las obras representativas del estilo pictórico rococó puede ser representada por el pintor francés Antoine Watteau. La mayoría de las obras de Watteau están relacionadas con las lujosas condiciones de vida de la aristocracia parisina. Su método pictórico consiste en aplicar pintura directamente sobre el lienzo sin realizar borradores. Watteau estuvo profundamente influenciado por Rubens. Las narices puntiagudas, las bocas pequeñas, los dedos delgados, etc. de los personajes se reproducen en las pinturas de Watteau y los colores también son muy brillantes. En la aplicación de la luz, Watteau no era como los pintores barrocos que limitaban la gama de partes contrastantes de luz y oscuridad, es decir, la parte brillante de las pinturas barrocas tradicionales no sería demasiado amplia, seguida de la parte oscura. Pero en la pintura rococó la gama de brillos es bastante amplia. Este método de manejo de la luz se puede ver en otros dos pintores rococó, como Boucher.
El arte barroco
Renacimiento significa equilibrio, moderación, solemnidad, razón y lógica, mientras que barroco significa movimiento; búsqueda de la novedad, entusiasmo por el infinito, inquietud y contraste, y una audaz fusión de diversas formas de arte. El arte barroco era contrario a la calma y la moderación del arte renacentista y se caracterizaba por el dramatismo, el lujo y la exageración. Las pinturas de estilo barroco presentan movimientos humanos vívidos y audaces, colores brillantes y énfasis en los cambios de luces y sombras. Enfatizan la conciencia humanista más que los pintores del Renacimiento. No sólo en la pintura, el arte barroco representa todo el campo del arte, incluida la música, la arquitectura, las artes decorativas y más.
Figuras representativas: Rembrandt y Rubens. Las pinturas religiosas de Rubens presentan intensas poses humanas y colores brillantes; las pinturas de Rembrandt son como si estuvieran en un escenario, con los rostros de los personajes en áreas resaltadas, creando un fuerte contraste con las sombras circundantes.
El arte barroco apareció en Europa en el siglo XVII. Se originó en Italia y posteriormente se hizo popular en toda Europa. Se caracteriza por la búsqueda de la pasión y el desempeño deportivo, enfatizando la hermosa y hermosa decoración. Este estilo se refleja en diversas categorías de bellas artes como pintura, escultura y arquitectura. Rubens de Flandes es una figura representativa de la pintura barroca. Sus pinturas apasionadas y coloridas tienen una influencia duradera en la pintura occidental. Los maestros realistas de la misma época, como Rembrandt de Holanda y Velázquez de España, también tenían esta habilidad hasta cierto punto.