Dibujo de diseño de ilustración de moda: conceptos básicos de la ilustración de moda Proporciones del cuerpo humano de moda Tutorial gráfico detallado paso a paso
¡Las ilustraciones de moda más candentes y llamativas ya están aquí!
Obras de la popular ilustradora de moda Helen Downie
Como medio de comunicación visual veterano, la ilustración de moda no solo ha seguido desarrollándose en la nueva era, sino que también ha generado muchas nuevas formas de expresión. con diferentes estilos. ¿Cuántos de los ilustradores de moda más populares y llamativos y sus trabajos conoces?
La edad de oro de la ilustración de moda
En los primeros días, las ilustraciones de moda y las revistas de moda funcionaban La dura cooperación le ayudó a entrar en su apogeo. En aquella época, las revistas casi sin excepción necesitaban utilizar ilustraciones para ilustrar todo, desde la portada hasta las páginas interiores. Los lectores de aquella época recibían información sobre la moda, el arte, el gusto, etc. a través de exquisitas ilustraciones. Se puede decir que las revistas de moda y las ilustraciones de moda en ese momento mantenían una relación de beneficio mutuo.
Portada de la revista Harper's Bazaar
La colisión entre ilustraciones de moda y marcas de moda
En la era digital, la fotografía se ha convertido en la principal fuente de comunicación visual de revistas y publicaciones. Aunque la era de las revistas con ilustraciones de moda como principal medio de promoción ha terminado, la industria de la ilustración de moda no se ha quedado dormida, sino que está en constante desarrollo y evolución en nuevas direcciones.
Colaborar con ilustraciones de moda y marcas de moda es el nuevo camino de mayor éxito descubierto en la actualidad. Como la marca más actual hoy en día, Gucci a menudo busca algunos ilustradores populares en las redes sociales para cooperar.
Las siguientes obras coloridas y poéticas son creadas por la ilustradora Helen Downie. Cabe mencionar que esta ilustradora sumamente profesional es en realidad un ama de casa sin experiencia profesional. Su legendaria experiencia y sus pinturas se hicieron populares en Internet al mismo tiempo. Además, su estilo de pintura es sorprendentemente similar al nuevo concepto estético defendido por Gucci, por lo que el director creativo de la marca se enamoró de su trabajo de un vistazo y lanzó una serie de cooperaciones en profundidad.
Las obras de Helen Downie
Aunque es madre, sus obras desenfrenadas siempre revelan una sensación de inocencia propia de una niña. Especialmente los grandes ojos inocentes de los personajes del cuadro son extraños y llenos de infantilismo.
El trabajo de Helen Downie
Sin embargo, esta no es la primera vez que Gucci colabora con ilustradores de moda. Anteriormente, la marca también invitó a otro ilustrador, Alex Merry, para lanzar una colaboración más "artística".
Desde Nueva York hasta Londres, desde Milán hasta Shanghai, las ciudades con paredes de arte han sido ocupadas casi de la noche a la mañana por las creativas ilustraciones de moda de Alex. Es raro que una ilustración de moda tan gigante se presente así, por lo que cuando se publicó la imagen del muro artístico, inmediatamente causó conmoción en Internet.
Las obras de Alex Merry
Además, Gucci también producirá y venderá productos a partir de las ilustraciones, para que todos los consumidores interesados puedan encontrar y poseer estos productos. Hacen realidad estos fantásticos productos ideales. Por otro lado, los espectadores pueden ver en estas ilustraciones de moda de estilo romántico que el estilo de la ilustración de moda ya no es único.
Obras de Alex Merry
Hablando de cooperación transfronteriza entre ilustraciones de moda y marcas, hay que mencionar a Prada. En la serie masculina de primavera y verano de 2018, la marca invitó al ilustrador James Jean a una segunda colaboración, lo que demuestra la popularidad de sus obras.
Obras de James Jean y Oliver Schrauwen
Esta vez, James Jean y el grafitero belga Oliver Schrauwen se unieron para crear ilustraciones del espacio de la muestra. Los espectadores que miran estas pintorescas obras son como mirar páginas de historietas animadas e interesantes.
Al mismo tiempo, el autor también produjo especialmente un vídeo promocional ilustrado del mismo estilo para Prada. El genial estilo de ilustración de James, combinado con el estilo de moda futurista de Prada, se complementan a la perfección.
Obras de James Jean
En el desfile de ropa femenina de Prada del mismo año, la marca también decidió unir fuerzas con ilustradores de moda. Esta colaboración invitó a ocho ilustradoras: Stellar Leuna, Trina Robbins, Brigid Elva, Joelle Jones, Giuliana Maldini, Natsume Ono, Emma Ríos y Fiona Staples.
Además de crear conjuntamente las obras de pared en el espacio de exposición, también integraron perfectamente sus trabajos de ilustración en la serie de moda de la nueva temporada. Si bien sus trabajos de estilo cómic inyectan vitalidad a la moda, también aumentan la posibilidad de estilizar las ilustraciones de moda.
Hoy en día, las ilustraciones de moda ya no siguen reglas. Siempre que estés dispuesto a poner el lápiz sobre el papel, cada uno puede crear sus propias ilustraciones.
Las obras de Grace Coddington
Ilustraciones de moda pioneras
Además de la cooperación transfronteriza con marcas de moda, también hay algunos ilustradores de moda profesionales que insisten en la creación independiente. . Mientras dominaban las técnicas básicas de la ilustración, ampliaron y exploraron las formas pictóricas de las ilustraciones de moda y descubrieron su propio estilo.
El ilustrador de moda pionero Velwyn Yossy ha creado una serie de obras únicas. Se puede ver en las líneas suaves y limpias de los personajes de sus obras y en las proporciones generales exageradas pero aún apropiadas que siempre ha perseguido el concepto estético del modernismo.
Las obras de Velwyn Yossy
Otro ilustrador de moda estrella en ascenso, Ernesto Artillo, ha extendido las ilustraciones de moda hacia una dirección más abstracta. Sus técnicas únicas de expresión visual rompen la comprensión tradicional del público sobre las formas de expresión de la ilustración de moda.
Algunas de sus obras surrealistas recientes combinan cosas dinámicas y estáticas, virtuales y reales, y utilizan el dibujo a mano y el collage para amplificar infinitamente el impacto visual de las ilustraciones, dándoles un estilo principalmente estático que tiene la ilustración de moda. un poco de impulso.
Las obras de Ernesto Artillo
Sus obras creativas no sólo se publican desde hace mucho tiempo en las principales revistas, sino que también se exponen a menudo en todo el mundo. Ernesto Artillo dijo: "Espero sentirme relajado y emocionado cuando vea mis obras. Lo mismo ocurre en la vida diaria. Buscaré el equilibrio y cómo romper con el estado existente".
Obras de Ernesto Artillo
Aunque la época dorada de la ilustración de moda ha pasado, es innegable que la ilustración de moda sigue ocupando un lugar en el campo de la moda y está llena de un alto valor artístico.
La ilustración de moda es una de las pocas industrias que puede combinar perfectamente negocios y arte, y la continua aparición de trabajos de ilustración popular ha aumentado la posibilidad de que la ilustración de moda siga avanzando.
Ilustraciones de moda dinámicas de James Jean
Después de comprender estas ilustraciones de moda más populares y llamativas, todos pueden tomar el bolígrafo e intentar explorar nuevos caminos en la ilustración de moda. El próximo pollo frito popular puedes ser tú.
Maravillosa reseña:
[Editor, Texto/Chen Zhuo] Ilustración de moda: El “diablo de la moda” con 500 años de historia
La ilustración de moda ha Ha existido durante casi 500 años. Desde la llegada de la ropa, ha existido la necesidad de transformar las ideas o imágenes del diseño de ropa en ilustraciones de moda. Esta forma visual se originó en la ilustración, el dibujo y la pintura y también se la conoce como "dibujo de moda". Los diseñadores de moda utilizan principalmente los "bocetos de moda" para intercambiar ideas en papel o digitalmente; su función principal en el diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la ropa real.
A continuación, veremos por etapas el proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, el "diablo de la moda" con una historia de 500 años.
1. El comienzo de la ilustración de moda
La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas en varios países del mundo.
Se imprimieron libros que ilustraban lo que era apropiado para diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y la agitación social causada por estos descubrimientos.
Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, que contenían paneles de figuras vestidas según una nacionalidad o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Es probable que estas ilustraciones sean utilizadas por diseñadores de vestimenta, modistas y sus clientes para inspirar nuevos diseños.
Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear detalles realistas de ropa y trajes de época.
Estas publicaciones periódicas comenzaron en Francia e Inglaterra en la década de 1670 y se consideran las primeras revistas de moda e incluyen Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. . Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta al creciente número de lectoras femeninas ávidas de las últimas novedades sobre moda. No fue hasta finales del siglo XVIII y principios del XIX que las ilustraciones de estilo masculino adquirieron tanta importancia como las femeninas.
2. La placa de moda en el siglo XIX
La placa de moda saltó a la palestra a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período aparecieron publicaciones como la de Horace Venet. "Conjunto incroyable de Merveilleuses", etc. Los objetos, así como una serie de fotografías de moda en acuarela grabadas por Georges-Jacques Gatine durante el período de Napoleón I, se hicieron famosas durante un tiempo.
La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda constante de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron como resultado más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan orientación general sobre confección.
En esta etapa también apareció la personalización de la alta costura (apareció en la década de 1860). Las empresas de moda contrataban ilustradores, que trabajaban directamente con los diseñadores de ropa femenina. Cuando los diseñadores colgaban las telas sobre los modelos vivos, las ilustraciones. El diseñador esbozará el nuevo diseño. También crean ilustraciones de cada diseño de la colección terminada, que luego pueden enviarse a los clientes.
A finales del siglo XIX, la impresión a color a mano fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales podía verse desde atrás o de lado, para que la prenda pudiera verse desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Se adhieren a convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.
3. Las revistas de moda y las ilustraciones en el siglo XX
En las primeras décadas del siglo XX, floreció por primera vez la ilustración de moda en el sentido moderno. A medida que la distribución de los últimos estilos de moda se volvió cada vez más rentable, el trabajo de ilustrador de moda se convirtió en una carrera. La moda, que antes era obra de artistas individuales, se está convirtiendo ahora en una industria que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas inventaron un nuevo pasatiempo cuyo nombre completo es la cultura de compras.
La revista francesa de lujo Gazettedubonton, publicada entre 1912 y 1925, reunió a un grupo de jóvenes artistas a quienes se les dio una libertad sin precedentes para interpretar la moda.
Iribe fue una figura destacada entre estos ilustradores de moda, contribuyendo a prestigiosas publicaciones que también incluían a Charles Martin, Eduardo García Benito, George · George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las planchas que produjeron para la Gazette mostraban la influencia de los grabados en madera japoneses, así como nuevas variaciones del estilo Art Déco.
En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren tendencias en ocasiones sociales así como ropa contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con el genio Erte, que duró de 1915 a 1938 y fue uno de los contratos más largos en la historia editorial.
Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la revista Vogue siempre contó con ilustraciones en sus portadas. Las primeras portadas de Vogue presentaban ilustraciones de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape, F.X.
Después de la Primera Guerra Mundial, se les unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud) y AndreMarty.
4. La edad de oro de la ilustración de moda
Las décadas de 1920 y 1930 representaron la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista de moda y un dibujante consumado. Muchas personas son capaces de representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela con autoridad y convicción.
Los nuevos avances tecnológicos en fotografía e impresión comenzaron a colocar reproducciones de fotografías directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los gráficos de moda ya no eran representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la opción preferida de las revistas; Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y que se comenzaban a incorporar ilustraciones en las páginas interiores.
Con la recesión que siguió a la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos dio grandes pasos, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media dependían de costureras calificadas para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para las modistas domésticas.
El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda tanto como sea posible a los lectores. La fotografía libera a los ilustradores de la necesidad de registrar con precisión la ropa y se inclina más a interpretar la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas, que se interesan principalmente por obtener interesantes efectos pictóricos y decorativos, se sienten agobiados y, por tanto, aburridos de reflejar fielmente cualquier cosa que esté en el espíritu de la moda contemporánea".
El "New Look" de Dior " de finales de la década de 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a tiempos más alegres y optimistas.
5. La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda
En la década de 1950, los editores de moda habían destinado más presupuestos a la comunicación editorial de la fotografía. La posterior elevación de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tuvieron que contentarse con producir artículos sobre lencería y accesorios, o trabajar en campañas publicitarias.
Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas para adolescentes dirigidas a adultos jóvenes, de las cuales muchas se publicaron en la década de 1960, todas Todas las ilustraciones se centran en la ilustración como una alternativa económica a la fotografía.
Antonio López (Antonio López) fue el único artista que apareció regularmente en la revista Vogue durante este período. Su carrera comenzó en "Women's Wear Daily".
Durante la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda luchó por sobrevivir, y no fue hasta la década de 1980 cuando comenzó a resurgir. La nueva generación de artistas apareció en revistas como La Modeenpeinture (1982), Conde Nast's Vanity (1981) y Visionaire (1991). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, específicamente a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.
6. La ilustración de moda hoy
En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Dado que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas tanto en la moda como en el arte, la ilustración de moda a veces puede parecer un retroceso a una época anterior.
La fotografía es tan buena para registrar los detalles de una prenda que el foco del ilustrador ya no está en una representación exacta de la prenda, sino en explicar la prenda y su posible portador. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una variedad de estilos artísticos únicos, habilitados por herramientas digitales y plataformas de redes sociales. En la década de 1990, los ilustradores pioneros Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a surgir en el campo de los gráficos por computadora.
Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer ilustración como un elemento específico de sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo buscan inspiración en los maestros del pasado. Las ilustraciones de moda basadas en métodos clásicos han complementado con éxito las ilustraciones creadas mediante procesos más modernos.
La ilustración se ha vuelto popular recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda están empezando a llamar la atención. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones intrincados y una personalidad infinita que causan una impresión duradera.
Bienvenido a visitar la cuenta pública "Painting Practice", puede recibir un paquete de regalo gratuito con los secretos de pintura de los ilustradores y conocer las tendencias de precios de las ilustraciones comerciales en el mundo. Conceptos básicos de la ilustración de moda | Gráfico detallado y tutorial paso a paso sobre las proporciones del cuerpo humano de moda
El cuerpo humano de moda también se llama cuerpo humano "boceto", que es la forma básica del cuerpo de moda. Podemos diseñar ropa o dibujar un plano a partir del dibujo del cuerpo humano, que también es el punto de partida de la ilustración de moda.
Dibujar un boceto del cuerpo humano de moda
En primer lugar, debes estar familiarizado con algunas reglas de proporción.
El cuerpo humano de moda se mide por la "longitud de la cabeza", y cada longitud de la cabeza representa 1 pulgada. En circunstancias normales, el cuerpo humano de la moda tiene básicamente 10 cabezas de largo, pero eso no significa que 9 u 11 cabezas sean completamente incorrectas. Más a menudo, es necesario decidirlo en función de las características de la ropa dibujada. Por ejemplo, si una camisa es holgada, tiene mangas grandes o cuello grande y tiene muchos detalles de corsé, puede tener cintura y cuello más largos; si tiene mangas murciélago exageradas, los brazos deben ser más largos; Si es falda, las piernas deben ser más largas.
Ropa diferente requiere un enfoque diferente, y un enfoque diferente requiere métodos de exageración diferentes.
El siguiente es un ejemplo de un cuerpo humano con 10 cabezas:
1. Dibuja una línea vertical en el papel y luego divídela en 10 intervalos. La línea superior es 0 y la línea inferior es 10.
Cada línea representa una parte diferente del cuerpo humano.
2. Cabeza: Dibuja una elipse entre 0 y 1. El mentón está exactamente en la línea 1.
3. Hombros y cuello: Dibuja el cuello y los hombros entre 1 y 2. El ancho de los hombros es aproximadamente 1,5 longitud de la cabeza (los estilos especiales de ropa pueden variar).
4. Cintura y caderas: Dibuja una línea desde ambos extremos de los hombros (línea de los hombros) hacia abajo hasta la línea de la cintura. El ancho de la cintura es aproximadamente 3/4 del largo de la cabeza. Dibuja una línea desde ambos extremos de la cintura (cintura) hasta las caderas (punto más alto 4 de las caderas). El ancho de las caderas es mayor que el largo de la cabeza y la cintura, pero menor que el ancho de los hombros.
5. Piernas: Dibuja una línea recta que se estrecha gradualmente desde ambos extremos de las nalgas, de 4 a 10.
6. Pies: Dibuja un triángulo en la parte exterior del extremo inferior de la pierna. La base del triángulo es el dedo del pie y, en la línea 10, el vértice del triángulo es el tobillo.
7. Brazos: Dibuja líneas gradualmente ahusadas hacia abajo desde la línea del hombro hasta la muñeca.
8. Manos: Utiliza rectángulos y triángulos para dibujar aproximadamente las manos, con las yemas de los dedos en la línea 5.
Ahora tienes dibujado un cuerpo humano básico y aproximado.
9. Alisa todas las partes del cuerpo humano. (La conexión natural entre la cabeza, el cuello y los hombros, las axilas y la cintura, la línea superior de la cadera, las nalgas, la entrepierna y los tobillos, los pies y los brazos)
En cuanto a las proporciones corporales ideales del cuerpo humano de moda, de hecho , debes ser flexible y aceptar los cambios de moda. Lo que parece perfecto en una época puede parecer extraño en otra. Por ejemplo, si miras a Monroe en la década de 1950 según los estándares actuales, muchas personas pueden pensar que está un poco gorda.
Los siguientes estándares determinan el cuerpo de moda "perfecto" de una determinada época:
Modelos o celebridades de esa época
Énfasis en partes del cuerpo y ciertas posturas del personaje
Ajustar ropa y ropa interior u otras decoraciones, o ninguna decoración
En términos generales, el cuerpo humano de moda debe ser más alto que el cuerpo humano común, para que el cuerpo de moda pueda exhibirse mejor y el efecto del cuerpo de moda pueda resaltarse en fotografías u obras de arte.
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