Carteles de música pintados a mano-6 pasos y técnicas para hacer carteles POP pintados a mano
¿Cuáles son las características del diseño de carteles pintados a mano?
1. Personalidad y arte únicos: el diseño de carteles pintados a mano es diferente del diseño de gráficos por computadora convencional y tiene más creatividad y Personalidad del artista. Utilice técnicas de pintura a mano para crear efectos visuales únicos. 2. Natural, real y cálido: los carteles pintados a mano están llenos de la calidez del arte hecho a mano. Son diferentes de los dibujos fríos a máquina y son más naturales y reales. 3. Música, literatura y creatividad: muchos diseños de carteles requieren el diseño de temas específicos como literatura, arte y música. En este caso, los carteles pintados a mano pueden presentar un efecto más vívido y novedoso con detalles creativos. 4. Sensación, textura y detalle: en el diseño de carteles pintados a mano, diferentes líneas, niveles de color, saturación de color, grosor, etc. pueden presentar una sensación, textura y detalle ricos, haciendo que la imagen sea más tridimensional y llena de vida. como. 5. Emociones, estados de ánimo y expresiones: los carteles pintados a mano son adecuados para expresar emociones, emociones y otros sentimientos psicológicos. Pueden expresar las ideas del diseñador a través de la creatividad y los elementos de diseño del arte pintado a mano, transmitiendo así las emociones y sentimientos correspondientes. a la audiencia. 6 pasos y técnicas para hacer carteles POP pintados a mano
6 pasos y técnicas para hacer carteles POP pintados a mano
El POP pintado a mano es un tipo de publicidad POP, que se Se utiliza para estimular y guiar el consumo y animar el ambiente de la tienda. Debido a su bajo costo de producción, colores brillantes y ser un vendedor silencioso, es el favorito de la industria minorista. Entonces, ¿cómo hacer carteles POP pintados a mano? ¿Cuáles son las técnicas? Aprenda más sobre esto a continuación.
Seis pasos y técnicas principales para hacer carteles POP pintados a mano 1
El proceso general de hacer carteles POP pintados a mano
Paso uno: Recopilar actividades o productos relacionados con el evento Contenido relevante
Paso 2: Refina el título y agiliza el texto
Paso 3: Elige el formato adecuado
Paso 4: Elige el Combinación de colores adecuada
Paso 5: Seleccione ilustraciones relevantes
Paso 6: Haga POP de acuerdo con los requisitos de formato
Consejos para hacer POP pintados a mano
Primero, practique bien la ortografía POP dibujada a mano o los tipos móviles.
Las palabras son la base de un cartel. Se recomienda que los principiantes compren un cuaderno y utilicen marcadores y cuadrículas de caligrafía para practicar la caligrafía.
En segundo lugar, domine varios métodos de decoración de fuentes de uso común.
El título es el alma de un cartel. Un buen título no sólo puede resaltar el tema, sino también hacer que la imagen sea más vívida. Pero hay muchas formas de decorar títulos y es posible que los principiantes no encuentren la dirección adecuada. También puede encontrar varios métodos de decoración que le gusten durante la práctica. De esta manera, no solo será más fácil dominar las técnicas, sino que también el efecto de aprendizaje será mejor. Al mismo tiempo que acortará el tiempo de producción, mejorará rápidamente la calidad de los estudiantes. 'Carteles POP pintados a mano.
En tercer lugar, preste atención a la composición tipográfica y al diseño.
La composición tipográfica más sencilla es la disposición horizontal. Los principiantes prefieren buscar estabilidad que esperanzas extravagantes de supervivencia y cambio. En este momento, el texto principal y las palabras del título se pueden decorar con líneas decorativas o bloques de colores para distinguirlos entre sí, pero también hacer eco entre sí. Otros diseños son los siguientes:
Deje espacio en los cuatro lados del póster.
Esto también se llama la "respiración" externa de los carteles POP. Si no hay respiración, el contenido escrito del cartel será empujado hacia los cuatro lados, lo que hará que la gente se sienta asfixiada y con opresión en el pecho. El ancho específico del espacio en blanco variará según el tamaño del póster. 2 abiertos (530 cm × 760 cm). El papel POP debe dejar de 3 a 5 cm de espacio en blanco en todos los lados. ) El papel POP debe dejar de 2 a 4 cm de espacio en blanco en los cuatro lados. Generalmente, deje de 0,5 a 1 cm en blanco en los cuatro lados de la tarjeta de explosión.
El interlineado es mayor que el interlineado entre caracteres.
Siempre que el contenido POP tenga más de 2 líneas (incluidas 2 líneas), se debe tener en cuenta que el espacio entre líneas de cada línea de texto debe ser mayor que el espacio entre caracteres. El tamaño de interlineado específico generalmente está entre 1/3 y 1/2 de la altura del carácter. El requisito para el espaciado entre palabras es que las palabras deben estar cerca unas de otras, pero generalmente no deben estar conectadas y se debe dejar un cierto espacio.
El título, las ilustraciones y el texto representan cada uno aproximadamente 1/3 del área del póster.
El título y el subtítulo de un POP juntos deben ocupar entre 1/4 y 1/2 de toda el área del POP. Normalmente, el título ocupa aproximadamente 1/3 del área del póster. (Cuando el contenido del texto POP es relativamente pequeño, el título puede ocupar aproximadamente la mitad del área del póster; cuando el contenido del texto es relativamente grande, el título también se puede comprimir a 1/4).
Cuarto, color. No seas demasiado ni confuso.
Un cartel puede tener de 3 a 5 colores temáticos. Demasiados colores lo desordenarán, mientras que muy pocos colores no lograrán resaltar los puntos clave. Por esta razón, el autor recomienda que la palabra del título se pueda escribir en 1 a 3 colores, el texto principal se escriba en un color (es decir, escrito hasta el final con un bolígrafo) y el contenido clave (como " entrega", precio, fecha) se puede escribir en otro color.
En quinto lugar, la elección de las ilustraciones debe ser relevante para el producto.
Por ejemplo, la imagen siguiente muestra a una mujer joven y esbelta. Es fácil pensar que los clientes objetivo de Besunyen son mujeres jóvenes, y su figura esbelta puede demostrar mejor el efecto adelgazante del producto.
Sexto, producción de carteles del evento.
En términos generales, el título principal de los carteles de actividades es relativamente directo, de modo que la gente pueda saber qué actividad se trata de un vistazo, o el título principal debería ser más interesante y el subtítulo debería ser más sencillo.
Generalmente existen dos tipos de plantillas de texto para carteles de eventos
1. Tipo de hora y lugar. Al igual que cuando era niño, escribía una composición y contaba "qué pasó, a quién, a qué hora, dónde y qué pasó". Con este tipo de cartel de evento, podemos informar a todos sobre la hora, el lugar y otras cosas que sean necesarias. para ser notificado.
2. Premio tipo seducción. "Con grandes premios, siempre habrá hombres valientes." Si su competencia tiene grandes premios, ¿por qué no decírselo a todos? Tal vez el número de participantes se duplique y la atmósfera del evento sea aún más ALTA.
Por supuesto, quedará más atractivo con una ilustración de dibujos animados relevante.
Seis pasos y técnicas para hacer carteles POP pintados a mano Parte 2
Pintura basada en fotografías
Para principiantes, no hay mejor manera de aprender a pintar a mano. pintar que pintar basándose en fotografías. Las imágenes les resultan más útiles y sientan una base sólida para futuros bocetos y creaciones al aire libre. Si los estudiantes que acaban de empezar a dibujar van directamente al campo a dibujar, generalmente sentirán que no saben por dónde empezar. O la proporción es incorrecta o es demasiado parcial, están estancados en la expresión de luces y sombras. , etc. Por lo tanto, es relativamente fácil crear una imagen basada en una fotografía. Los estudiantes no necesitan distraerse con la luz, las sombras, el color y las proporciones. El punto clave es comprender la relación general entre los niveles de negro, blanco y gris, y la expresión del negro no es una expresión de boceto rigurosa. Enfatiza principalmente la expresión general y comprende la densidad y el ritmo de la imagen. Por lo tanto, la práctica del dibujo a mano de Mengtu es muy necesaria. Debemos practicarlo de manera constante, comprender el lenguaje organizativo de la imagen y aprender a tomar decisiones.
Cuestiones a tener en cuenta a la hora de pintar
1. Pintura selectiva
Cada fotografía que elegimos no puede ser perfecta, y necesitamos recomponer el cuadro al máximo. El principio importante es elegir el centro visual y el enfoque de cada una de tus fotos, es decir, el tema de la foto en sí. El resto son enlaces secundarios y deben recortarse adecuadamente. Pinturas que sean capaces de resumir, omitir audazmente y resumir según las necesidades del cuadro, y realizar el procesamiento subjetivo necesario. No es necesario que ningún objeto esté detallado en todos los detalles. Se puede desplazar adecuadamente según la imagen, se pueden cambiar los objetos, se pueden agregar fondos, etc., todo para resaltar el tema.
2. Fortalece el contraste
Fortalece el contraste de los cambios de profundidad claros y oscuros, haz que los brillantes sean más brillantes y los oscuros más oscuros, y abre las capas. Fortalezca el contraste entre la densidad y la densidad de la imagen, exprese el material del objeto y enfatice la diferencia de material. La densidad debe ser apropiada para lograr verdaderamente el estado de ser escaso y hermético.
3. Capta la forma
En la imagen enmascarada, debes captar la forma con fuerza y presentar una estructura clara, para que puedas usar el bolígrafo en su lugar. Los trazos y líneas dependerán de la estructura del objeto. Ve y consigue el efecto de vencer más con menos. No ignores el grosor y el volumen de los objetos y ten paciencia al explorar estos detalles, para que la imagen sea llamativa.
4. Técnicas de Expresión
Existen muchas formas de expresión en la pintura basadas en fotografías. No se limita a utilizar la relación de densidad de las líneas para expresar el efecto de la imagen. Utilice bolígrafos, colores claros o renderizados. La técnica proporciona colores intensos para hacer que la imagen sea más vívida y enérgica. En el proceso de colorear, debes prestar atención a comenzar desde lo menos profundo hacia lo más profundo, profundizar capa por capa, comenzar desde el todo, resaltar el contraste, rodear el cuerpo principal y tallarlo con cuidado. Finalmente, el ejercicio de enmascaramiento ayuda a mejorar nuestra capacidad de generalización altamente unificada y la capacidad de controlar el brillo, el gris y la oscuridad de la imagen. Esto ayudará a los principiantes a entrar en ese estado rápidamente y es uno de los atajos para aprender a pintar a mano.
Seis pasos y técnicas para realizar carteles POP pintados a mano Parte 3
El gouache es un pigmento opaco de acuarela que se utiliza para pintar representaciones arquitectónicas desde hace mucho tiempo. Debido a su fuerte cobertura, las técnicas de pintura son fáciles de dominar. La siguiente es una introducción a la técnica de dehalación del renderizado gouache.
La retroiluminación en los renders arquitectónicos es la clave para expresar luces y sombras. La principal diferencia entre la reproducción de gouache y acuarela radica en las pinceladas y los métodos de cobertura. No es aconsejable utilizar un pincel general para eliminar el halo de manera uniforme en un área grande. Debe utilizar un pincel pequeño para aplicar rápidamente pintura gouache muy espesa sobre el papel de dibujo y cepillarla hacia adelante y hacia atrás repetidamente. Si el área no es grande, puedes usar un bolígrafo plano gouache para aplicar color en el papel de una sola vez. Durante el proceso de dehalación, se pueden utilizar varios cepillos al mismo tiempo según las características de los diferentes cepillos para lograr buenos resultados.
Existen varios métodos para desflorar en gouache:
(1) Método directo o método de coloración continua
Este método de desfloración utiliza principalmente una pequeña área de renderizado, esta pintura El método consiste en mezclar la pintura directamente, haciendo hincapié en tocar los puntos con el pincel en lugar de dejar que el color fluya hacia abajo. Para áreas grandes de renderizado de gouache, use un pincel pequeño para cepillar hacia adelante y hacia atrás, agregando color mientras cepilla para que se desvanezca. El papel debe mantenerse húmedo.
(2) Método de renderizado que imita el "lavado" de tinta y acuarela.
Aunque el gouache es más espeso que la tinta y la acuarela, aún puede fluir lentamente a lo largo de la pendiente del tablero como siempre y cuando la pendiente de la tabla sea más pronunciada hacia abajo. Por lo tanto, el método de "lavado" se puede utilizar para representar una gran área de halo. El método es exactamente el mismo que el de la tinta y la acuarela. No entraré en detalles aquí.
(3) Método de representación del puntillismo
Este método utiliza pequeños puntos para componer la imagen. Lleva mucho tiempo y se realiza con paciencia y cuidado utilizando diferentes pinturas gouache en diferentes capas. . El cielo, los árboles, las piscinas y el césped se pueden pintar con puntillismo. Los objetos representados son ricos en color y tienen una fuerte sensación de luz.
(4) Método de renderizado por pulverización
La pulverización utiliza aire comprimido para rociar gouache o un pigmento especial desde la boquilla de una pistola rociadora para formar una niebla granular. Antes de pulverizar, prepare una máscara tallada para cubrir. Por lo tanto, este método es más complicado, requiere más tiempo y requiere más mano de obra.
En definitiva, el propósito de realizar dibujos de representación arquitectónica es representar mejor el edificio y expresar la intención de diseño del arquitecto. En cuanto a qué técnica de representación elegir, depende del dominio y preferencia de cada persona. Una representación arquitectónica no es más que un “manual de instrucciones” para el trabajo de un arquitecto.
Seis pasos y técnicas para realizar carteles POP pintados a mano Parte 4
1.
El contraste es la técnica de modelado básica del diseño artístico. Comparar dos cosas, formas, colores, etc. diferentes se llama contraste. Como cuadrado y círculo, antiguo y nuevo, tamaño, blanco y negro, profundidad, grosor, etc. Coloque dos elementos obviamente opuestos en el mismo espacio y diséñelos para que sean a la vez antagónicos y armoniosos, contradictorios y unificados, a fin de lograr un fuerte contraste en el fuerte contraste y lograr efectos complementarios y satisfactorios.
2.
Armonía incluye el significado de armonía. Con la premisa de cumplir con los requisitos funcionales, armoniza la combinación de forma, color, luz, calidad, etc. de varios objetos de interior para convertirse en un todo muy armonioso y unificado. La armonía también se puede dividir en armonía de entorno y forma, armonía de textura material, armonía de tono, armonía de estilo, etc. La armonía puede permitir a las personas obtener tranquilidad y satisfacción pacífica visual y psicológicamente.
3. Simetría
La simetría es una técnica tradicional de belleza formal y la ley más antigua de la belleza formal dominada por los humanos. La simetría se divide en simetría absoluta y simetría relativa. La simetría arriba y abajo, izquierda y derecha, y la simetría de la misma forma, color y sustancia son simetría absoluta. Lo que se utiliza en diseño de interiores es la simetría relativa.
La simetría da a las personas una sensación de orden, solemnidad, pulcritud y la belleza de la armonía.
4. Equilibrio.
En la vida, el gallo dorado es independiente y el actor camina sobre la cuerda floja, brindando a las personas un disfrute artístico visual estable del equilibrio de fuerzas y permitiéndoles obtener una mentalidad de equilibrio visual. con formas desiguales y cantidades iguales según el eje central y el punto central, componentes y configuraciones de color. Comparado con las formas equilibradas y simétricas, tiene un encanto vivo, vivo, armonioso y elegante.
5. Niveles.
En una composición decorativa hay que distinguir claramente las capas para que el cuadro tenga profundidad, amplitud y riqueza. Si falta jerarquía, se sentirá mediocre. El diseño de interiores también debe perseguir un sentido de jerarquía espacial. Por ejemplo, el color cambia de frío a cálido, el brillo cambia de claro a oscuro, la textura cambia de compleja a simple, la forma cambia de grande a pequeña, de cuadrada a redonda, la composición cambia de concentrada a dispersa y el la textura es única a diversa, etc., todo puede verse como un cambio de capas ricas. Los cambios de capa pueden lograr efectos de perspectiva extremadamente ricos.
6.
La respuesta es como una sombra que se acompaña entre sí. En el diseño de interiores, el techo, el suelo, la mesa y otras partes adoptan el método del eco, y el procesamiento de la forma desempeñará un papel correspondiente. El eco es una forma de belleza equilibrada y es una técnica comúnmente utilizada en diversas artes. El eco también se conoce como "simetría correspondiente" y "simetría relativa". Generalmente, se utilizan técnicas como la correspondencia de imágenes, el impulso virtual y real, etc. lograr el efecto artístico del eco.
7. Continuación.
La continuación se refiere a la extensión continua. La gente suele utilizar la palabra "imagen" para referirse a la apariencia de todos los objetos. Si una imagen se mueve hacia arriba o hacia abajo con regularidad, hacia la izquierda o hacia la derecha, es una continuación. Este tipo de técnica de continuación se utiliza en el espacio para darle al espacio una sensación de expansión u orientación, e incluso puede profundizar la impresión de las personas sobre el paisaje clave del entorno.
8. Simplicidad.
Sucinto o conciso. Esto significa que no hay decoraciones preciosas ni adiciones innecesarias en el ambiente interior. Basándose en el principio de menos pero mejor, la decoración de interiores se reduce al mínimo. Pensando que “menos es más, la sencillez es rica”. La sencillez es una de las técnicas que vale la pena defender en el diseño de interiores, y también es una tendencia muy popular en los últimos años.
9.
Único también se llama específico. La singularidad significa romper con las reglas originales y ser innovador y llamativo. En la naturaleza, "un poco de rojo en el arbusto verde, un espacio verde en el desierto" son manifestaciones únicas. La unicidad se produce en lámina y existe en comparación entre sí. La imaginación innovadora se valora especialmente en el diseño de interiores para crear personalidad y carácter.
10. Tono de color.
El color es uno de los factores importantes en el diseño de artes plásticas. Diferentes colores pueden causar diferentes sensaciones visuales de color en las personas. Por ejemplo, el rojo, el naranja y el amarillo tienen una sensación cálida y se denominan colores cálidos; el azul y el verde tienen una sensación fría y tranquila y se denominan colores fríos. En el diseño de interiores se pueden utilizar varios tonos. Hay muchos tipos de tonos, que generalmente se pueden resumir como "el mismo color, color similar, color adyacente, color contrastante", etc., que se pueden utilizar de forma flexible según los diferentes. ambientes. Cómo utilizar la visión de la música para el diseño gráfico
La definición de diseño gráfico generalmente se refiere a ser artístico y profesional, utilizando lo "visual" como forma de comunicación y expresión. Cree y combine símbolos, imágenes y texto de diversas formas para crear representaciones visuales que transmitan ideas o mensajes. Los diseñadores gráficos pueden utilizar habilidades profesionales en tipografía, artes visuales, diseño de páginas, etc. para lograr el propósito del plan creativo. El diseño gráfico generalmente se refiere al proceso de producción (diseño), así como al trabajo final completado.
(1) El proceso de utilizar algunas operaciones especiales para procesar algunas imágenes digitalizadas.
(2) Es un contenido integral que integra tecnología informática, tecnología digital y creatividad artística.
La definición de diseño: El diseño es una actividad artística creativa basada en un entorno comercial que es llevada a cabo intencionalmente por diseñadores, que es diferente del arte. El diseño es un tipo de trabajo o profesión, una actividad de modelismo con funciones estéticas, de uso y conmemorativas.
El diseño se basa en la empresa y el público, y les sirve, generando así valor comercial y valor artístico, que se diferencia del ámbito de la apreciación individual o grupal parcial del arte.
Clasificación de diseño gráfico
Diseño gráfico (15 fotos) Los proyectos de diseño gráfico comunes actualmente se pueden resumir en diez categorías: diseño web, diseño de empaque, diseño de publicidad DM, diseño de carteles, medios impresos. diseño publicitario, diseño publicitario POP, diseño de muestras, diseño de libros, diseño de publicaciones, diseño VI.
(1) Diseño gráfico
El diseño gráfico es la expresión de las ideas del autor en forma de imágenes. Se pueden combinar diferentes gráficos básicos en patrones en un plano de acuerdo con ciertas reglas. También se puede crear dibujando a mano. Principalmente en el ámbito del espacio bidimensional, las líneas de contorno se utilizan para dividir el límite entre la imagen y el suelo y representar la imagen. La sensación tridimensional del espacio expresada en el diseño gráfico no es un espacio tridimensional real, sino sólo un espacio ilusorio formado por la guía visual de los gráficos.
(2) Terminología del diseño gráfico
1. Armonía: Entendido en sentido estricto, el diseño gráfico armonioso es unidad y contraste, que no resulta aburrido ni desorganizado. Entendido en un sentido amplio, al juzgar la relación entre dos o más elementos, o partes, el sentimiento y la conciencia que nos da cada parte es una relación global coordinada. 2. Contraste: También conocido como contraste, dos elementos con gran contraste en calidad o cantidad se combinan con éxito para hacer que las personas se sientan fuertes y unidas, haciendo que el tema sea más distinto y el trabajo más activo. 3. Simetría: Supongamos que se establece una línea vertical en el centro de una figura y la figura se divide en dos partes iguales, las partes izquierda y derecha. Las figuras en las partes izquierda y derecha son completamente iguales. 4. Equilibrio: Desde el punto de vista físico, se refiere a la relación de peso. En diseño gráfico, se refiere al equilibrio basado en la distribución y juicio visual de la forma, tamaño, peso, color y material de la imagen. 5. Proporción: se refiere a la relación cuantitativa entre partes y partes, o partes y el todo. La proporción es un factor importante en el tamaño de todas las unidades en el diseño, así como en la disposición y combinación de las unidades. 6. Centro de gravedad: el punto central de la imagen es el centro de gravedad de la visión. Los cambios en el contorno de la imagen, la convergencia y dispersión de los gráficos y la distribución del color o la luz y la sombra pueden afectar lo visual. centro. 7. Ritmo: El ritmo, que tiene sentido del tiempo, se utiliza en el diseño de composiciones para referirse a la sensación de movimiento que se produce cuando se repite un mismo elemento de forma continua. 8. Ritmo: La repetición de combinaciones de unidades simples en la composición plana es fácil de volver monótona. Las imágenes o grupos de colores que cambian regularmente se organizan en proporciones numéricas e iguales para producir una sensación de melodía musical y convertirse en ritmo.
2. (3) Elementos del diseño gráfico
3.1. Los llamados elementos conceptuales son aquellos que en realidad no existen y son invisibles, pero que se pueden sentir. la conciencia de la gente. Por ejemplo, cuando vemos una figura de ángulo agudo, sentimos que hay un punto en ella o una línea de borde en el contorno del objeto. Los elementos conceptuales incluyen: puntos, líneas y superficies. 2. Elementos visuales: Los elementos conceptuales carecerán de sentido si no se reflejan en el diseño real. Los elementos conceptuales generalmente se materializan a través de elementos visuales, incluido el tamaño, la forma, el color, etc. de los gráficos. 3. Elementos relacionales: la forma en que se organizan y disponen los elementos visuales en la pantalla está determinada por elementos relacionales. Incluyendo: dirección, ubicación, espacio, centro de gravedad, etc. 4. Elementos prácticos: se refiere al significado, contenido, propósito del diseño y función expresada por el diseño.
Déjame decirte que es fácil comenzar en la industria del diseño gráfico, pero las habilidades son únicas y el mercado laboral está muy saturado, lo que hace que las empresas sean demasiado exigentes. El salario durante la pasantía es de 400 a 600. , y el salario es 1000-1500.
Incluso si tienes que estudiar, hay dos razones por las que no debes buscar una escuela pura:
1. experiencia laboral real en diseño o no ha estado expuesto al trabajo de diseño durante mucho tiempo. Lo más importante que debes aprender en la industria del diseño es la experiencia de avanzar con los tiempos. La persona que te enseña no tiene experiencia, ¿cómo puedo dártela? ¡experiencia!
2. La escuela no acepta trabajos de diseño, ¿cómo puedes tener la oportunidad de practicar? ¡No tendrás experiencia laboral cuando te gradúes!
Si todavía te gusta dedicarse al trabajo de arte y diseño, en realidad hay muchas opciones. ¡Generalmente esta industria se llama arte!
Hoy en día, muchas empresas están contratando artistas, pero los requisitos son diferentes. ¿Cuáles son los requisitos? ¿Cómo es el salario y el desarrollo? En primer lugar, debes entender que el nombre completo de artista de arte es la abreviatura de ingeniero de diseño de arte, que incluye lo siguiente (el siguiente salario es el estándar de Harbin):
1. Artista de planificación: responsable del diseño y producción de materiales promocionales corporativos, y se requiere cierta capacidad de redacción y organización, y capacidad para utilizar software de diseño gráfico, carteles pintados a mano, etc. Trabaja principalmente en centros comerciales, hoteles, lugares de entretenimiento, empresas comerciales, etc., con un salario de 1200 a 2000 yuanes. ¡En el futuro, podrás realizar la planificación y la gestión y entrar en la alta dirección de las empresas!
2. Arte gráfico: utilizar diseño por computadora La producción de materiales promocionales requiere dominio del software de diseño gráfico y una cierta base artística. Trabaja principalmente en empresas de publicidad, el salario es de 1200-2000. En el futuro, puede ser director creativo, pero la edad generalmente no supera los 35 años y debe ser creativo.
3. Artista de exhibición: es una industria relativamente nueva en China actualmente, responsable del diseño de escaparates y la distribución de locales comerciales (principalmente centros comerciales y tiendas especializadas). Se requiere tener una base de planificación artística, ser creativo y tener sensibilidad hacia la moda y el arte; el salario inicial es de 1500 a 2500
4 Artista del sitio web: responsable de la producción del sitio web, y es obligatorio. Para poder utilizar los Tres Mosqueteros de la web y el software de diseño gráfico, al mismo tiempo, debe comprender algunos códigos de backend. La empresa requiere que tenga una carrera exitosa, un salario de 1200-2500 y un desarrollo futuro. ¡No está claro!
5. Artista de drama de cine y televisión: Con "Crouching Tiger, Hidden Dragon" ganando el Oscar, el arte de cine y televisión también ha surgido en las escuelas de cine, y no hace falta. ¡Digo que las perspectivas de desarrollo son excelentes! En cuanto al salario, ¡depende de la capacidad del individuo!
6. Artista de escenario: el artista de escenario de la "Gala del Festival de Primavera" anual. Los magníficos efectos son todas obras maestras del escenario. ¡Artistas!
7 Artistas de Photo Studio: Responsable de hacer álbumes y procesar fotografías en el estudio fotográfico de bodas. ¡El salario ronda los 1200-1500!
8. Artista de impresión por inyección de tinta: Responsable de la producción de tableros de exhibición y el uso de máquinas de impresión por inyección de tinta. Para ser precisos, este trabajo solo puede considerarse más como operación que como diseño. Empresa de impresión por inyección de tinta. La tasa de desempleo es de 1000-1300. Desarrollo futuro. ¡Se trata de acumular experiencia y abrir su propia tienda!
9. Necesitas tener cierta experiencia en arte. Te pagan a destajo. ¡Cuanto más trabajas, más obtienes!
Si estás interesado, puedes consultar mi blog.