¿Cuál es la historia de la animación europea?

En 1906, J. Stuart Blackton, que trabajaba en el laboratorio de Edison, produjo "The Humorous Phases of Funny Faces" (Las fases humorísticas de las caras divertidas), que fue también el primer vídeo animado del mundo. Desde entonces, Emile Cohl de Francia ha desarrollado aún más sus habilidades de filmación de animación y ha producido más de 250 cortometrajes de animación. Al mismo tiempo, también fue el primero en utilizar el método de la fotografía mate para combinar animación y actuaciones de la vida real. Precisamente por la destacada contribución de Cole al desarrollo de la animación, también se le considera el padre de la animación contemporánea.

Otra persona que tuvo una importante influencia en el desarrollo de la animación temprana fue el estadounidense Winsor McCay. Nació en Michigan, EE.UU. En sus primeros años se ganó la vida dibujando carteles para circos y grupos de teatro popular, y más tarde se convirtió en reportero y columnista de historietas. En 1914, McKay estrenó una película animada llamada Gertie the Dinosaur. El lanzamiento de esta caricatura cambió la tendencia puramente artística anterior en las obras de animación, organizando historias, personajes y representaciones de acción real en tramas interactivas, y logró resultados bastante buenos. Y el ingenuo dinosaurio Gertie se convirtió en una famosa estrella de dibujos animados. Siguiendo a Gertie the Dinosaur, McKay produjo The Sinking of the Rustania. Fue el primer documental animado.

El éxito de Winsor McKay es simbólico. Usó su cultivo y acumulación como dibujante para crear un nuevo modelo de creación de animación que enfatiza la creación de personajes, la estructura de la historia y el interés popular. Después de McKay, los animadores estadounidenses comenzaron a seguir un camino muy diferente al de sus homólogos europeos. Se acerca una era de dibujos animados perteneciente al Nuevo Mundo.

En la primera mitad del siglo XX, el nivel de desarrollo del arte de dibujos animados estadounidense ocupaba una posición de liderazgo en el mundo. No hay duda de que este liderazgo es integral.

Ya en 1840, la DC Johnston Company de Boston publicó una revista ilustrada de una sola página llamada "Cresper", que puede ser la primera caricatura que apareció en los Estados Unidos. Desde entonces, con la continua afluencia de inmigrantes europeos, el arte de los dibujos animados originalmente popular en Europa también comenzó a llegar a los Estados Unidos.

En 1880, el magnate de los periódicos estadounidense Pulitzer añadió una edición especial dominical a su periódico New York World y le añadió una columna de dibujos animados. Poco después, otro gigante de los periódicos, Hearst, también comenzó a publicar caricaturas regularmente en sus propias publicaciones, como New York Magazine y American Humor. Esto significa que se ha reconocido ampliamente el papel de las caricaturas en el aumento de la circulación de los periódicos. La fuerte intervención de los dos principales grupos periodísticos antes mencionados inyectó sin duda un impulso a las caricaturas estadounidenses, que aún estaban en su infancia. Desde entonces, el desarrollo de las caricaturas estadounidenses ha entrado en la vía rápida.

En 1895, en el periódico "New York World" fundado por Pulitzer, comenzó a publicarse la serie de cómics "Yellow Kid" (Yellow Kid) creada por el famoso dibujante R.F. Pero poco después, Outcott se llevó al "niño amarillo" al "New York Journal" de Hearst. El nombre original de la serie "Yellow Kid" era "Hogan's Alley". El protagonista de la historia es un niño de seis o siete años con una gran cabeza y un pijama sucio llamado "Mickey Dugan". En realidad, el pijama era azul al principio. En 1896, debido a la aplicación de una nueva tecnología que facilitaba teñir el papel de amarillo, Dugan también se puso ropa amarilla. Posteriormente, Outcott añadió diálogos del protagonista de la historia al cómic para que todos pudieran entender más fácilmente el tema de la historia. Esto también hace de "El niño amarillo" una auténtica tira cómica. Dado que la imagen de los "niños amarillos" está profundamente arraigada en los corazones de las personas, los empresarios inteligentes han desarrollado una gran cantidad de productos periféricos relacionados con los "niños amarillos" basados ​​​​en esta imagen, incluidos juguetes, estatuas, carteles publicitarios, etc. Aunque "Yellow Children" también experimentó muchos giros y vueltas, en 1902, el séptimo año después de su primera publicación, la serie "Yellow Children" finalmente se publicó en un solo volumen.

Cabe señalar que el éxito de "The Yellow Kid" no sólo impulsó el desarrollo de los dibujos animados estadounidenses, sino que también proporcionó un paradigma clásico para la explotación comercial de las obras de cómic.

A lo largo de principios del siglo XX, los dibujos animados continuaron encontrando intersecciones con la cultura estadounidense. En el proceso se produjeron muchas obras excelentes e imágenes de dibujos animados inolvidables. Sin embargo, no fue hasta principios de la década de 1930 que llegó realmente la época dorada de los dibujos animados estadounidenses.

Existe una descripción tan incisiva de la "Edad de Oro": La edad de oro del cómic estadounidense fue la época en la que los superhéroes abundaban en las revistas ilustradas baratas. Como todos sabemos, durante este período se produjeron muchas imágenes de superhéroes como SUPER MAN, BATMAN, FLASH, AQUA MAN, etc. La característica común de estos superhéroes es que tienen cuerpos de culturista y superpoderes que la gente común no puede poseer. Derrotan constantemente a enemigos malvados y poderosos y salvan el mundo. Entre ellos, los más representativos y continuamente influyentes son probablemente Superman y Batman.

El protagonista de "Superman" es Clark, un extraterrestre con superpoderes procedente del planeta Krypton. Cuando aún era un bebé, llegó a la Tierra desde Krypton en una nave espacial y fue adoptado por la bondadosa pareja Kent. A medida que creció, comenzó a descubrir que tenía superpoderes que la gente en la Tierra no tenía. Para ocultar su identidad, Clark llegó a la metrópoli desde una ciudad remota y trabajó como editor en el "Daily Planet", donde conoció a la joven y bella reportera Louise. A partir de entonces, siempre que la seguridad y el orden de la ciudad se vean amenazados por fuerzas del mal, siempre habrá un héroe volador con capa y mallas que aparecerá a tiempo para salvar a los que están en crisis. Sin embargo, en la mayoría de los casos, la misión principal de Superman es salvar lo bello.

La serie "Superman" se publicó por primera vez en el primer número de "ACTION COMICS" y rápidamente se hizo popular en todo Estados Unidos. El 16 de enero de 1939, "Superman" comenzó a publicarse por entregas en los periódicos. En 1941, más de 300 periódicos publicaban diariamente cómics de Superman. Dibujos animados, películas y series de televisión con "Superman" como tema han surgido sin cesar en el próximo medio siglo. No es exagerado decir que "Superman" se ha convertido en un símbolo de la época.

Casi al mismo tiempo que Superman alcanzaba el éxito, otro superhéroe de la “Edad de Oro”, Batman, también aparecía ante la vista de la gente.

El nombre original de Batman es Quinbussy y proviene de una familia rica y prominente. Cuando era muy joven, sus padres fueron asesinados por gánsteres y quedó huérfano y fue criado por un ama de llaves. Cuando creció, juró luchar para erradicar el mal. Como resultado, se convirtió en un héroe enmascarado con un traje de murciélago. Eliminar la violencia y castigar a quienes incumplen la ley se han convertido en su misión más importante.

La historia de Batman apareció por primera vez en el número veintisiete de “Detective Comics” (DETECTIVE COMICS). Comparado con Superman, Batman es una persona común y corriente sin superpoderes, y ahí es donde reside su encanto. Las principales herramientas utilizadas por Batman para luchar contra el mal son varios inventos tecnológicos, el más famoso de los cuales es el Batimóvil universal.

Entre los muchos superhéroes de la época dorada, se puede decir que WONDER WOMAN es una "alternativa". Esto no solo se debe a que rompió el anterior monopolio masculino sobre las imágenes de superhéroes, sino que, lo que es más importante, su apariencia reestructuró por completo el orden de género en el mundo de los dibujos animados, haciendo que los personajes femeninos ya no sean solo apéndices de héroes masculinos, sino que se conviertan verdaderamente en la protagonista que domina el mundo. historia. Por lo tanto, poco después del lanzamiento de la serie "Wonder Woman" en "ALL STAR COMICS" a finales de 1941, muchas lectoras la acogieron calurosamente.

La aparición de héroes de cómic no es casualidad. De hecho, es el resultado inevitable de la colisión entre el arte del cómic y la cultura estadounidense. El núcleo de la cultura estadounidense es lo que se llama "individualismo". Esta es una cultura que aboga por la lucha individual y enfatiza la prioridad de proteger los intereses personales. Fuera de este trasfondo cultural, especialmente cuando la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial en la década de 1930 tuvieron un impacto severo en la sociedad estadounidense, la gente admiraba y añoraba a los superhéroes "salvadores", considerándolos como esperanza y un símbolo de fuerza. Debido a que tales personajes no se pueden encontrar en el mundo real, la gente recurre al mundo ficticio en busca de sustento espiritual.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la economía social de Estados Unidos no sólo no fue derribada por la guerra, sino que logró un desarrollo y un crecimiento sin precedentes. El patriotismo inspirado por la guerra se convirtió en la corriente principal de la cultura estadounidense en ese momento. Como resultado, los superhéroes de los cómics también se han unido a la batalla para defender el país y oponerse a los nazis. La "edad de oro" también ha alcanzado su apogeo.

A medida que la influencia de los dibujos animados en la sociedad estadounidense aumenta día a día, el desarrollo de los cómics estadounidenses se ha ido diversificando gradualmente, apareciendo nuevos temas como los cómics educativos, los cómics científicos y los cómics occidentales. Al mismo tiempo, la búsqueda ciega de exageraciones comerciales para maximizar los beneficios ha llevado a un aumento de la violencia, la pornografía y otros elementos indeseables en los cómics estadounidenses. Algunas publicaciones de cómics incluso afirman explícitamente que "no son aptos para niños". Como resultado, la industria del cómic se convirtió en el foco de las críticas del público y de la opinión pública, lo que finalmente condujo al declive de la "Edad de Oro".

En la primavera de 1945 se publicó el libro del Dr. Frederick Weisman "Seduciendo al inocente". El Dr. Weismann era un intelectual muy influyente en la sociedad de aquella época y una figura muy conocida en la política. Siempre ha creído que "los cómics llenos de violencia y contenido oscuro son la causa fundamental de la delincuencia juvenil y el caos social". Aunque investigaciones posteriores demostraron que la mayoría de las afirmaciones del Dr. Weisman carecían de base fáctica, la publicación de este libro atendió las críticas generalizadas de la industria del cómic por parte de la opinión pública dominante en ese momento, por lo que inmediatamente recibió apoyo y afirmación de todos los ámbitos de la vida. . Durante un tiempo, los cómics se convirtieron en libros súper prohibidos y la gente a menudo hablaba de los cómics en el mismo tono que de las drogas.

En abril de 1954, el Comité de Investigación de Delincuencia Juvenil del Senado de Estados Unidos celebró una audiencia pública sobre el impacto de los cómics en los adolescentes. El Dr. Weisman asistió como testigo. Afirmó: Los cómics son el principal culpable de empañar la inocencia de los niños y desencadenar la delincuencia juvenil. Comparado con los cómics, Hitler es sólo un niño. "Los niños suelen envenenarse con cómics desde los cuatro años." Incluso pidió que se prohibiera inmediatamente la venta de cómics.

Aunque esta audiencia no logró llegar a una conclusión clara, el Senado finalmente solicitó la emisión de una norma de censura para eliminar todo contenido de los cómics que pueda envenenar a los jóvenes y corromper la moral. En realidad, esto es una sentencia de muerte para la "edad de oro" en la opinión pública. Poco después de la audiencia en el Senado, los editores de cómics establecieron la "Federación Estadounidense de Revistas y Cómics Nacionales" el 26 de octubre de 1954, y establecieron "Estándares de Inspección Interna de la Federación" y también exigieron que la portada de los cómics publicados a partir de entonces indicara claramente el nivel de restricción.

Este es sin duda un evento que tiene un profundo impacto en la industria del cómic estadounidense. Debido a este estándar un tanto exagerado, los cómics de terror, policiales y de gánsteres, que hasta ahora eran superventas, casi han desaparecido; "violencia" en cómics divertidos de animales Sus acciones también se volvieron tímidas. Muchas editoriales y publicaciones de cómics quebraron debido a la fuerte caída de la circulación, y la mayoría de los dibujantes profesionales tuvieron que cambiar de carrera debido a la presión para llegar a fin de mes. Por supuesto, los escritores de cómics femeninos como Joe Simon, autor de "Capitán América", también se hicieron populares durante un tiempo debido a la ausencia de superhéroes. Sin embargo, en general, la industria del cómic estadounidense todavía se vio gravemente dañada por esto. Aunque se recuperó un poco en el futuro, aún no logró recuperar su antigua gloria.

En comparación con los giros y vueltas del desarrollo de la industria del cómic estadounidense, la industria de la animación estadounidense durante el mismo período siempre ha mantenido un fuerte impulso de desarrollo. Para repasar este período de la historia, no podemos dejar de mencionar a Walt Disney y su Compañía Disney.

De hecho, antes de Walt Disney, Estados Unidos ya contaba con muchos animadores destacados, pero como recién llegado, Walt fue quien realmente impulsó el salto de la industria de la animación estadounidense. Por tanto, tenemos suficientes razones para creer que "Walt Disney es el primer maestro de la historia de la animación".

En 1923, a la edad de 22 años, Walt Disney se despidió de su ciudad natal de Kansas y partió hacia Hollywood en busca de desarrollo. En ese momento, Hollywood era un lugar de moda para el espíritu empresarial y las películas en ese momento todavía estaban en la etapa del cine mudo. En cuanto a los dibujos animados, eran solo programas de entretenimiento antes de que comenzara la película. Allí empezó de cero y registró "Disney Brothers Animation Production Company" con sólo 3.200 dólares estadounidenses. El año en que Walt llegó a Hollywood, completó su primer trabajo animado: la caricatura muda "Alice in Cartoon Country", protagonizada por personas reales y personajes animados.

Durante los primeros años en Hollywood, Disney y su compañía fueron ganando terreno, pero en 1927 Walt sufrió el primer golpe serio en su carrera. Este año, el primer personaje de dibujos animados popular que creó, "Oswald, el conejo de la suerte", fue retirado por la editorial mediante medios engañosos, y la empresa estaba casi en una situación desesperada. Enojado e impotente, Disney subió al tren de regreso a su ciudad natal de Kansas. Sin embargo, fue durante este viaje de regreso a casa que un ratoncito lindo y alegre apareció en la mente de Walter. Más tarde, la esposa de Walter le dio a este nuevo personaje de dibujos animados un nombre rotundo: ¡"Mickey Mouse"! Esta es la estrella de dibujos animados que se hará mundialmente famosa y amada por los niños de todos los países: Mickey Mouse.

La aparición de Mickey Mouse ciertamente ha proporcionado a Disney un enorme activo intangible. Sin embargo, para que Mickey y sus amigos se convirtieran en superestrellas queridas, Disney todavía tenía que idear conceptos de producción novedosos. El núcleo del nuevo concepto es prestar atención al diseño de la trama y la innovación continua.

Antes de Disney, los dibujos animados se utilizaban como programa de respaldo antes que las películas normales, a menudo centrándose sólo en los efectos visuales y sin prestar mucha atención a la disposición de la trama. La serie de Mickey Mouse de Disney fue en la dirección opuesta. La trama de la obra se organizó cuidadosamente en las primeras etapas de producción, lo que hizo que el cortometraje de siete y ocho minutos fuera muy fascinante. Junto con las imágenes bien producidas, la caricatura de Disney superó de inmediato. casi todos los competidores.

Además de los conceptos creativos avanzados, la sensibilidad hacia la innovación es otra baza de Disney. A mediados y finales de la década de 1920, el cine se despidió de la era del cine mudo y la aparición del cine sonoro desencadenó una revolución en toda la industria cinematográfica. Walter estaba muy consciente de los cambios que se avecinaban y comenzó a intentar hacer dibujos animados sonoros. El 18 de noviembre de 1928, "Steamboat Willie", la primera caricatura sonora con audio y vídeo sincronizados en la historia del cine, se estrenó en el Colonial Theatre de la ciudad de Nueva York y fue un éxito. En 1932, Disney lanzó la primera caricatura en color "Flores y árboles". Además del revuelo esperado, también le valió a Disney un Premio de la Academia al Cortometraje de Animación. Cinco años más tarde, en 1937, se estrenó el primer largometraje de dibujos animados de Disney, "Blancanieves y los siete enanitos", que Disney pasó varios años creando cuidadosamente. Esta es una caricatura que hace época y tiene un significado histórico. Y debido al enorme éxito comercial de esta obra, los planes de producción de Disney comenzaron a inclinarse hacia el largometraje. Luego, en 1940, Disney estrenó dos largometrajes de animación, "Pinocho" y "Fantasia". Entre ellos, "Fantasia" se considera un clásico de los dibujos animados modernos y ha recibido amplios elogios desde su lanzamiento. Mientras lanza continuamente nuevos trabajos, la lista de estrellas de dibujos animados de Disney también se expande constantemente. Además de Mickey Mouse, hay nuevos personajes como Minnie, Plutón, Goofy y el Pato Donald. También han aparecido en los dibujos animados de Disney uno tras otro. Con la continua aparición de obras destacadas y estrellas de dibujos animados, Disney finalmente estableció su dominio en el imperio de los dibujos animados a principios de la década de 1940.

Para toda la industria de la animación estadounidense, el éxito de Disney tiene un papel muy importante a la hora de demostrarlo y promocionarlo. Debido a la expansión del mercado de la animación, han surgido muchas nuevas empresas de animación. En este momento, Hollywood se ha convertido en el centro de la industria de la animación en los Estados Unidos e incluso en el mundo. Van Beuren Studio es una de estas nuevas empresas de animación y también ha reunido bajo su paraguas a un grupo de destacados jóvenes animadores. A finales de los años 30, la empresa lanzó la famosa serie de dibujos animados "Tom y Jerry" y logró un éxito. Otra organización de producción de animación influyente es el departamento de animación fundado por Warner Production Company en 1934. Sus obras principales incluyen: "Porky and Beans", "Daffy Duck" y "Bonnie Rabbit" (Bugs Bunny) y otras series de dibujos animados. Al igual que Mickey Mouse de Disney, también son conocidas estrellas de dibujos animados.

Sin embargo, en medio del brillante éxito de Disney, la crisis también se está gestando silenciosamente.

Cuando se estableció por primera vez, Disney utilizó el arte y la creatividad como credo para reclutar una gran cantidad de talentos de animación de primer nivel. Sin embargo, a medida que la compañía continúa creciendo y desarrollándose, el estilo artístico de Disney se ha ido fijando gradualmente y satisfacer las necesidades de la audiencia y del mercado se ha convertido en la base y el requisito previo para la producción de programas. Más importante aún, los empleados de Disney sintieron cada vez más que la prosperidad de la compañía no les reportaba el crecimiento de ingresos esperado y la insatisfacción comenzó a extenderse dentro de Disney. A principios de la década de 1940, los animadores afiliados a la Compañía Disney comenzaron a prepararse para el establecimiento de un sindicato, con la esperanza de enfrentarse a la alta dirección de la empresa y luchar por salarios más altos. Sin embargo, la actitud de la alta dirección pareció ser más dura de lo esperado, lo que también desencadenó una prolongada "guerra de palabras". Al final, muchos de los pilares comerciales de la compañía se marcharon frustrados y formaron una sociedad llamada United Productions of America (UPA).

Aunque vivieron muchos giros y vueltas, Walt Disney y su compañía siguieron siendo los innegables ganadores de esa época. El Disney de hoy se ha convertido en un "reino del entretenimiento" mundial, lo que también demuestra, desde otra perspectiva, que los ideales y el éxito de Walt están por delante de los tiempos.

Con todo, durante este período, tanto la industria del cómic estadounidense como la industria de la animación han logrado grandes avances. Vale la pena señalar que durante este proceso de desarrollo, la industria del entretenimiento estadounidense ha formado un sistema operativo comercial completo en torno a productos de dibujos animados, logrando un círculo virtuoso de desarrollo de dibujos animados. Sobre esta base, los "dibujos animados estadounidenses" han podido expandirse globalmente y convertirse en una fuerza cultural que no puede subestimarse.

Antes y después de la Segunda Guerra Mundial, aunque los productos de dibujos animados europeos y estadounidenses todavía ocupaban el lugar principal. es la corriente principal del mercado mundial de dibujos animados, pero debido a los cambios en la sociedad económica y la cultura popular, el desarrollo del arte de los dibujos animados a escala global también ha mostrado una tendencia de desarrollo diversificado y integral sin precedentes. Es innegable que está surgiendo una nueva ola de la industria de las caricaturas que arrasará el mundo.

Mientras los dibujos animados estadounidenses se embarcan en el camino de la comercialización, los dibujantes y animadores europeos parecen seguir apegados a sus conceptos artísticos inherentes. Pero aun así, a las caricaturas europeas de este período no les faltan clásicos.

En Alemania apareció durante este período un maestro del dibujo animado con influencia mundial, E. O. Braun. El nombre original de Braun era Erice Ossel y nació en un pueblo remoto de Sajonia, Alemania. Más tarde, debido a un cambio de trabajo, el padre de Erici se mudó con su familia a Braun, la capital de las montañas Vogtland. La razón por la que Erici usó "Braun" como su seudónimo también fue por nostalgia por esta ciudad. Entre 1921 y 1933, Erisi publicó un gran número de caricaturas como pintor, y también ilustró muchas obras de su amigo cercano, el escritor Erisi Kastner. Sin embargo, con el ascenso al poder del Partido Nazi, el clima sociopolítico de Alemania rápidamente giró hacia la derecha. Insatisfecho con el comportamiento perverso del Partido Nazi, Erici creó algunas caricaturas que satirizaban al Partido Nazi. Como resultado, atrajo el odio del líder nazi Joseph Goebbels y otros. Los cómics de Ellisi alguna vez estuvieron prohibidos.

Más tarde, como el "Berlin Illustrated" de aquella época necesitaba un artista que supiera dibujar historietas, el Dr. Kurt Kusenberg, el famoso escritor, editor y editor encargado de esta materia, encontró a Einstein. Espero que pueda asumir este trabajo. Al final, gracias a las actividades activas del Berliner Illustrated, las autoridades nazis levantaron la prohibición sobre Erici, pero impusieron una serie de duras condiciones de censura y prohibieron absolutamente cualquier contenido político en sus obras.

A pesar de ello, Erici completó más de 200 conjuntos de obras entre 1934 y 1937, de la que también forma parte la famosa serie de cómics "Padre e Hijo". Durante los años en que el fascismo estaba rampante, este conjunto de cómics fue como un oasis de humanidad y se convirtió en el mejor consuelo espiritual para el pueblo alemán cuando se enfrentaba a la cruel realidad de la vida, ganándose así el amor de muchas personas. "Padres e hijos" fue aclamado como un símbolo del humor alemán y su reputación rápidamente traspasó las fronteras nacionales.

En 1929, el dibujante belga Hergé comenzó a crear la serie "Las aventuras de Tintín". Desde entonces hasta la muerte de Hergé en marzo de 1983, se completaron más de veinte volúmenes de "Las aventuras de Tintín". En 1986 se publicó "Tintín y el arte de Alfa", la última obra que Hergé no logró completar en vida, poniendo así fin a la serie de Tintín.

Los críticos generalmente creen que el éxito de la serie Tintin debe atribuirse a la total atención del autor a la combinación orgánica de la trama principal y el trasfondo real. Por eso, a Hergé también se le conoce como un "periodista cómico". En cualquier caso, por su mezcla de estilo documental y elementos creativos humorísticos, la serie de Tintín se ha convertido en una de las obras más destacadas de la historia del cómic, y Hergé ha entrado así en las filas de los maestros del cómic.

Mientras los animadores estadounidenses disfrutan de la "edad de oro", los animadores europeos siguen comprometidos con el camino de la experimentación y el arte. Esto es evidente por el uso que hacen los dos de la tecnología de sonido sincronizado. En Estados Unidos, las voces de los personajes se utilizan principalmente para mostrar las características y la personalidad de los personajes; en Europa, los efectos de sonido se utilizan como "material" para experimentos. De hecho, los animadores europeos casi han llevado al extremo la coordinación entre imágenes y efectos de sonido en los dibujos animados. Estos útiles intentos y exploraciones han enriquecido enormemente las técnicas de expresión de los dibujos animados y promovido el desarrollo y progreso del arte de la animación. Sin embargo, los dibujos animados son, después de todo, un producto cultural que requiere una gran inversión sin el apoyo de una cadena industrial completa, será difícil tener éxito. Con la entrada a gran escala de los dibujos animados estadounidenses, la animación experimental en Europa se ha ido marchitando gradualmente.

Quizás nadie hubiera pensado que el estallido de la Segunda Guerra Mundial dio a la industria de la animación europea una oportunidad de "resurgir". Debido al impacto de la guerra, el mercado mundial de dibujos animados originalmente conectado se dividió en varias partes, lo que estimuló objetivamente el desarrollo independiente de la industria de los dibujos animados en varios países. Al mismo tiempo, debido a que los gobiernos de muchos países consideran los dibujos animados como un medio importante de movilización y propaganda bélica, ha comenzado a surgir la situación de utilizar la inversión gubernamental para apoyar el desarrollo de sus propias industrias de animación.

En Gran Bretaña en tiempos de guerra, las autoridades británicas encargaron a la recién creada compañía de animación "Harrah's and Bachelard" la producción de más de 70 cortometrajes animados de propaganda para apoyar la guerra. Estos cortometrajes se proyectaron en cines y teatros de todo el Reino Unido y desempeñaron un papel positivo a la hora de elevar la moral del pueblo británico. También han aparecido "animaciones de guerra" similares en países que participan en la guerra, como Estados Unidos y Japón. Después de la guerra, aunque las caricaturas ya no se utilizaban como medio de movilización bélica, seguían siendo un importante medio de propaganda y, por tanto, recibieron amplia atención por parte del gobierno y de las instituciones privadas. Como medio, las caricaturas se utilizan en diversos aspectos, como relaciones públicas, publicidad corporativa, educación cultural e incluso campañas políticas. Esto ha permitido a la industria europea de la animación encontrar un nuevo punto de apoyo.

En comparación con los países de Europa occidental, la industria de la animación en Europa del Este y la antigua Unión Soviética está ligeramente por detrás, pero tiene su propio estilo y sistema. Alexander Baskin, las hermanas Brampage, etc. son destacados representantes de la industria de la animación en la antigua Unión Soviética. Entre ellas, las hermanas Brampage completaron "Chinese on Fire" (Chino en llamas) en 1925 y son aún más conocidas por el público chino. Aunque algunos críticos occidentales creen que los dibujos animados rusos están demasiado estereotipados, en general los animadores de la antigua Unión Soviética han descubierto una gran cantidad de materiales excelentes del rico patrimonio cultural de su país y han producido muchos trabajos de animación excelentes.

Volvamos a Estados Unidos. Los diversos estilos que surgieron al final de la "Edad de Oro" fueron heredados por una nueva generación de caricaturistas estadounidenses, dando como resultado muchas caricaturas excelentes.

El 2 de octubre de 1950, el famoso dibujante estadounidense Charles Schulz comenzó la publicación de su serie de cómics "Peanuts" (PEANUTS). En los cincuenta años transcurridos desde entonces, la serie Peanuts ha logrado un éxito sin precedentes, siendo traducida a 21 idiomas y publicada en más de 2.600 periódicos de 75 países. El protagonista del cómic, el cachorro "Snoopy", se ha convertido en una súper estrella del cómic con "350 millones de fieles lectores en todo el mundo". La aparición de "Peanuts" marcó el surgimiento de nuevas fuerzas en la industria del cómic estadounidense. Historias de éxito similares incluyen a Jim Davis y su serie "Garfield".

A medida que pasa el tiempo, el impacto del "Incidente Weissmann" se desvanece gradualmente y las historias de superhéroes comienzan a regresar a la vida estadounidense. En 1956, en el cuarto número de la revista Show, debutó una nueva generación de "The Flash", marcando el regreso de los superhéroes.

Desde entonces, la mayoría de los héroes de la "Edad de Oro" han regresado al mundo y ha seguido surgiendo una nueva generación de superhéroes, incluido "Spider-Man", que debutó en 1962, y "The Wolfman", que debutó en 1974. (WOLERINE), y la aparición de "Ghost Rider" (GHOST RIDER) a principios de los años 1990, etc. Sin embargo, parece que los superhéroes de la nueva era nunca podrán recuperar su antigua gloria. Después de todo, la "Edad de Oro" se ha convertido en historia y el deseo de la gente por los héroes se ha desvanecido gradualmente.

Durante este periodo, otra manifestación destacada del desarrollo de la industria del cómic estadounidense fue la consolidación del modelo empresarial de rentabilidad. En las décadas de 1930 y 1940, la industria del cómic estadounidense había formado inicialmente un modelo de operación comercial de "autor de cómics → editor → red de distribución (incluidas tiendas especializadas) → lectores". Después de la guerra prácticamente no hubo cambios importantes en este modelo operativo. La diferencia fue que la escala de la red de ventas y la cobertura de lectores se habían ampliado significativamente. Y algunas librerías comunes que originalmente no se dedicaban a la venta de cómics también han comenzado a involucrarse en la distribución de cómics.

Hoy en día, el valor de la producción anual de la industria del cómic estadounidense ronda los 2.300 millones de dólares. Aunque todavía es bastante limitado en escala absoluta, el margen de beneficio es considerable. Tomemos como ejemplo Marvel Comics Publishing House (Marvel), la editorial de cómics más grande de los Estados Unidos, las ventas totales de la editorial en el año fiscal 2000 fueron de 231 millones de yuanes, pero sus ingresos netos totales ascendieron a 88,9 millones de dólares estadounidenses. el 38,9% de las ventas totales. Además de las revistas de cómics y la edición de libros, el desarrollo de productos periféricos de cómics y la renovación de la propiedad intelectual (licencias de imágenes) también se están convirtiendo en nuevos puntos de crecimiento de beneficios para la industria del cómic estadounidense.

En la industria de la animación estadounidense de la posguerra, el dominio de Disney aún no tenía rival. A lo largo de la década de 1950, la Compañía Disney lanzó sucesivamente obras con temas de hadas como "Cenicienta", "Alicia en el país de las maravillas" y "Peter Pan", que no solo continuaron la reputación de la animación de Disney, sino que también lograron buenos resultados de taquilla. Sin embargo, Disney no disfrutó del éxito, sino que continuó explorando e innovando. Han lanzado sucesivamente "La isla del tesoro", que es una actuación totalmente de acción real, "La dama y el vagabundo", que utiliza la sociedad real como escenario de animación, "101 perros", que utiliza personajes animales como protagonistas, y "In the Stone". que es una adaptación de la leyenda histórica" ​​y así sucesivamente. En 1964, Disney estrenó la película "Mary Poppins", que combinaba acción real y animación, y obtuvo 13 nominaciones al Oscar ese año. Todo esto demuestra que Disney sigue siendo una empresa de animación con buena capacidad de innovación.

Mientras lograba el éxito en el campo de la animación, Walter audazmente llevó a su empresa a la industria de los parques de atracciones. En 1955, Walt construyó el primer parque temático del mundo, Disneyland, en Los Ángeles, en la costa oeste. Hoy en día, los parques de Disney repartidos por todo el mundo se han convertido en un paraíso eterno en los corazones de las personas amantes de los dibujos animados de todo el mundo.

Mientras que las empresas de animación establecidas como Disney se adhieren a los conceptos de animación tradicionales, las pequeñas empresas de animación representadas por UPA están comenzando a experimentar con el concepto de producción de "animación limitada". Ya no persiguen escenas magníficas a gran escala y de alto costo similares a las de los dibujos animados de Disney, sino que adoptan estrategias de producción de bajo costo y compensan las deficiencias visuales a través de elaborados diseños de historias y efectos de sonido. Resulta que este concepto vanguardista tiene valor. Especialmente después del auge de la televisión como nuevo medio de comunicación, los dibujos animados originalmente exhibidos en las salas de cine han sufrido un fuerte impacto al igual que otro tipo de películas. Con el concepto de "animación limitada", los dibujos animados comenzaron a adaptarse gradualmente a los requisitos de transmisión de los programas de televisión y luego se convirtieron en el programa de triunfo para que las principales estaciones de televisión compitieran por los ratings. Con la expansión del mercado de dibujos animados para televisión, casi todas las empresas de animación han centrado sus principales esfuerzos en la producción de animación para televisión, y el mundo de la animación en televisión se ha vuelto más colorido.

A finales del siglo XX, con el auge de la tecnología informática multimedia, la producción y producción de dibujos animados se enfrentó a una nueva revolución.

Disney volvió a marcar tendencia en las nuevas tecnologías, lanzando una serie de grandes éxitos de taquilla animados, entre ellos "La Sirenita" (1990), basada en los cuentos de hadas de Andersen, y "Cuentos de las mil y una noches" (1992). , basada en el clásico árabe), "El Rey León" (1994), basada en la obra maestra de Shakespeare, "Pocahontas" (1995), que refleja la vida colonial temprana en América del Norte, y "Toy Story", la primera película animada producida íntegramente. utilizando tecnología digital, etc. El lanzamiento de estos éxitos de taquilla animados no sólo refleja la capacidad de Disney para controlar las nuevas tecnologías, sino que también desencadena el regreso de la "tradición teatral". La gente ya no mira televisión en casa, sino que compra entradas para ver dibujos animados en el cine. Este es un fenómeno que nunca ha ocurrido desde que la televisión reemplazó al cine como el medio de animación más importante. Por otro lado, los recién llegados a la industria representada por "DreamWorks" también están aumentando gradualmente su competencia con Disney y continúan brindando exquisitos "festines de animación" a los fanáticos de los dibujos animados de todo el mundo.