¿Qué es el arte abstracto?

En las discusiones actuales sobre temas académicos, es casi imposible comenzar con un examen de las palabras. El significado original de la palabra resumen es "sacar de". Ab(s) significa "de", tractor significa "tirar" y "tirar", y tractor viene de tractor. En el uso real, la abstracción suele ser el concepto opuesto a la concreción y se refiere al conocimiento racional extraído del mundo perceptual. Debido a que los conceptos abstractos y el pensamiento abstracto son profundos, oscuros y difíciles de entender, la abstracción se extiende para significar profundo, oscuro y difícil de entender.

Hay que decir que nombrar un arte de vanguardia con el nombre de pintura abstracta es una estrategia astuta que empuja silenciosamente pinturas oscuras sin imágenes específicas a la cima de la filosofía. Cuando alguien descubre que esto no es una forma o concepto "extraído" de cosas específicas, sino una desintegración y pura composición formal de formas, por lo que debería llamarse no gráfico (no gráfico), esta naming La relación de naming con lo nombrado La cosa se solidifica en un público inmutable. Sin embargo, el valor académico de un concepto preciso es definitivamente más que una denominación astuta.

La palabra "abstracto" no tiene una connotación negativa, por lo que sólo se puede decir que la abstracción es una generalización de cosas específicas, más que la negación o destrucción de cosas específicas. Por tanto, es más apropiado referirse a la pintura china a mano alzada, que tiene un alto nivel de resumen de progreso. La pincelada a mano alzada es de hecho una forma de tinta extraída de formas naturales. Este no es el caso de la palabra "no metafórico". Su significado es obviamente la negación y la reacción a la pintura figurativa, y la pintura abstracta occidental es de hecho la negación y la reacción a la pintura figurativa tradicional. A juzgar por las claves de la historia del arte occidental, la "trilogía" de tradición, modernidad y posmodernidad se opone de hecho a la concreción, la no figuración y la refiguración (concreta, no figurativa y refigurativa).

En tercer lugar, la transformación del arte occidental de la figuración a la abstracción

La etapa figurativa persigue “la imitación como debe ser”. Sólo un punto a mencionar aquí: "Imitación" no es mimesis inglesa, sino mimesis latina. La palabra se refería por primera vez al balbuceo de los niños. Probablemente, el balbuceo de los occidentales no sea "balbuceo", sino "mimo", por eso se le llama mime-sis. "Debería ser" significa debería ser o debería ser. En la teoría literaria de Marx originaria de la ex Unión Soviética, la "imitación" se llama "de la vida", "debería ser" se llama "más alta que la vida" y otra expresión de imitación, la "teoría del espejo", se convirtió en "teoría del espejo". Teoría". Para decirlo sin rodeos, "imitar" significa ser similar y perfecto.

Para el arte hecho a mano, la perfección requiere primero una imagen atractiva y, en segundo lugar, una mano de obra fina (el mármol y el mármol blanco se han convertido en materiales chinos y occidentales para tallar piedra, respectivamente, porque cumplen mejor con los requisitos de una mano de obra fina. La razón por la cual la cerámica fue reemplazada por la porcelana es porque esta última es más precisa). La palabra francesa Beaux-Arts, que se originó en el siglo XVII, enfatiza la belleza. La palabra francesa beaux (x) significa hermosa en inglés. Pero el inglés no utiliza la palabra bellas artes, sino que elige bellas artes. La palabra Fine no significa "hermosa" en inglés, sino "delicioso", y también significa "delicioso" en francés. La palabra "arte" en chino proviene de Beaux-Arts en francés, no de Fine-Arts en inglés. Si viene del inglés, ninguna de las academias de arte en China enseña "arte" por un día, solo arte en bruto, es decir, el método de pintura que enseñan los estudiantes de arte chinos es el método de pintura según los estándares de arte de Delacroix. Este tipo de pintura definitivamente no es fina sino tosca.

Antes de Delacroix, la pintura occidental siempre había perseguido la forma (imitación), el refinamiento y la belleza, lo que era coherente con la búsqueda china de una pintura meticulosa. Delacroix abandonó por primera vez la precisión garantizada por la delicadeza y la precisión de la teoría a la práctica. Dijo: "Muchos pintores intentan no expresar pinceladas en sus obras, sino que persiguen ciegamente los contornos, porque creen que las pinceladas no existen en la naturaleza; pero ¿por qué existen los contornos? Al mismo tiempo, también enfatizó la "musicalidad". de los elementos formales de la pintura: "Este efecto se crea mediante una determinada disposición de colores y transiciones de luz y oscuridad, es decir, mediante una música que puede llamarse pintura". En apoyo de esta "teoría musical", describió la música. como "el más grande del arte" y pone en duda la "teoría de la representación" con su inimitabilidad.

Deshacerse de las limitaciones de la forma y renunciar a la búsqueda de la precisión es sin duda una manifestación de la subjetividad del arte visual, y es también el principio del fin de la historia del arte artesanal y del arte didáctico. para audiencias analfabetas (los jeroglíficos son las palabras de los analfabetos, los jeroglíficos son la mejor evidencia). Este período de la historia del arte duró mucho más en Occidente que en China, porque Occidente no tenía materiales convenientes como la seda y el papel, ni tenía a los literatos como principales sujetos de creación y apreciación. Hoy en día, los chinos que viven en la China atrasada no pueden darse cuenta de que "bailar con tinta" fue alguna vez un privilegio cultural de China, porque China tiene seda y papel, y hay un gran número de "personas alfabetizadas" creadas con estos dos materiales (pergamino, etc.). ) Los materiales costosos solo se pueden usar para copiar el material de lectura más importante, la Biblia, y crear algunos clérigos alfabetizados (también es imposible imaginar que los maestros (maestros, maestros) de alto nivel del Renacimiento respetados en Occidente sean medievales); Talleres de artesanía con alas científicas de los mejores maestros y artesanos. La llamada obra maestra no es una obra maestra, sino una obra maestra. Un pintor no es un pintor sino un pintor. Incluso la herramienta no es un pincel, sino un pincel de pintor.

El cuchillo de pintura es un raspador utilizado por los pintores para raspar el barro (los bloques de madera se usaron primero para raspar el barro con tela y luego evolucionaron hasta convertirse en pinturas al óleo a base de lino). El llamado "atelier" no es más que un taller de artesanía medieval.

No sé si el pintor Delacroix utilizó una "paleta" en su "La masacre de la pintura", pero Courbet ciertamente heredó y desarrolló la "Masacre de la pintura" de Delacroix, cambiando "paleta" por " cuchillo de pintar". Si la historia del arte occidental moderno se puede dividir en época moderna y posmoderna, entonces toda la modernidad se despersonaliza constantemente a través de una constante "masacre de pintura". La importancia de Cézanne y Picasso radica en el hecho de que cada uno de ellos estableció una teoría y una práctica de la despersonalización que es completamente opuesta a la concreción, mientras que la importancia de Van Gogh radica en su transformación de la "teoría musical" de Delacroix en una composición de color expresiva. Sus técnicas expresivas fueron ampliamente popularizadas por el expresionismo abstracto y Pollock, y su composición cromática, junto con la composición geométrica de Cézanne-Picasso, dio lugar a la llamada "abstracción caliente" y "abstracción fría". Por tanto, ya sea "abstracción caliente" o "abstracción fría", podemos ver la sombra de la "Teoría musical" de Delacroix en el título de la obra: tanto obras abstractas como el título de la composición. Esta palabra significa "composición" en español. Dado que el traductor no conoce ni ha notado la enorme influencia de la "teoría musical" en la objetivación del arte moderno, puede traducirse como "composición X".

Cuarto, el camino del arte abstracto en China

La idea de "escribir el espíritu con forma" propuesta por Gu Kaizhi en la dinastía Jin del Este de mi país es en realidad muy cercano a la idea griega antigua de "imitación como debe ser", es decir, resuelve el problema de la forma sin copiar la naturaleza. La diferencia es que el primero enfatiza la actividad del objeto, mientras que el segundo enfatiza la perfección formal del objeto. La "Teoría de la forma y el espíritu" de Gu Kaizhi utiliza la palabra "escribir" (escribir sobre el espíritu con forma), que representa la rápida expansión de la clase literaria desde la invención de la fabricación de papel en la dinastía Han del Este, comenzando a terminar el trabajo original. de pintores analfabetos y de públicos analfabetos. Un pintor o pintor analfabeto sólo puede dibujar (cuadro) pero no "escribir" (palabra). Sólo las personas alfabetizadas pueden "escribir". La palabra "escritura" se utilizó y consolidó continuamente en las teorías pictóricas posteriores de Gu, como "escribir con forma", "girar plástico", "escribir paisaje", "escribir cientos de kilómetros de paisajes", "Wang Wei", etc. , que apareció "escritura de bambú", "pintura a mano alzada", "dibujos de la vida", etc.

Por supuesto, la "escritura" de las personas alfabetizadas no perseguirá la forma, la belleza y el detalle de temas ya hechos como los pintores analfabetos y los pintores analfabetos occidentales, porque estos no son el propósito de la "escritura". El propósito de "escribir" es expresar los pensamientos, conceptos y sentimientos del sujeto que escribe, y mostrar que los "pensamientos son vastos" del sujeto que escribe y que "volar con el cielo" (Wang Wei) es simplemente "relajar la mente". " en lugar de "escribir en forma". Por lo tanto, cuando el realismo concreto de estilo artesanal de la dinastía Song se desarrolló al nivel de "A lo largo del río durante el festival Qingming", llegó la crítica de "Sobre la similitud de las pinturas, Jian'er" (Su Shi), y el Surgió la teoría de la "concepción artística" de la "poesía en la pintura". Al mismo tiempo, la exploración de la concepción artística en la poesía Tang y las letras de las canciones también proporciona las condiciones necesarias y el valor estético. La teoría de la concepción artística obviamente enfatiza la subjetividad de la pintura. El "ide" en sí mismo representa el sujeto de la creación, pero este sujeto es el mismo que el objeto "entorno" y está restringido por el objeto "entorno", en lugar de ser un sujeto aleatorio.

Ni Zan dijo en Yuan Zaju que "el sirviente es pintor, pero no quiere parecer un cuadro, por eso habla para entretenerse" y "habla para expresar sentimientos". Dijo "escribir en el cofre después de pintar", lo que muestra claramente que "pintar" significa "escribir" y "escribir" significa expresarse. Sin embargo, debido a la reconocibilidad de la "escritura" en sí, "Sui Xin" no puede excluir por completo la "similitud" y volverse completamente inconcreta la escritura cursiva china no puede convertirse en la llamada "caligrafía abstracta" debido a la limitación de la reconocibilidad de. "escribiendo". ". Por lo tanto, "entre similitudes y diferencias" se ha convertido en el resultado final irrefutable de la pintura china. Demasiado similar no es "escribir" sino "pintar", que es el problema de los pintores analfabetos; la inconsistencia viola el principio de reconocimiento de "escritura", por lo que no es "escribir" sino "pintar".

De hecho, la característica de la pintura china es la "escritura", lo cual ha quedado plenamente reflejado y discutido en los "Seis Métodos" propuestos por Xie He. Entre los seis métodos, cuatro métodos son aplicables tanto a la caligrafía como a la pintura, y sólo "se aplican imágenes a los objetos" y "se imparten diferentes especies". El primer método más importante, el "encanto vívido" y la "pincelada antigua", son definitivamente los mismos principios que la caligrafía. Además, también existe la palabra "escribir" en la "transliteración" mencionada anteriormente. En cuanto a la caligrafía y la pintura chinas, todas parten de la copia. Todas registran formas (con un plan claro) en lugar de observar y registrar (dibujar). Todas dejan tinta en el espacio en blanco en lugar de modelar el fondo. Es precisamente debido a esta característica de "escritura" que el valor de las tablillas de piedra chinas es mayor que el de las estatuas de piedra (ya sean estatuas de piedra chinas o pinturas y estatuas de piedra occidentales, son básicamente códigos visuales proporcionados por artesanos o maestros para analfabetos). audiencias).

La tradición a largo plazo, los valores firmes y la estipulación de la "escritura" han permitido a los artistas chinos ver a Lanzning y Pollock romper los dos límites de "demasiado similares" y "diferentes". Una variedad occidental adecuada para el gusto de la pluma y la tinta china. Las cosas anteriores a Delacroix son "demasiado similares" y son "pinturas meticulosas extranjeras" de artesanos y no son necesarias; las cosas posteriores a Picasso son "diferentes" y son "estilo extranjero" sin el reconocimiento de "palabras" y no son necesarias; "pincelada extranjera a mano alzada" entre "similitud y disimilitud". Por lo tanto, el sistema de la Escuela Xu Beihong-Su es en realidad la versión pictórica occidental de este "Compromiso Qi Baishi", que en conjunto pueden denominarse "Compromiso Qi Baishi-Xu Beihong" o simplemente "Compromiso Xu Qi".

La absorción exclusiva de pinturas occidentales por parte del pintor de la dinastía Qing Zou Yigui y del pintor contemporáneo Wu Guanzhong encarna efectivamente este sistema de "estancamiento y compromiso del qi". Zou Yigui abogó por la "similitud en la forma" y "prestar mucha atención a los detalles para comprender el espíritu", y criticó a Su Shi por su nombre por "tomar la similitud en la forma como un error". Las pinturas al óleo occidentales que vio en ese momento estaban en consonancia con su concepto de "entrar en detalles" y podían "despertar las reglas" para evitar que los principiantes se extraviaran. Sin embargo, debido a que no se ajusta a las reglas de la "escritura" ("pero no hay ninguna pincelada"), aunque tiene las ventajas de la pincelada fina, también está contaminada con los defectos del artesano y no puede considerarse como un buen trabajo (“Aunque también es artesano, no está incluido en el cuadro”). Aquí, Zou Yigui obviamente consideraba las pinturas occidentales de esa época como la "caligrafía extranjera" de los artesanos. Si las obras que vio eran "pinceladas extranjeras a mano alzada" basadas en el método de pintura de Delacroix, no podía decir "no pinceladas a mano alzada". Sólo podía decir que la pincelada de las pinturas occidentales era diferente a la de China. La práctica posterior demostró que los artistas chinos apreciaban e incluso adoraban la pincelada extranjera iniciada por Delacroix. Wu Guanzhong es un famoso "formalista" del arte contemporáneo chino. Se opuso a la "doctrina del contenido" de que el contenido determina la forma y la forma sirve al contenido. Por lo tanto, afirmó plenamente el valor artístico de la forma pura de Pollock y la puso en su propia práctica artística, formando la "similitud y diferencia" del estilo de Pollock.

Son jóvenes artistas los que han dado un paso hacia la completa no figuración, rompiendo la legibilidad de las reglas de la "escritura". Este avance tardío fue a la vez difícil y fácil. La dificultad radica en el hecho de que el sistema de compromiso Qi-Xu, respaldado por tradiciones antiguas y nuevas, es fuerte y sólido y puede romperse fácilmente. Lo que es relajante es que los miles de años de experiencia de "pincel y tinta" de China, así como la introducción, digestión y absorción de la experiencia de "pinceladas" de pintura al óleo sobre esta base, han permitido a los artistas chinos ser más creativos en la creación de "tinta abstracta" y "pintura al óleo abstracta". Tener buen sentido artístico y sentido de la proporción. Pero cuando la resistencia de los viejos hábitos se debilitó gradualmente, la familiaridad con la pluma y la tinta hizo que los artistas chinos fueran relativamente lentos en los aspectos no figurativos de los materiales lisos y las formas geométricas, de modo que el sentido de artesanía en sus obras siempre superó el sentido de industria. Por supuesto, las obras globales de símbolos figurativos, incluidos productos y comportamientos prefabricados, son tanto teóricas como prácticas, lo que también ha debilitado en gran medida la exploración de campos no figurativos por parte de artistas chinos e incluso mundiales: la combinación de elementos puramente formales parece se han convertido en un diseño La patente del maestro.

Valor visual del verbo (abreviatura de verbo): el valor de una obra de arte no representativa.

No niego la posición desventajosa del arte no representacional en términos de soporte teórico y crítico, porque lo que realmente crea es una especie de "valor visual" que sirve a los globos oculares, y es difícil para Los espectadores comunes y corrientes también ven la razón. A los críticos también les resulta difícil hacer conexiones y explicaciones sociológicas (lo cual es consistente con una música que sólo sirve al oído). Esta es probablemente la razón principal por la que el arte abstracto perdió su impulso después de asestar un golpe fatal a la tradición del realismo renacentista.

En inglés, "value" y "value" significan valor. De hecho, el arte visual nos proporciona primero un valor visual integral con características distintivas. Este valor determina la diferencia visual entre una obra y otras obras, diciéndonos que esta obra no es otra obra. Las llamadas obras figurativas son aquellas cosas cuyo valor visual constituye nuestra experiencia visual, mientras que el valor visual de las obras no representativas sólo constituye la obra en sí, no nada en nuestra experiencia visual. Cuando el valor visual constituye algo en nuestra experiencia, podemos usar nuestra visión de la cosa, incluida su naturaleza ideológica y técnica, para leer, apreciar o criticar la obra; cuando el valor visual es sólo un componente visual puro, nuestra experiencia de las cosas se perderá; la capacidad de comprender el trabajo y tampoco poder sentir el nivel de tecnología de producción, pero diferentes valores visuales definitivamente proporcionarán diferentes sensaciones visuales y efectos psicológicos visuales.

El valor visual está “ligado” a cosas expresivas en obras específicas y a formas funcionales prácticas específicas en el diseño. Sólo en obras no concretas el valor visual tiene un significado opuesto. Si hay algún componente "vinculante" o "valor añadido", sólo puede ser un vago factor psicológico visual, que comúnmente se conoce como experiencia visual. En nuestra vida diaria, esta experiencia visual nos acompaña casi todo el tiempo. Lo más habitual es nuestra elección de ropa. La ropa del mismo estilo tiene diferentes valores de color entre los que podemos elegir, y cada color tiene un valor visual insustituible. En este punto, los valores de color se convierten en valores visuales. Asimismo, valores visuales como la composición y la mecánica también se pueden convertir directamente en valores visuales. Este valor puramente visual es difícil de expresar con palabras, y nuestra confirmación de este valor suele expresarse con "Me gusta" o "Increíble".

De hecho, hay muchas confirmaciones y afirmaciones indirectas de valor visual en la crítica de la pintura china antigua. Por ejemplo, el valor visual del diseño se afirma con "el caballo es escaso y hermético" y el. El valor visual de la pluma y la tinta se afirma con "transparente". "Papel trasero" y "sediento de tinta" se afirman, y el valor visual de la concepción artística se afirma con "desolado y distante". Sin embargo, en el campo no reflexivo, las descripciones y términos de evaluación tradicionales son casi ineficaces, y este método indirecto de afirmación de valor también es ineficaz, creando así un enorme dilema crítico. Para el arte contemporáneo, una vez que pierda su poderosa crítica, las obras de arte quedarán reducidas a mercancías ordinarias, quedando así en una posición irreversiblemente débil en la competencia con las obras figurativas.

De hecho, el valor visual de una obra de arte abstracta es su valor visual, al igual que el valor visual de la ropa es el valor visual de la ropa.

El valor único de una obra específica radica en su diferencia visual con respecto a otras obras. La creatividad del artista radica en el hecho de que proporciona un valor visual que nunca antes se ha visto. Cuanto mayor sea la diferencia visual con respecto a obras anteriores, mejor.

En sexto lugar, observemos el significado de los cambios formales a partir de la paradoja de "Homenaje a Cézanne".

En 1900, el artista francés Maurice Denis (1870-1943) creó una obra llamada "Homenaje a Cézanne", que utilizaba una metáfora nabisca para expresar el respeto del artista por la admiración de Cézanne, pero este método es diferente. exactamente lo contrario de la propuesta y la práctica artística de Cézanne, porque Cézanne. Así que fue Picasso quien realmente rindió homenaje a Cézanne, aunque nunca pintó un cuadro dedicado a él. Creo que si una persona usa el chino clásico para escribir un artículo "rendiendo homenaje al chino vernáculo", y otra persona usa el chino vernáculo para escribir un artículo "rendiendo homenaje al chino clásico", o escribe un artículo oponiéndose al uso del chino vernáculo, preferiríamos creer que escribir en chino vernáculo es bueno para la escritura vernácula. Tiene más sentido negar la escritura china clásica. El uso de artículos chinos clásicos para apoyar la escritura vernácula niega nuestra propia defensa de la escritura vernácula en nuestra propia forma de escribir chino clásico. En otras palabras, Denis expresa su admiración por Cézanne negándole su arte en la expresión.

El análisis anterior muestra que la forma de expresión es más verdadera que el contenido de la expresión. Productos confeccionados, surrealismo, realismo fotográfico, fotografía conceptual, videoarte, performance, etc. Todos son cambios e innovaciones en los métodos de expresión. La producción de obras artísticas es la misma, y ​​la producción de obras no artísticas es la misma. La llamada revolución industrial es ante todo una revolución en los métodos de producción, no una revolución en la producción de "contenidos". La revolución social es también una revolución en la forma en que se organiza y opera la sociedad, en lugar de destruir ciertos "contenidos" sociales. La razón por la cual los levantamientos campesinos chinos no tienen significado revolucionario es precisamente porque no cambiaron la forma en que se organiza y opera la sociedad. El resultado sólo puede ser un cambio en el "contenido" del gobierno. El llamado "cambio de dinastías". La siguiente pregunta es si la importancia vanguardista del arte no figurativo en China ha terminado y debería ser reemplazada por obras concretas como productos prefabricados, performances, fotografía conceptual, videoarte y pinturas al óleo figurativas.

El ajetreo y el bullicio de la "pintura abstracta con tinta" y las omnipresentes esculturas o paisajes urbanos no figurativos muestran que el arte no figurativo todavía se encuentra en la etapa de desarrollo o de vanguardia en China, pero aparte de En estos dos campos especiales, el arte contemporáneo chino está casi dominado por productos confeccionados, performance, fotografía conceptual, videoarte y pintura figurativa al óleo. En cuanto a las obras abstractas geométricas que se oponen al espíritu de racionalidad científica, son aún más raras. No es convincente utilizar el posmodernismo, la era de la lectura de imágenes, el cuidado humanista y la tradición de los intelectuales chinos de prestar atención a la sociedad para explicar la abrumadora ventaja de las obras figurativas de China desde la década de 1990 hasta el presente. Si se puede clonar el llamado "posmodernismo" en Occidente, el arte contemporáneo chino se llevará a la posmodernidad, entonces el resultado de la clonación de bronces chinos inevitablemente devolverá el arte contemporáneo chino a la Edad del Bronce. Si la obra va a ser leída, no vista, entonces debe haber una gran cantidad de lectura de imágenes, es decir, un análisis semántico preciso, en lugar de asignar la misma etiqueta lingüística a diferentes imágenes como es el caso hoy. "Cuidado humanista" es un significante vacío que es "talla única" y un eslogan publicitario que brilla dondequiera que se publique.

El arte contemporáneo chino en realidad no ha experimentado una profunda revolución visual, sólo ha pasado de una forma concreta de elogio a una forma concreta de sátira y crítica. Este método de cambiar la sopa sin cambiar la medicina no es diferente de la promoción pasada del chino clásico (sopa) con el chino clásico (medicina) y la promoción actual del chino vernáculo (sopa) con el chino clásico (medicina). La señal al final del pasillo de la revolución visual es establecer una posición sólida en la mente de las personas para un nuevo enfoque visual (al igual que los Ocho Excéntricos de Yangzhou, de "raros" a no raros), y luego convertirse en nuevos estándares y hábitos visuales. proporcionando el requisito previo para la próxima revolución y significado.

Siete. Conclusión

Hace tiempo que quería escribir un artículo en apoyo del arte abstracto chino, pero no lo he terminado hasta ahora. La motivación de esta idea fue que después de que Pan Dehai regresó a China, convirtió sus "viejos granos de maíz" de la década de 1980 en la "piel" de la serie Red Big Head. Obviamente estaba amenazado por la popularidad de la política figurativa en ese momento. , Y luego abandonó por completo los "frijoles de maíz viejos" y pintó Ha surgido la cabezota de la demencia. Una situación similar también ocurrió en Chongqing: una vez, Zhu Xiaohe tejió sus marcas abstractas de bolígrafo en una cabeza grande, y una vez, Jiang Jianjun, que acababa de debutar, pegó hilo de algodón en una cabeza grande. Otro estudiante dibujó puntos rojos y verdes en la cabeza grande. Quizás algún día escriba un artículo sobre el fenómeno de los cabezudos en el arte contemporáneo chino, desde el padre de Luo Zhongli, “Second State” de Geng Jianyi, “Mao Zedong” de Wang Guangyi hasta la serie de cabezudos de Fang Lijun y Yue Minjun. Pero por ahora, “apoyemos” el débil arte abstracto. Por supuesto, una obra que ha sido confundida y difamada varias veces no será apoyada a menos que sea la primera en la historia del arte. De hecho, es el efecto "bullying" de estas obras lo que hace que el arte "diferente" pierda su valor.