Foro de fotografía infantil

Si no sabes nada sobre fotografía, primero comprende los principios de la fotografía. Aprende bien las habilidades básicas. La fotografía no es más que usar la luz y el encuadre. Siempre que comprendas los principios de la cámara, podrás aprender muy bien porque es raro que tengas este pasatiempo.

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Fotografía documental

La razón por la cual la fotografía de "Tormenta de arena golpea Beijing" tomada por Wang Zhengyi nació con el propósito de grabar. La poderosa vitalidad que ha demostrado desde su nacimiento reside precisamente en su función registradora. Esto no tiene comparación ni es reemplazado por otras tecnologías o artes. Por tanto, en un sentido amplio, la fotografía es documentación.

Fotografía Artística

Con el desarrollo de la fotografía, la gente continúa agregando elementos artísticos a la fotografía y comienza a producir fotografía artística. La diferencia entre ésta y la fotografía documental radica en el grado y nivel artístico, pero no existe un límite absoluto. Por ejemplo: tomamos una fotografía como documento de identidad o como recuerdo. Generalmente, las fotografías tomadas en estudios fotográficos tienen como máximo algún valor informativo o récord. Sin embargo, el retrato que el Sr. Zheng Jingkang tomó del Sr. Qi Baishi, 50 años después, sigue siendo uno de los veinte mejores retratos del mundo. La diferencia radica enteramente en el nivel artístico de la piedra pictográfica en bruto de ágata blanca "Small Foot Fat Girl Yang Guifei" fotografiada por Wang Zhengyi.

Fotografía pictórica

La fotografía pictórica siempre ha sido un método de expresión importante de la fotografía de retrato con su hermoso lenguaje pictórico y su hermosa connotación de diseño. Desde la invención de la fotografía hasta nuestros días, se puede decir que la fotografía pictórica ha ido atravesándola y ha marcado varios hitos en la historia del desarrollo de la fotografía. En la segunda mitad del siglo XIX, el fotógrafo británico Leland realizó una obra que alguna vez se predijo que sería "la llegada de una nueva era de la fotografía": "Dos caminos en la vida en una época en la que la fotografía todavía era menospreciada". Esta obra fue muy elogiada por la reina Victoria por su horrendo tema y composición pictórica. Se puede decir que Lelanda contribuyó decisivamente a promover el reconocimiento de la fotografía como arte. Desde entonces, la fotografía pictórica se ha ido convirtiendo paulatinamente en un género importante del arte fotográfico.

Holografía

La holografía se refiere a una nueva tecnología fotográfica que registra toda la información, como la amplitud y la fase de la onda reflejada del objeto. La fotografía ordinaria registra la distribución de la intensidad de la luz en la superficie del objeto. No puede registrar la información de fase de la luz reflejada por el objeto, perdiendo así el sentido tridimensional. La holografía utiliza láseres como fuente de iluminación y divide la luz emitida por la fuente de luz en dos haces, un haz se dirige a la película fotosensible y el otro haz es reflejado por el objeto y luego dirigido a la película fotosensible. Los dos haces de luz se superponen a la película fotosensible para causar interferencia. La sensibilidad de cada punto de la película fotosensible varía no sólo con la intensidad sino también con la relación de fase de los dos haces de luz. Por tanto, la holografía no sólo registra la intensidad de la reflexión sobre el objeto, sino que también registra la información de fase. Cuando el ojo humano mira directamente esta película fotosensible, sólo puede ver franjas de interferencia como huellas dactilares. Pero si se ilumina con un láser, el ojo humano puede ver exactamente la misma imagen tridimensional del objeto fotografiado original. Incluso si sólo queda una pequeña parte de una imagen holográfica, aún se puede reproducir la escena completa. La holografía se puede utilizar en la industria para pruebas no destructivas, holografía ultrasónica, microscopios holográficos, memoria holográfica, películas y televisión holográficas y muchos otros aspectos.

1. Fotografía pictorialista

La fotografía pictorialista es un género artístico popular en el campo de la fotografía a principios del siglo XX. Se originó en Inglaterra a mediados del siglo XIX.

Los fotógrafos de esta escuela persiguen el efecto de la pintura o el ámbito de la "poesía y la pintura" en sus creaciones. Ha pasado aproximadamente por tres etapas: la etapa de imitar la pintura; la etapa de defender la elegancia y la etapa de la pintura;

Los fotógrafos pictorialistas propusieron que "debería haber un Rafael de la fotografía y un Tiziano de la fotografía".

La fotografía pictorialista ha pasado por un largo período de desarrollo, y el primer El maestro de La fotografía pictórica es el pintor británico Hillard (1802-1870). Es bueno en la fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. De 1851 a 1853, fue el período de crecimiento del pictorialismo fotográfico. En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó el libro The Pictorial Effect of Photography. Propuso: “Un fotógrafo debe tener emociones ricas y una profunda comprensión artística para convertirse en un excelente fotógrafo.

Sin duda, la mejora continua y la invención de la fotografía han revelado objetivos más elevados, que son suficientes para permitir a los fotógrafos desarrollarse con mayor libertad, pero la mejora técnica no es igual al progreso artístico; Porque la fotografía en sí, por sofisticada y completa que sea, es sólo una forma de conducirnos a una meta superior. ” sentó las bases teóricas de la escuela.

En 1857, OG Leland (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: Los dos estilos de vida marcan la madurez de la fotografía pictórica. /p>

La mayoría de los temas de las obras de este período son religiosos y tienen cierto grado de metáfora. Luego, se utilizaban modelos y atrezzo para organizar y disponer las escenas, y eran procesadas en el cuarto oscuro para seguir el proceso. efectos pictóricos de las fotografías.

Más tarde, el contenido de la fotografía pictórica se amplió, pero el estilo todavía defendía el clasicismo, la forma y la composición todavía siguen las reglas de la escuela académica, por lo que parecen ser reservadas. tranquilo y elegante.

"Qi Baishi" fotografiado por el maestro de la fotografía Zheng Jingkang Cuando la escuela llegó a la etapa de pintura, persiguió la emoción, la concepción artística y la emoción de la obra. sigue siendo su característica.

Porque los fotógrafos pictóricos enfatizan los logros artísticos: "Si quieres que la fotografía tenga un estatus en el arte, los fotógrafos primero deben cultivar la capacidad estética y la educación. Realizar el cultivo del arte. "Por eso su contribución histórica es guiar la fotografía desde la copia mecánica de objetos en sus inicios hasta el campo de las artes plásticas, promoviendo el desarrollo del arte fotográfico.

Dado que la mayoría de las creaciones del pictorialismo están divorciadas de la vida real , y fotografía A pesar de la mejora continua de los equipos y el desarrollo continuo del gusto estético de la gente, el "naturalismo" todavía tiene su sede principal en el palacio del arte fotográfico de hoy.

Los fotógrafos y las obras incluyen: The Baron's Banquet, Robinson Crusoe y escena de la pagoda de Plessy (? -1896); Cuando termina el trabajo del día, Otoño, Dos niñas moribundas y sosteniendo a Julieta de la botella de veneno, El pacto del amanecer de Leland el Bautista; Ifigenia, Euditia y Holofernes; Thomas Carlyle y Nida de Lady Cameron (1815-1897) (1820-1910), etc.

2. Fotografía impresionista

En 1899 se realizó la primera exposición La pintura impresionista francesa y la fotografía pictorialista se llevaron a cabo en el Reino Unido. Bajo su influencia, Robinson propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas suaves es más hermosa que la fotografía nítida" y abogó por la fotografía con teclas suaves. pintando impresionismo en el campo de la fotografía.

, utilizaron lentes de enfoque suave para disparar e imprimir en papel texturizado, persiguiendo una expresión artística nebulosa con el surgimiento del "método de lavado con bromuro de plata". A partir de mezclar pegamento dicromato con pigmentos para lavar papel fotográfico, comenzaron las obras impresionistas, desde el control de las imágenes con lentes hasta el procesamiento en el cuarto oscuro, propusieron "hacer que la obra no se pareciera en nada a una fotografía" y creían que "si no hay pintura, habrá". No habrá fotografía real." ”

Bajo la guía de esta teoría, los fotógrafos impresionistas también utilizaron pinceles, lápices y borradores para procesar los marcos de fotos, cambiando deliberadamente los cambios originales de luz y oscuridad y buscando el efecto de "pintura", como Lacero "El barrendero" creado por Ya en 1900 es como una pintura al carboncillo sobre lienzo. Los fotógrafos impresionistas perdieron por completo las características del arte fotográfico en sus obras, por lo que algunas personas lo volvieron a utilizar. Se puede decir que es una rama de la fotografía pictorialista.

Las características artísticas de esta escuela son la melancolía, los patrones de sombras ásperos, rica en decoración, pero la falta de sentido del espacio. Entre sus fotógrafos famosos se encuentra Dumash (. ?-1937), Puyo (1857-1933), Qiu En (1866-1944), Wasek (1848-1903) y los hermanos Hofmeister (1868-1943), Durkov (1848-1918), Evert; (1874-1948), Mizunnet (1870-1943), Sinton (1863-1908), Chili (1861-1947), etc.

3. Fotografía realista

Fotografía realista. Es un género fotográfico con una larga trayectoria, y sigue siendo el género básico y principal del arte fotográfico. Es un método de creación realista en el campo del arte fotográfico.

Los fotógrafos de este género respetan el carácter documental de la fotografía en sus creaciones. En su opinión, la fotografía debe ser tan fiel como "igual a la naturaleza misma". Cada detalle de la imagen debe ser "idéntico a". naturaleza misma". La "precisión matemática" permite que la obra ejerza un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no pueden. A. Stiglitz dijo una vez: "Nuestra misión sólo es explorar la fidelidad". Por otro lado, se oponían a reflejar el objeto de manera indiferente y puramente objetiva como un espejo, y defendían que la creación debería ser selectiva y tener cuidado con todo lo reflejado. Debe tener el propio criterio estético del artista. Lewis Hine, el famoso maestro de la fotografía realista, dijo lo siguiente: "Quiero exponer aquellas cosas que deberían corregirse; al mismo tiempo, quiero reflejar aquellas cosas que deberían ser elogiadas. Esto demuestra que defienden esa visión". que el arte debe "reflejar la vida". Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones, pero tiene un fuerte poder de testimonio e inspiración.

La primera afición de la fotografía realista son los documentales con colodión realizados por el fotógrafo británico Philippe de la Motte en 1853. Más tarde, fueron las fotografías de guerra de Ross Fenton y las Maravillas de Yellowstone de William Jackson a finales de los sesenta. Después de 1870, la fotografía realista maduró gradualmente y comenzó a centrar su atención en la sociedad y la vida. Por ejemplo, el fotógrafo Dr. Barnardo en ese momento sorprendió a la gente al fotografiar la trágica situación de los niños de la calle.

Debido al enorme papel cognitivo y al extraordinario atractivo de la afición por la fotografía realista, poco a poco ha ido ocupando su propia posición en el campo del periodismo. Las obras del fotógrafo estadounidense Jacob Rees sobre la vida en los barrios marginales de Nueva York en la década de 1990 son las obras fundamentales en este ámbito.

Posteriormente, surgieron en gran número fotógrafos realistas, y sus obras son famosas por su fuerte realismo y profundidad en la historia de la fotografía. Por ejemplo, "The Coal Pickers" de Brandt en el Reino Unido; "The French Woman Parade with Her Head Shaved and Parading" de R. Capa en Estados Unidos; "Girls" de Weiss en Francia, por nombrar algunos.

4. Fotografía naturalista

En 1899, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo titulado "Fotografía naturalista" en vista de las debilidades del pictorialismo. El periódico criticaba la fotografía pictórica como fotografía fragmentada. y abogó por que los fotógrafos regresaran a la naturaleza en busca de inspiración creativa. Él cree que la naturaleza es el principio y el fin del arte, y sólo el arte que está más cerca de la naturaleza y se parece a la naturaleza es el arte más elevado. Dijo que ningún arte refleja la naturaleza de manera más precisa, meticulosa y fiel que la fotografía. "Desde el punto de vista emocional y psicológico, el efecto de la afición a la fotografía reside en la escena sin modificar con lentes fotosensibles, lo dijo con más precisión otro maestro de la escuela, A.L. Paqiu". claramente: "El arte debe dejarse en manos de los artistas. En lo que respecta a la fotografía, no tenemos nada que depender del arte y deberíamos dedicarnos a la creación independiente".

Se puede ver que esta propuesta artística es una reacción contra el pictorialismo. Alienta a la gente a liberar la fotografía de las cadenas del academicismo y promueve el pleno uso de las características propias de la fotografía.

Los temas creativos de este género son principalmente paisajes naturales y vida social.

Porque la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial de la realidad y la realidad "absoluta" de los detalles, ignora la exploración de la esencia de la realidad y el refinamiento de los objetos superficiales. No se presta atención a la tipificación de la creación artística y a la tipicidad de las imágenes artísticas, por tanto, se trata esencialmente de una vulgarización del realismo. A veces esto conduce a una distorsión de la realidad.

Fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Dewison (1856-1930), Wilchinson (1857-1921), Gurr (?-1906), Tie Ye (1856-?), Savoy Turcliffe (1859-1940) y otros.

5. Fotografía purista

La fotografía purista es una escuela de arte fotográfico que maduró a principios del siglo XX. Su fundador es el fotógrafo estadounidense Stieglitz (1864-1946). Abogan por que el arte de la fotografía debe aprovechar plenamente las características y el rendimiento de la fotografía, liberarla de la influencia de la pintura y utilizar tecnología fotográfica pura para lograr los efectos estéticos únicos de la fotografía: alta claridad, ricos niveles tonales, sutileza. cambios en luces y sombras, tonos puros en blanco y negro, expresión de textura detallada y representación precisa de la imagen.

En definitiva, los fotógrafos de esta escuela persiguen deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresar de forma precisa, directa, delicada y natural la luz, el color, la línea, la forma, la textura y la calidad del sujeto sin recurrir a ningún otro medio plástico. .

El Overlooking New York expuesto por Cobain en 1913 es una obra maestra entre los puristas. El fotógrafo contempla una plaza de Nueva York desde un lugar elevado. Aunque no hay ningún procesamiento ni modificación, la composición novedosa y la forma única son refrescantes. Otro ejemplo es el sincero E. Sandberg, que utilizó la técnica de múltiples exposiciones. espacio y tiempo en una sola obra, y plasma con delicadeza la transformación emocional del poeta, la combinación de tonos y los cambios de composición en un solo cuadro, con un fuerte sentido del ritmo.

Desde cierta perspectiva, algunas de las ideas y creaciones de los puristas eran "híbridos" de formalismo y naturalismo, que luego evolucionaron hacia el "nuevo materialismo". Sin embargo, este género ha impulsado en cierta medida la exploración e investigación de las personas sobre las características y técnicas de expresión de la fotografía.

Los fotógrafos famosos de este género son Strand (1890-?) y fotógrafos de la organización de fotografía grupal F64, como Adams, Cunningham, etc.

Las obras posteriores de los puristas se desarrollaron hacia los aspectos abstractos de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Sus fotógrafos influyentes son Yabo, Stinner, Stetvin y Evans.

6. Fotografía del Nuevo Objetismo

La Fotografía del Nuevo Objetismo también se conoce como “Fotografía de Dominación” y “Fotografía del Nuevo Realismo”. Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920.

La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas comunes. Utilice primeros planos, primeros planos y otras técnicas para "separar" el sujeto del todo, resaltar un determinado detalle del objeto y representar con precisión y fidelidad la estructura de su superficie, logrando así un efecto visual deslumbrante. No considera que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto que suscita, por lo que sus pensamientos estéticos pertenecen a la categoría del naturalismo. Por ejemplo, el fotógrafo Pa Qiu tomó un primer plano del eje giratorio de la locomotora en 1923, mostrando el estado del eje giratorio de la locomotora mientras estaba en marcha. Dado que la imagen omitía otros detalles, dio al público una fuerte impresión visual.

El pionero teórico del Nuevo Objetismo es Strand, quien definió las características artísticas del Objetismo de la siguiente manera: “El Nuevo Objetismo es la esencia de la fotografía, y es también el producto y el límite de la fotografía”. que la fotografía "es extremadamente expresiva de la vida y requiere ojos para observar las cosas correctas. Para ello, no se basa en procesos y métodos superficiales, sino que se debe utilizar la fotografía pura". Los pioneros de la fotografía fueron Atget y Steichen. El fundador real es Paqiu mencionado anteriormente.

Paqiu se opuso a la dependencia de la fotografía de la pintura. Enfatizó que el arte fotográfico debe basarse en las características propias de la fotografía. Creía que el valor estético de la fotografía se oculta en sus propias características sólo dando pleno juego a las características propias de la fotografía. ¿Se puede crear belleza? Dijo: "Los pintores deben pintar cuadros a voluntad. Sólo basándose en características inherentes se puede crear una fotografía que pueda sostenerse por sí sola. Nada se toma prestado de la pintura".

La contribución de los fotógrafos del Nuevo Objetismo es impulsar a las personas a investigar y explorar las características de la fotografía en sí, y devolver la fotografía del mundo de fantasía estética a la vida real. Sin embargo, debido al énfasis excesivo en la descripción de estructuras detalladas de la superficie del material, proporcionó el terreno para la germinación de fotografías abstractas posteriores.

Hacia 1925, debido a la aparición de las pequeñas cámaras de gran diámetro, se produjo un nuevo desarrollo en el campo de expresión del Nuevo Materialismo, que produjo numerosos retratos y fotografías que reflejaban la vida social y los paisajes naturales.

Fotógrafos famosos del Nuevo Objetismo incluyen a Sander (1876-1964), Leski (1871-1956), Heige (1893-1955), Hirsch (1881-1948) Hugh Liman Hoppe (1878-?), Evert (1874-1948), Weston Adams (?-1902), etc.

7. Fotografía Surrealista

La fotografía surrealista es un género que surgió en el campo del arte fotográfico durante el declive del dadaísmo y surgió en la década de 1930.

Este género tiene un programa artístico y una teoría relativamente rigurosos. Creen que utilizar métodos creativos realistas para expresar el mundo real es una tarea que los artistas clásicos ya han completado, mientras que la misión de los artistas modernos es explorar la parte nueva e inexplorada del "mundo espiritual" de los seres humanos.

Por lo tanto, las actividades subconscientes humanas, la inspiración accidental, las anomalías psicológicas y los sueños se han convertido en objetos expresados ​​deliberadamente por los artistas de la fotografía surrealista.

Los surrealistas en fotografía, al igual que los fotógrafos dadaístas, utilizaron tijeras, pasta y técnicas de cuarto oscuro como principales métodos de modelado para apilar, ensamblar y reorganizar escenas en sus obras, combinando expresiones detalladas específicas con exageración arbitraria. , deformación, omisión y técnicas simbólicas para crear un "reino artístico" surrealista entre la realidad y la fantasía, lo concreto y lo abstracto. Entonces el efecto es extraño, absurdo y misterioso.

Los fundadores de este género son el fotógrafo británico John Stone y el fotógrafo estadounidense Bleu Quail (1880-1945). La persona real que lo logró fue el fotógrafo escénico británico Marco Bin (1905-?). En su creación, combinó la virtualidad de la "superrealidad" con la realidad real, creando una especie de ilusión que es a la vez ilusoria y real. reino. Por ejemplo, el "Autorretrato de Marcopin" que creó en 1946 es una obra surrealista típica. Fue filmada utilizando cuatro técnicas de exposición: una frontal, dos laterales y una lateral.

Fotógrafos famosos de este género incluyen al pintor Parhan, que participó en colecciones de fotografías surrealistas; el fotógrafo de cuerpos deformes Brandt; el fotógrafo de retratos y publicidad Carson, así como Blumenthal y Lowe. et al.

8. Fotografía abstracta

La fotografía abstracta es un género de arte fotográfico que surgió después de la Primera Guerra Mundial.

Los fotógrafos de esta escuela niegan la característica básica del arte plástico de que refleja la vida y expresa los sentimientos estéticos del artista a través de imágenes artísticas escrutables, y declaran que quieren "liberar la fotografía de la fotografía".

En los primeros días, se utilizaba el método de ampliación sin fondo para omitir la textura detallada y los tonos ricos del "tema" y crear una "pintura de luz" que sólo expresaba su forma. Más tarde, se desarrolló para usar luz, editar luces, exponer a mitad de camino o agitar la cámara durante el disparo para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o exponerlo varias veces para convertirlo en fantasma, hasta que se cambia la estructura de la superficie de la imagen. Se intenta utilizar la forma original y la estructura espacial del objeto fotografiado utilizando el llamado "lenguaje absolutamente abstracto" de forma, tono (color) y material para transformar el objeto fotografiado en líneas, manchas y combinaciones irreconocibles. Expresar lo que los artistas de esta escuela consideran el llamado mundo subconsciente más real y más esencial del ser humano. En la obra, el artista simplemente toma prestados los objetos fotografiados para producir notas que expresan su propia imaginación y personalidad a su gusto.

El creador de la fotografía abstracta es Talbot (1800-1877). Al principio, la imagen de la obra aún mantiene cierto grado de legibilidad. En 1917, el "Burdeos ilustrado" fotografiado por el fotógrafo Cobain (1882-?) utilizando astillas de madera y fragmentos de vidrio transparente era completamente irreconocible. En 1922, el pintor abstracto húngaro Moholinaki (1895-?) lo desarrolló basándose en Manray (1890-?) y otros, y lo estableció teóricamente. Posteriormente, los pintores abstractos Kandinsky, Koehler y otros introdujeron la microfotografía en Europa, Estados Unidos y otros países.

A los representantes de este género, además de los ya mencionados en el artículo, se encuentran Scott, Fenninger, Anzhenlanth, Freitai, Winchester, Greenbach, Xia De y Bruquier et al.

9. Fotografía Kandi

La fotografía Kandi es una importante escuela de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial y se opuso a la fotografía pictórica.

Los fotógrafos de esta escuela abogan por respetar las características de la fotografía, enfatizando la autenticidad y la naturaleza, abogando por no disponer ni interferir con los objetos al disparar, y abogando por capturar el estado de ánimo momentáneo del sujeto en su estado natural. Henri Cartier-Bresson, el famoso fotógrafo francés "Kandis", dijo una vez: "Para mí, la fotografía es capturar el significado de un evento en un momento y poder expresarlo con precisión. La forma organizativa precisa se registra". Por tanto, las características artísticas de este género son objetivas, reales, naturales, amigables, casuales, sin tallar, vívidas y llenas de vida.

La situación de los fotógrafos de la escuela "Kandi" es relativamente complicada en cuanto a sus pensamientos estéticos y tendencias creativas, aunque todos defienden la expresión de la naturaleza humana y la mayoría se dedica a la fotografía de noticias. pero algunos son naturalistas y otros son realistas.

La obra que dio origen a este género fue "Invierno en la Quinta Calle, Nueva York" del fotógrafo Alfred Stieglitz en 1893, y el verdadero completador fue el fotógrafo alemán Dr. Eric Salomon. La "Reunión política en Roma", que fotografió con una pequeña cámara al final de una reunión nocturna entre los primeros ministros alemán y francés, se ha convertido en una obra clásica en la historia de la fotografía de este género por su viveza, autenticidad , sencillez y naturaleza.

En términos de estética fotográfica, creen que "las fotografías basadas en las características básicas de la fotografía no pueden ser imitadas por pintores o grabadores. Tiene su propio yo indivisible y su propia expresión especial, incluso características". que son imposibles de expresar por otros medios." En segundo lugar, para la realización de cosas objetivas, valoran y enfatizan la originalidad, diciendo: "(Los fotógrafos deben usar) sus propios ojos para ver el mundo, no para ver el mundo a través de los ojos de otras personas, y esto es lo que distingue si una foto es mediocre o brillante, el estándar de si es valioso o no."

Fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Thomas Dowell McAvoy de Estados Unidos; Celie Model del Reino Unido; Victor W. Halfman; como. así como Louis Dahl Wolf, Peter Stuck, Peter Bruwich y otros.

10. Fotografía "Dada"

"Dada" es un pensamiento literario y artístico que surgió en Europa durante la Primera Guerra Mundial. "Dada" era originalmente un término incoherente para "pony" o "caballo de juguete" en el idioma infantil francés. Porque los artistas dadaístas niegan la racionalidad y la cultura tradicional en sus creaciones, declaran que el arte y la estética no tienen nada que ver entre sí, abogan por "abandonar la pintura y todas las exigencias estéticas" y abogan por la nada, haciendo de sus creaciones casi una broma, así la gente llama a esto grupo "Dada" de la escuela de arte".

Bajo la influencia de esta corriente artística, la "Escuela Dadá" surgió también en el campo del arte fotográfico. El famoso fotógrafo Halsman una vez creó una pintura de la Mona Lisa, donde sus manos regordetas no solo se convertían en venas prominentes y pelos peludos, sino que también estaban llenas de billetes. Puede describirse como absurdo y anodino.

La mayoría de las creaciones de los artistas de la fotografía dadaísta utilizaban tecnología de cuarto oscuro para editar y procesar para crear algún tipo de escena ilusoria para expresar sus ideas. Por ejemplo, Leda y el cisne de LM Naki toma una hermosa historia mitológica griega y la convierte en una combinación oscura, extraña y esquiva de imágenes y líneas. En la imagen, la imagen visual ya no existe con significado propio, sino que es sólo un elemento constitutivo de una determinada idea. Otros utilizaron métodos de edición para hacer que las Cataratas del Niágara fluyeran hacia Nueva York, creando una desolada escena del fin del mundo.

Dado que las obras fotográficas de Dadá no respondían a los gustos y exigencias estéticas generales del pueblo, a partir de 1924 fueron gradualmente impactadas por la escuela de arte surrealista, que tenía una agenda y un programa artístico más claro y completo. Pero su influencia todavía se puede ver en el arte de la fotografía moderna que apareció más tarde.

Los fotógrafos dadaístas famosos incluyen a Philippe Halsman, Morgan, Ratslo Moholinaki y Listky.

11. Fotografía subjetivista

La fotografía subjetivista es un género artístico fotográfico que se formó después de la Segunda Guerra Mundial y que es más "abstracto" que la fotografía abstracta, por eso también se le llama el "post -facción de guerra."

Es un reflejo de la tendencia filosófica existencial en el campo del arte fotográfico. Su fundador es el fotógrafo alemán Ot Steinert. Considera que "la fotografía es un campo amplio que originalmente tenía sus propias habilidades y un alto grado de iniciativa subjetiva. Pero ahora se ha convertido en una especie de realismo mecánico". Por lo tanto, propuso la propuesta artística de "subjetivización del arte fotográfico. Abogó firmemente por que el propósito final del arte fotográfico debería ser recordar al fotógrafo sus propios pensamientos confusos y expresar el inefable estado interior y las actividades subconscientes que es la fotografía subjetiva". Fotografía personificada y personalizada. Este es el programa artístico de este género. Los artistas de la fotografía subjetiva dan gran importancia a su individualidad creativa y desprecian todas las reglas artísticas y estándares estéticos existentes. Los teóricos de esta escuela declararon públicamente que "la fotografía subjetiva no es sólo un arte de imagen experimental, sino un arte creativo libre y sin restricciones; podemos utilizar medios técnicos para crear fotografías a voluntad".

La evolución de la fotografía de desnudos occidental En la historia del arte mundial, hubo un período glorioso del arte del cuerpo humano en Grecia y el Renacimiento europeo. El arte de la fotografía que nació después experimentó una impactante etapa inicial. reproducir la realidad objetiva Después de desarrollar su expresión artística, fotógrafos con espíritu de exploración y creatividad comenzaron a avanzar en el campo de la fotografía humana. En 1857, el fotógrafo sueco Radar Land, que luego vivió en el Reino Unido, realizó una pintura que se considera como. Un clásico de la historia de la fotografía. "Dos caminos de la vida", una imagen con ricas tramas y numerosas escenas, utiliza una gran cantidad de obras del cuerpo humano y el tema es observar el bien y castigar el mal. templos blancos. Los dos grupos de personajes en ambos lados encarnan dos conceptos morales diferentes, ideales de vida y viaje de vida. El lado izquierdo representa diligencia, amabilidad y espíritu emprendedor, mientras que el lado derecho representa la codicia, el disfrute y la depravación. Se trata de un collage muy imaginativo compuesto por más de 30 negativos. Fue una iniciativa artística con significado positivo y también fue apreciada por la Reina Victoria en su momento. Ganó una gran reputación como arte emergente de la fotografía en la exposición de importantes artes plásticas. Trabaja en Manchester, sin embargo, también fue atacado por algunas personas por el uso de tantas mujeres desnudas, sus posturas son groseras y obscenas, son pornográficas, etc. Se puede ver ese arte corporal en todas las épocas y en todos los países. Será criticado y atacado por algunas personas por muy positivo que sea su significado ideológico o su excelente tratamiento artístico. Esto probablemente se ha convertido en una especie de regularidad que refleja la tendencia de desarrollo de la fotografía corporal occidental. Muy obvio, mientras se desarrolla la fotografía corporal tradicional convencional, también es popular expresar fuertes sentimientos subjetivos, lenguaje fotográfico moderno y crear más. Las obras de varios géneros y estilos incluso presentan concepciones artísticas de deformidad, corte, reorganización, misterio, absurdo. y fealdad, como la fotografía simbólica del cuerpo humano de Jerry Yusman, "Random Human Body" de Roger Madin, la fotografía original del cuerpo humano de gran formato de Todd Volk, la fotografía corporal cortada y reorganizada de Robert Henneschian y Kaidsu Okhama, la absurda fotografía corporal de Li Sili Cronus y Ning Fotografías de desnudos sexys de Da, Conradoni Mitchell, etc.

China·Cultura oriental y fotografía de desnudos

En resumen, el mismo trasfondo se basa en la cultura oriental. También hay dos tendencias artísticas completamente diferentes en la fotografía de desnudos en China, Japón y otros países: una es hacer todo lo posible para combinarla con la cultura oriental y la cultura nacional para crear fotografías de desnudos distintivas, y la otra es combinarlas sin escrúpulos con la cultura occidental. , la cultura europea y americana se combinan para crear una fotografía corporal con fuerte personalidad. Cada una tiene su propio grupo de autores, lectores y públicos que pueden ir de la mano y desarrollarse de forma independiente.