Artista de instalación estadounidense que cambió el espacio——Robert Irwin

Robert Irwin (nacido el 12 de septiembre de 1928) es un artista de instalaciones estadounidense que a menudo explora las condiciones perceptuales y artísticas a través de intervenciones arquitectónicas específicas del sitio que alteran la experiencia física, sensorial y temporal del espacio.

Robert Irwin en el estudio trabajando en una de las primeras pinturas lineales, 1962 (? Marvin Silver, cortesía de Marvin Silver y Craig Krull Gallery) (haga clic para ampliar)

Su trabajo en el Siglo XX Comenzó su carrera como pintor en la década de 1950, pero se dedicó al trabajo de instalación en la década de 1960, convirtiéndose en un pionero cuyo trabajo ayudó a definir las cuestiones estéticas y conceptuales del Movimiento Espacial y de Luz de la Costa Oeste. Sus primeros trabajos a menudo utilizaron luz y gasa para transformar espacios de galerías y museos, pero desde 1975 también ha incorporado proyectos de paisaje a su práctica. Irwin ha concebido más de cincuenta y cinco proyectos específicos de sitio en instituciones como el Gate Center (1992-98), Dia: Beacon (1999-2003) y la Fundación Chinati en Marfa, Texas (2001-16). El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles realizó por primera vez una retrospectiva de su obra en 1993; en 2008, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego exhibió otra, que abarca su carrera de cinco décadas; Irwin recibió una beca Guggenheim en 1976, una beca MacArthur en marzo de 1984 y fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras en 2007. Vive y trabaja en San Diego, California.

Robert Irwin, “Sin título” (1969), pintura acrílica sobre acrílico moldeado, 53 1/4 pulgadas de diámetro, vista de la instalación, Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington, DC (obra de arte? 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], Nueva York, foto de Cathy Carver)

Comienzos

Robert Irwin nació en 1928 en Long Beach, California, hijo de Robert Irwin y Goldie Anderberg Irwin. . Después de servir en el ejército de los Estados Unidos de 1946 a 1947, asistió a varias instituciones de arte: el Otis Art Institute de Los Ángeles de 1948 a 1950, la Jepson School of Art de 1951 a 1954 y el Chouinard Art Institute de Los Ángeles. Pasó los siguientes dos años viviendo en Europa y el norte de África. De 1957 a 1958 enseñó en la Escuela de Arte Chouinard.

Vista de instalación de “Band in Boston” (1962), “Bed of Roses” (parcial) (1962) y “Untitled” (parcial) (1962), en 'Robert Irwin: All the Rules Will Change' en el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (obras de arte? 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], Nueva York, foto de Cathy Carver)

Obra

1977, Robert Irwin escribió algo sobre sí mismo: "Empecé como pintor en un lugar desconocido, con pocos problemas... Mis primeros problemas reales me involucraron La arbitrariedad de las pinturas... Utilizo mis pinturas como un proceso paso a paso, Con cada nueva serie de obras respondiendo directamente a las preguntas planteadas por la serie anterior, cuestiono la marca primero como significado y luego como foco. Ya veo... Considerando la posibilidad de que nada realmente trasciende su entorno inmediato... Intento responder directamente a la calidad de cada situación en la que me encuentro. En lugar de transformarla en un entorno nuevo o ideal, es posible comprometerse directamente con la naturaleza de cómo es. ¿Cómo puede considerarse vacío un espacio cuando está lleno de eventos reales y táctiles?" (Robert Irwin, 1977) Los conceptos artísticos de Robert Irwin surgen de una serie de percepciones experienciales. Pensador abstracto y de mente abierta, presentó por primera vez la experiencia como percepción o sensación. Concluyó que una sensación de conciencia o reconocimiento ayuda a aclarar la percepción. Por ejemplo, “Conocemos el azul del cielo incluso antes de saber que es “azul”, y mucho menos “el cielo”.

Vista de la instalación de “Sin título (columna acrílica)” (1969–2011) y "Untitled (Acrylic Column)" (1969–2011), en 'Robert Irwin: All the Rules Will Change' (obra de arte? 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], Nueva York, foto de Cathy Carver) (haga clic para ampliar)

Más tarde explicó que el concepto de pensamiento abstracto ocurre en la mente a través del concepto de uno mismo. Luego, se reconoce la forma física, la forma se comunica a la comunidad y se produce el compuesto objetivo. al representarlo, las normas de comportamiento y las normas del arte se vuelven identificables. Luego, los límites y los axiomas introducen la lógica y el razonamiento, y se pueden tomar decisiones: siguen métodos inductivos o deductivos, que justifican y convencen las decisiones sobre el objeto percibido. : "Todas las ideas y valores se originan en la experiencia, pueden separarse en cualquier momento y desarrollarse directamente sobre la base de la función y el uso, los cuales en realidad siguen siendo relevantes para las condiciones de nuestra existencia subjetiva y objetiva. "La filosofía de Robert Irwin define su concepción del arte como una serie de indagaciones estéticas, oportunidades de innovación cultural, interacción con la sociedad y desarrollo histórico complejo.

Lawrence Weschler ) en su libro Seeing the Name of a Thing Forgotten narra los primeros años de Irving cuando era joven en el sur de California y su surgimiento como líder en el mundo del arte post-abstracto.

Weschler describe la calidad fascinante y a menudo fascinante de estas obras en las notas de su libro:

"6 x 6 An Improvisation" de Larry Bell, 2014

1980 En mayo, Robert Irvine Regresó a Market Street en Venice, California, donde mantuvo un estudio hasta 1970, cuando abandonó por completo el trabajo de estudio. Melinda Wyatt abrió una galería en el edificio contiguo a su antiguo espacio de trabajo e invitó a Irwin a crear una instalación.

Excursus de Robert Irwin: ¿Homenaje a la plaza? en Dia: Beacon, Dia Art Foundation, 1 de junio de 2015 – mayo de 2017

Limpió la gran sala rectangular y ajustó los tragaluces. Pintó las paredes de blanco, luego derribó la pared que daba a la calle y la reemplazó con una muselina blanca transparente y translúcida. La sala pareció cambiar de aspecto con respecto al día anterior: la gente venía y se sentaba al otro lado de la calle y observaba, a veces durante horas.

Debido a la naturaleza efímera o sutil de su obra, este libro no es sólo una introducción sino, para muchos artistas y estudiantes de arte, la forma principal en la que se experimenta la obra de Robert Irvine. En 2007, le dijo a Jori Finkel del New York Times que la gente todavía acude a él para pedirle autógrafos en sus conferencias. En ese artículo, el director de LACMA, Michael Govan, quien encargó a Irving "diseñar nuestra experiencia Dia: Beacon", dijo que creía que el libro "ha convencido a más jóvenes para convertirse en artistas que los que creó el músico de rock Velvet Underground".

Similar al trabajo de Gabriel Dawe, pero de ninguna manera relacionado, aquí hay otra serie de cuerdas de colores suspendidas para parecer movimiento y reflejo. Absolutamente impresionante y laboriosa, me imagino.

Pintura

Los primeros trabajos de Irving comenzaron con la pintura. En 1959, pintó una serie de objetos de mano y expuso por segunda vez como expositor individual en la Galería Ferus de Los Ángeles. Al año siguiente, 1960, le pidieron que expusiera nuevamente en el Museo de Arte de Pasadena. Para entonces inició una serie de experimentos continuos. En 1962, comenzó a enseñar en UCLA y nuevamente expuso en la Galería Ferus. Ese año comenzó sus dibujos lineales. Expuso y expuso sus pinturas puntuales en la Galería Ferus en 1964.

Robert Irwin Vista de la instalación, Sprüth Magers, Los Ángeles, 23 de enero - 21 de abril de 2018. Cortesía del artista y Sprüth Magers Fotografía: Robert Wedemeyer.

Desde 1966 hasta Durante. En 1967 comenzó a pintar placas de aluminio. Fue invitado como expositor personal en Pace Gallery de Nueva York. En 1968, comenzó a enseñar en la Universidad de California, Irvine. Durante los dos años siguientes, comenzó su trabajo utilizando discos acrílicos transparentes con estructuras elevadas blancas fijadas a la pared e iluminadas con lámparas. En 1970, comenzó a trabajar en "Los Pilares", una serie de columnas de acrílico transparente. En 1972 comenzó a estudiar "lugares de interés" y "lugares" del suroeste.

Robert Irwin Vista de la instalación, Sprüth Magers, Los Ángeles, 23 de enero - 21 de abril de 2018. Cortesía del artista y Sprüth Magers Fotografía: Robert Wedemeyer.

Light Works

Irving utilizó por primera vez iluminación fluorescente en la década de 1970. Su instalación in situ Excursus: un homenaje a Square3, una meditación sobre el pintor Josef Albers y su exploración de las relaciones de color, se exhibió en Dia: Chelsea entre 1998 y 2000. Consta de 18 pequeñas habitaciones separadas por tensas paredes de gasa; la iluminación de cada habitación, cuyo valor depende de la distancia a la ventana, se ve reforzada por cuatro bombillas fluorescentes dobles blancas y de colores, cada una de las cuales cuelga verticalmente en el centro de la pared. En 2015, se reinstaló en Dia:Beacon y permanecerá en exhibición en 2017. En una exposición de 2015 en la Pace Gallery de Nueva York, instaló varias filas de columnas de luz y cubrió diferentes tubos con gel de colores para cambiar la propagación de la luz.

Robert Irwin Vista de la instalación, Sprüth Magers, Los Ángeles, 23 de enero - 21 de abril de 2018. Cortesía del artista y Sprüth Magers Fotografía: Robert Wedemeyer.

Instalación

Desde 1968, Irwin se ha centrado en el sitio mismo creando instalaciones en habitaciones, jardines, parques, museos y diversos lugares urbanos. Particularmente influenciado por las pinturas de John McLaughlin, Irving y otros artistas de la luz y el espacio, y sintiendo curiosidad por traspasar los límites del arte y la percepción, en la década de 1970 Robert Irving abandonó el estudio para dedicarse a instalaciones que involucraran directamente la luz. Percepción en lugares exteriores e interiores modificados. Estas instalaciones permiten una exploración abierta tanto para el artista como para el espectador, creando experiencias alteradas manipulando el contexto del entorno en lugar de retener el alcance de las obras de arte individuales. Otros artistas involucrados en el movimiento Luz y Espacio incluyen a John McCracken, James Turrell, Peter Alexander, Larry Bell, Craig Kauffman, Doug Wheeler, Maria Nordman y otros.

Luz y Espacio, 2007

115 luces fluorescentes

271 1/4 × 620 pulgadas

689 × 1574,8 cm

En 1970, el Museo de Arte Moderno invitó a Irving a crear una instalación. Utilizando todo el espacio del proyecto, Irwin suspendió una tela de muselina blanca a 10 pies del suelo y revistió las paredes con reluciente alambre de acero inoxidable. En 1971, el Walker Art Center encargó al artista la creación de Untitled (Tilt/Light/Volume) para la primera exposición del edificio diseñado por Edward Larrabee Barnes. Para Soft Wall, una instalación de 1974 en la Pace Gallery de Nueva York, Irving simplemente limpió y pintó una galería rectangular y colgó una delgada y translúcida cuadrícula blanca de teatro frente a una de las paredes largas, creando un efecto. En una habitación vacía, una pared parece permanentemente desenfocada. Una instalación permanente en la pared del pasillo de entrada del Allen Memorial Art Museum, Sin título (1980) es una réplica exacta de la profunda ventana de enfrente. A principios de la década de 1980, Irving fue invitado como coartista para diseñar la revitalización y mejoras del Aeropuerto Internacional de Miami. En 1997, transformó una sala con vista al Océano Pacífico en la sucursal de La Jolla del Museo de Arte Contemporáneo de San Diego. Para celebrar su 125 aniversario, el Museo de Arte de Indianápolis encargó a Irving la creación de "Light and Space III" (2008), convirtiéndose así en el primer museo estadounidense en presentar la instalación interior permanente del artista.

Para esta pieza, Irving dispuso un patrón de cuadrícula irregular de bombillas fluorescentes en las paredes que rodean la escalera mecánica, con un marco de malla a cada lado, a medida que los visitantes del museo suben y bajan entre los pisos, se mueven a través de la pieza. Trifecta (Joe's Bar & Grill) es un elemento permanente de tres pisos en la sede de Swiss Re en Fort Wayne, Indiana, terminado en 2012.

1? 2 ? 3 ? 4?, 1997

Aberturas cortadas en ventanas existentes

115 × 320 × 221 pulgadas

292,1 × 812,8 × 561,3 cm

A finales de 2013, se inauguró una columna acrílica de 33 pies de altura de Irving en el Tribunal Federal de San Diego, donde el artista colaboró ​​con su viejo amigo y colaborador, el arquitecto Martin. Poirer trabajó con el arquitecto paisajista Andrew Spurlock. Construidas hace décadas, pero nunca recibieron un hogar adecuado debido a una serie de circunstancias imprevistas, las columnas acrílicas de tres pisos refractan la luz y proyectan color a medida que el sol se mueve a través del pasillo. La fabricación de las columnas y los aspectos técnicos relacionados con los materiales fueron ejecutados por Jack Brogan, una figura central en la evolución de la tecnología de la luz y el movimiento espacial. Brogan inventó el desafío y la técnica de pulir columnas hasta lograr la transparencia deseada y sigue siendo un referente en este campo.

Prisma, 1971

Acrílico

143 7/10 × 5 9/10 × 5 9/10 pulg

365 × 15 × 15 cm

Para el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), Owen creó una instalación al aire libre de palmeras primitivas (Primal Palm Garden, 2008-2010), así como una instalación interior de 36 pies de largo. Escultura iluminada con fluorescentes, Miracle Mile (2013), brilla detrás de ellos las 24 horas del día.

Sin título, 1969

Laca acrílica sobre acrílico fundido

53 × 24 1/2 in

134,6 × 62,2 cm

Después de trabajar desde principios de la década de 2000 y reelaborar sus ideas para crear una instalación monumental para la Fundación Chinati, la instalación de Irwin en Marfa, un edificio en forma de U de aproximadamente 10,000 pies cuadrados, se inaugurará a principios de 2015 y se completará y se abrirá al público. el público. La instalación, ubicada en el edificio del antiguo hospital del cuartel militar, será la primera gran instalación que se una a la Fundación Chinati desde 2004, y la primera de Irwin dedicada exclusivamente a su trabajo.

Yellow Jacket, 2015

Tubos de 14 pines simples de 6 pies y tubos de 14 pines dobles de 6 pies, luz fluorescente, geles de colores

72 × 95 1/5 × 3 1/2 pulg

182,9 × 241,9 × 8,9 cm

Otras instalaciones incluyen: Shattered Light - Partial Muslin - Eyes en el Museo de Arte Moderno de Nueva York Horizontal (1970-1971); Black Line Room Department + Extended Form, Whitney Museum, Nueva York (1977); 48 Shadow Planes en la antigua oficina de correos, Washington, D.C. (1983); , France Art Moderne de Ville) (1994); y Double Diamond en el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, Francia (1997-1998).

Escultura/Configuración 2T 3L, 2018

Acrílico

119 × 36 × 32 in

302,3 × 91,4 × 81,3 cm p>

Proyectos de paisaje

Irwin recurrió a los proyectos de paisaje después de desarrollar un estilo para experimentar espacios, proyectando lo que había aprendido sobre líneas, colores y, lo más importante, luz en el entorno construido. Desde 1975, Irwin ha concebido cincuenta y cinco proyectos de sitios web. 9 Spaces 9 Trees (1980-3) fue encargado originalmente por el Seattle Arts Council en 1980 para el techo del Edificio de Seguridad Pública; fue reinventado en 2007 y está ubicado en el campus de la Universidad de Washington; Filigree Line de Irwin (1979), realizada para Wellesley College en Massachusetts, consiste en un alambre de acero inoxidable que corre a lo largo de una cresta cubierta de hierba a lo largo del borde de un lago, con patrones en forma de hojas cortados en él. Su obra de 1983 "Two Running Violet V Forms", dos mallas de alambre cruzadas recubiertas de plástico azul-violeta aseguradas con postes altos, es parte de la serie de obras de arte públicas de Stuart en el campus de la Universidad de California en San Diego. Para Sentinel Plaza (1990) en el distrito del Centro Cívico de Pasadena, Irwin eligió pequeñas plantas del desierto y cactus. Posteriormente consultó sobre el plan maestro de Dia:Beacon, en particular la creación del diseño y paisajismo de los espacios exteriores, así como la arquitectura de la entrada y el diseño de ventanas.

#4 x 8FT. CUATRO VECES, 2012

Luz+sombra+reflejo+color

96 × 17 1/4 × 4 1/4 pulgadas

243,8 × 43,8 × 10,8 cm

Posteriormente diseñó y desarrolló el Jardín Central del Getty Center de Los Ángeles, que fue construido en 1997. En el Jardín Central, el concepto de Owen de integrar relaciones experienciales con el entorno construido es muy claro. Esos elementos experienciales llenan el espacio. El proyecto ha sido ampliamente elogiado por su diseño y proceso. El diseño de 134.000 pies cuadrados (12.400 metros cuadrados) presenta barrancos naturales y senderos arbolados que guían a los visitantes a través de las vistas, los sonidos y los olores. Eligió todo en el jardín para resaltar la interacción de luz, color y reflejo. La planificación comenzó en 1992 y es una parte importante del proyecto del Centro Getty. Desde que se inauguró el centro en 1997, el jardín central ha seguido evolucionando junto con la flora. La declaración de Irving, "Siempre cambiando, nunca lo mismo dos veces", está inscrita en el piso de la plaza, recordando a los visitantes la naturaleza siempre cambiante de este arte vivo. Para consternación del artista, en la plaza del jardín se colocó una escultura de los años 50 de Fernand Léger.

Swiss Made, 2015

Luz fluorescente, geles de colores

72 × 95 3/10 × 3 1/2 in

183 × 242 × 9 cm

Irwin completó recientemente la segunda fase de la instalación de 2007 de Original Palm Garden en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Los jardines de palmeras están dispuestos en forma de "T", con el eje este-oeste entre ellos. Rodeado por el extenso museo de arte contemporáneo y el Pabellón Resnick. El eje norte-sur termina con una cuadrícula de palmeras datileras, que sirve como contrapunto a la instalación Urban Light del artista Chris Burden. Irwin ha estado interesado durante mucho tiempo en cómo las palmeras capturan y reflejan la luz del sur de California; el diseño de Palm Gardens le brindó a Irwin la oportunidad de captar simultáneamente el fenómeno y las ideas culturales de la palma. Se plantan especies individuales de palmeras en cajas Cor-Ten, modernas y formales cajas de madera para viveros. Los contenedores de esculturas hacen referencia al pedestal que tradicionalmente representa una obra de arte. El uso que hace Irwin de las palmeras considera la conexión ubicua e icónica entre las palmeras y las imágenes de Los Ángeles.