¿Alguien tiene algún artículo o información sobre "Arte pop y arquitectura"?
Pop Art es la abreviatura de "Popular Art" en inglés, que se originó por primera vez en el Reino Unido en la década de 1950. El artista Hamilton utilizó un collage de fotografías para crear "¿Por qué la vida es tan diferente y encantadora hoy?" ”Se considera la primera obra auténtica del arte pop. El verdadero desarrollo del Pop Art fue en Estados Unidos, donde la cultura popular fue la más desarrollada. El arte pop estadounidense está directamente relacionado con el expresionismo abstracto de la década de 1950. Cuando la generación más joven de artistas intentó sustituir el expresionismo abstracto por técnicas neodadaístas, descubrió que la cultura de consumo desarrollada les proporcionaba recursos visuales muy ricos. como anuncios, marcas, imágenes de cine y televisión, chicas de portada, cantantes y estrellas de cine, comida rápida, dibujos animados, etc. Ponen estas imágenes directamente en la pantalla para formar un estilo artístico único. El arte pop trata la cultura de la era del consumo y la era de la información con una actitud optimista y reduce la distancia entre el arte y el público a través de imágenes realistas. El arte pop significa el fin del modernismo representado por el arte abstracto y el inicio de una nueva etapa del posmodernismo.
Escrito por Frances Anderton
Hacia la arquitectura pop “Cuanto más hacia el oeste conducimos, más imágenes pop vemos en las carreteras... incluso ninguna en todas partes... Pop, es. el nuevo arte. Una vez que entiendes el pop, nunca volverás a ver un logotipo de la misma manera, y una vez que piensas en el pop, nunca volverás a verlo de la misma manera: Andy Warhol, Andy Warhol hizo eso. viaje esclarecedor al oeste desde Nueva York a Los Ángeles en 1962. Para ese año, el pop se había convertido en un fenómeno cultural reconocido internacionalmente que podía verse en todas partes. Ese año, el arquitecto Stephen Kanner era todavía un niño y crecía en la capital del pop, Los Ángeles. A pesar de su corta edad, se adaptó bien al ambiente empresarial lúdico que lo rodeaba y se sintió atraído por Warhol. Para Stephen, fue una época dorada, llena de campos de golf en miniatura, boleras, autocines, moteles y cafeterías futuristas, todo ello transmitido por carteles publicitarios gigantes y alegres. En su opinión, Los Ángeles es una ciudad nueva y vibrante, con automóviles cromados circulando por calles limpias y amplias. A ambos lados de las calles hay residencias ordenadas sobre campos de hierba llenos de sol y vegetación. y son utilizados por amas de casa alegres y sonrientes. Y está Disneylandia. "¿Cuántas ciudades tienen arte pop y Disneylandia? ¿Cuántas ciudades tienen tanto color y sol?", preguntó Stephen. Esto fue antes de acontecimientos como la guerra de Vietnam, los asesinatos del presidente Kennedy y Martin Luther King y la crisis del petróleo.
En aquel momento, el padre de Stephen, Jak Kanner, era un arquitecto exitoso y prolífico. Se inspiró en Frank Lloyd Wright y los modernistas de California Charles, Ray Eames, Richard Neutra y John Lautner, y trabajó en California, Arizona y Honolulu. Se construyeron algunos centros comerciales en Lu y otros lugares. También pintó obras vívidas y fotorrealistas, como botellas de Pepsi, Leyden Johnson y lanzamientos de cohetes, maquinaria industrial, pantallas de televisión y mujeres de piel clara con cabello rubio y rizado, bebiendo agua helada, comiendo ostras. Mujeres, mujeres con sujetadores, mujeres entrando a las tiendas en tacones altos, etc Las pinturas de Chuck se originan a partir de imágenes fotográficas de revistas, que le ayudan como "una herramienta que me permite capturar cosas que normalmente son indescriptibles", del mismo modo que ayudan a los fotorrealistas. Su obra "desdibuja los límites entre el fotorrealismo y el arte pop". Considera que no expresa mucha preferencia potencial por las rubias curvilíneas, sino más bien un fuerte interés por la imagen comercial de la época. Su abuela también se inspiró en sus obras. Los contemporáneos del pop James Rosenquist (que anteriormente había trabajado como pintor de logotipos), Mel Ramos y Roy Lichtenstein. Creía que las obras de estos fotorrealistas representaban el regreso de la artesanía al arte moderno. A pesar de tener talento para la pintura y estar profundamente influenciados por el arte y la cultura populares, Chuck y su hijo y colaborador Stephen decidieron expresar este sentimiento a través de la arquitectura. A principios de la década de 1980, su firma, Kanner Associates, había creado una gran cantidad de trabajo en Los Ángeles que rendía homenaje al popismo comercial moderno del sur de California de la posguerra.
Los proyectos que crean abarcan una amplia gama de áreas, desde hamburgueserías para autoservicio hasta gimnasios comunitarios y complejos de viviendas, y son expresiones audaces y abstractas de arquitectura popular e imágenes gráficas. A menudo de bajo costo, alegres y divertidos, estos edificios hacen alarde de colores y escalas exagerados, anunciando su presencia a todos los que pasan. Esto es arquitectura pop en pocas palabras.
Kanna & Associates no era un recién llegado en ese momento. Esta empresa con sede en Los Ángeles fue fundada originalmente por el padre de Chuck, Herman, en 1946. Después de tres generaciones, ha construido una gran cantidad de edificios en varios estilos y es conocida por su diseño completo y su reputación de destreza en el diseño. Pero su objetivo compartido era crear una arquitectura que reflejara con mayor claridad y precisión el espíritu del sur de California de la posguerra. Esta fue una era de clima agradable, abundantes oportunidades laborales, prosperidad y comodidad. El sentimiento de optimismo se refleja no sólo en el arte y los gráficos, sino también en la arquitectura. El modernismo se popularizó y desarrolló rápidamente en el sur de California, con el surgimiento del estilo internacional alegre y confiado promovido por arquitectos externos como Richard Neutra y Rudolf Schindler en la década de 1930. Para rematar los años de la posguerra están los diseños dinámicamente futuristas de las décadas de 1950 y 1960, como el edificio de temática industrial de Pereira y Luckman para el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles, y John Lautner (cuyo restaurante "Gucci" homónimo Una marca modernista que se convertiría en sinónimo de Los Ángeles) y un restaurante con estructuras dinámicas y materiales imaginativos diseñados por Amet y David.
El idealismo social y tecnológico inherente al modernismo también prevalece en el proyecto de estudio de caso residencial. Un imaginativo proyecto residencial a gran escala, encabezado por John Stenza, editor de la revista Arts & Architecture, para probar la aplicabilidad de los métodos de construcción producidos en masa en el diseño residencial. Compuestas por marcos de acero y paredes de vidrio, estas espaciosas y elegantes residencias fueron diseñadas por los arquitectos Charles, Ray Eames, Clark Ellwood y Rafael Soriano. El estilo de vida elegante y enérgico de estos edificios y diseñadores tuvo un profundo impacto en Chuck y Stephen y muchos otros arquitectos modernos.
También hay otras influencias de fuera de Los Ángeles, como el hormigón vertido y retorcido en Brasilia como si fuera caramelo de Oscar Niemeyer y los primeros modernistas europeos Mies Van der Rohe, Walter Gropius, Gerrit Rietveld, Le; Corbusier y Frank Lloyd Wright, el creador del modernismo orgánico estadounidense.
A partir de estas ricas fuentes, Chuck desarrolló un modernismo blanco más sobrio derivado del pop, y heredó de su padre un sentido de profesionalidad y rigor en el diseño y la forma de construir. En su arquitectura y planificación, sus diseños están llenos de creatividad y deslumbramiento. Obras arquitectónicas como el Baltimore Fashion Plaza, con sus planos cuadrados recortados y detalles wrightianos simplificados y el edificio de la sede de Copeland en Los Ángeles, con su estructura de arco de madera contrachapada y murales de bloques de hormigón; Incluso en su proyecto de la Escuela de Arquitectura de la USC de 1953, que utilizó techos aireados y columnas en forma de dardo colocadas en las calles para la sinagoga y la escuela primaria, tendió a ser más sobrio en los años 1970 y principios de los años 1980. Chuck dijo: "Tomaré el camino del modernismo y creeré firmemente que éste es el camino correcto". A principios de la década de 1980, el estudio construyó Coastal Houses, un interesante complejo de planta abierta, propiedad de residentes, y Government House, un monolito de hormigón en el este de Los Ángeles, con una decoración ligera fuertemente influenciada por Corbusier. Stephen, al igual que Chuck, estaba respondiendo a esta influencia arquitectónica en ese momento y se basó en las pinturas pop de su padre y en los primeros diseños de edificios pop. Con este fin, respondió a títulos como los edificios frente a las calles de Los Ángeles, la iconografía posfuturista al estilo "Gucci" de los dibujos animados Supersónicos y la Exposición Chrysler (Feria Mundial de Nueva York de 1939) de Tryon y Perrisfield. El número de imágenes posfuturistas como Tomorrowland en Disneyland y el abandonado Pacific Park, un popular parque de diversiones en la costa de Los Ángeles en la década de 1950, ha aumentado.
Favorecía los edificios que eran principalmente comerciales y a menudo innecesarios, y creía que el trabajo de artistas que celebraban lo mundano y cotidiano, como Andy Warhol, Roy Leach, "nunca obtuvo lo que se merecía" Stein, Frank Stella, Claes Oldenberg, Ed Rush y sus padres espirituales como los fauvistas, Van Gogh y Monet. Por la misma razón, admiraba la arquitectura deconstruida Best showroom diseñada por la firma estadounidense Saite en los años 1970, que era famosa por su estilo ingenioso y autocrítico. Se unió a la firma en 1992, comprometido a inculcar su espíritu modernista popular en su trabajo y Chuck lo alentó mucho. Chuck cree que las obras de su hijo reflejan sus primeras influencias y pensamientos como la herencia genética. Juntos crearon una estética híbrida que combinaba el rigor consumado del diseño modernista temprano con la alegría de Googie. El resultado fue un diseño espiritualmente extrovertido que Stephen describió como "Nuestra propia marca de popismo moderno, apoyándose en los aspectos divertidos y positivos".
Tanto en obras construidas como en planos imaginados, las obras de los últimos 15 años han seguido avanzando, convirtiéndose cada proyecto en un modelo más pleno de sus ideales. Primero, veamos un proyecto de renovación a pequeña escala llamado "Sweet 16" respaldado por una gran idea. Aquí, una hilera de restaurantes y tiendas decadentes construidas en la década de 1940 se transformó en un atractivo "tablón de anuncios" añadiendo vidrio de altura completa y enormes toldos para sostener los carteles de las tiendas, dispuestos en terrazas a lo largo de la calle. En un lado de la casa, los marcos triangulares de acero que soportan cargas y que muestran la ligereza de la fachada quedan expuestos y pintados en amarillos y rojos brillantes. Su aspecto confiado y alegre hace que los transeúntes se detengan y se queden mirando. En el proyecto Harvard Apartments, este enfoque de "tablón de anuncios" se convirtió en una forma más madura de modernismo y popismo. Se trata de un complejo de 13 viviendas de bajo coste en Corea del Norte, una localidad cercana a Los Ángeles que ha creado tensiones con los residentes. Construido en 1992, es lo que Stephen describe como "un pan de sándwich blanco modernista con el ritmo del jamón de Los Ángeles y el queso suizo". El edificio es un interior blanco y moderno con rojos y amarillos y círculos que rebotan. aspecto. En términos secuenciales, Harvard Apartments se desarrolló a partir de un trabajo anterior: St. Andrews. St. Andrews es un complejo residencial de bajo coste en una localidad coreana encargado por el mismo promotor privado, pero se trata de un proyecto de renovación. Kanner Studio no cambió el plan existente. Simplemente ajustaron la fachada del edificio, cubriendo la fachada utilitaria original en ruinas con un patrón de círculos de colores suaves y cuadrados inclinados. Ambos se lograron a un costo extremadamente bajo, lo que demuestra el gusto del arte pop por la arquitectura barata y común y su desenfrenado placer por la pura superficialidad.
La idea de un "tablón de anuncios" tuvo eco en varios proyectos, como el showroom de Robbins Automotive Tops, donde se decoró una caja gigante con un cartel verde y blanco que simbolizaba las carreras de motos. de cuadrados y una ampliación realista de una lata de jugo de vegetales Campbell's con trozos. Este "sándwich" o mezcla de modernidad y "Gucci" también está presente en otras obras. Estudios de casos e influencias completamente opuestas, como "Gucci" y su Tower House 3, se integran modestamente en proyectos planificados no construidos como la Copeland House, la tercera de una serie de diseños de casas teóricas, que combinan planos modernistas y formas expresionistas. La Casa Plinth es, a su vez, parte de una serie de planes fantásticos caracterizados por estructuras dinámicas, autopistas elevadas, formas fluidas, cielos azules y colores llamativos. Los planos se inspiraron en el maestro del diseño de hormigón de estilo libre Oscar Niemeyer y aparecen en los coloridos dibujos con tiza de los cuadernos de bocetos de Stephen. En palabras de Stephen, representan edificios "evocadores" que simplemente sirven para "recordar los buenos tiempos, cuando todo era mejor. También diseñó productos y muebles para colocar en estas casas: sillas, sillones, mesas y armarios, todo". posfuturista pero sólido y viable. Con la finalización de la hamburguesería IN-N-OUT, las voces pop modernistas de Kanner Architects han alcanzado recientemente un punto álgido. El restaurante está ubicado en una intersección muy transitada en Westwood Village, junto a la gasolinera de enfrente. Sus restaurantes Hipps y los habituales 50 restaurantes de autoservicio muestran un interesante sentido de inclusión. El exterior del edificio es una mezcla de rojo claro, amarillo y blanco, basándose en los colores y las flechas en forma de dardo del logotipo de la empresa.
El edificio tiene un techo ágil y un letrero gigante, con letras gigantes "IN-N-OUT" que crean una división en el interior de una manera que Claes Oldenberg habría admirado. Se trata de un edificio que funciona como cartel publicitario y de forma expresionista. A mi suegro le atrajo el hecho de que posiblemente tuvieran las mejores hamburguesas de California y también le encantaba el lugar. Un espectador lo llamó "el edificio más hermoso que he visto en mi vida", otro lo describió como "una obra de arte" y otro dijo, con palabras que fueron música para los oídos de Stephen: "Me recuerda al Tomorrowland de Disneylandia". Al perpetuar la cultura temática en forma de pinturas al óleo, los artistas pop que surgieron a finales de los años 1950 y principios de los 1960 respondieron a las ideas estrechas y elitistas de los expresionistas abstractos de Nueva York, quienes en los últimos 20 años, su estilo pictórico de arte para el arte. El sake ha ganado éxito en el mundo del arte más que entre el público. Ahora, en la década de 1990, Kanner Associates, con sede en Los Ángeles, se convirtió en una de las pocas firmas de arquitectura como Deconstructivist, que buscaba encargos y estilos que reflejaran el apoyo a los gustos populares. Inspirándose en la arquitectura comercial de las décadas de 1950 y 1960, su trabajo se considera menos que una interpretación literal. Sólo cuando el pop fue en contra de la tradición, cambió de escala y medio y fue colgado en las paredes de un museo, el pop "bajo" se convirtió en arte "alto". Por lo tanto, Kanner Architects se preocupó por crear interpretaciones abstractas de los orígenes del pop, así como indicios del carácter negativo y remoto del pop art. No les interesa el diseño de proyectos de renovación de poco valor. Sin embargo, querían construir restaurantes de comida rápida y residencias de bajo coste llenas de poder, emoción y drama espacial. Aunque evitaron la "arquitectura de alto nivel artístico", todavía aspiraban a crear arquitectura.
Muchos arquitectos, sobre todo Robert Venturi y Dennis Scott Brown, intentaron difuminar la línea entre intelectuales y vulgares, pero eso desencadenó las contradicciones inherentes del arte pop. En palabras del crítico David Deitch, este fenómeno permite que "los espectadores privilegiados se encuentren entre la gente común pero se sientan culturalmente alienados de las mismas cosas".
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