Henry Moore y sus esculturas.
Desde el Neolítico, la unión de la madre. y el niño se ha convertido en objeto del arte humano, que es un tema de amor eterno y noble. En la tradición cristiana, una imagen de una madre y un niño sin un nombre específico a menudo puede interpretarse como una imagen de la Virgen y el Niño. En 1943-1944, Moore fue invitado a crearla para la Iglesia de San Mateo en Northamptonshire, Inglaterra. En 1926, Moore se inspiró en una estatua llamada "Chac Mool" en la entrada del templo tolteca de la cultura maya de México. “Retrato Yacente”. Desde entonces, esta figura se ha convertido en una figura más representativa de todo el proceso de creación artística de Moore. De hecho, en la historia del arte europeo han existido multitud de esculturas yacentes tanto de hombres como de mujeres, especialmente en la pintura. Este gesto puede considerarse una forma clásica en el arte europeo. Moore utiliza esta imagen como soporte para expresar diversos significados, explorar el lenguaje de la escultura y estudiar las propiedades de diversos materiales. Se puede decir que muchas de las obras posteriores de Moore pertenecen a ella. En esta obra, además de la expresión moral de sus obras, Moore ha dado gran importancia a los temas, materiales y técnicas que se adaptan a sus propias ideas desde el comienzo de sus estudios, al igual que el popular mantra en los círculos de la pintura moderna: "What". "Como escultor moderno, los conceptos artísticos de Moore también siguen el ritmo de la tendencia general del movimiento modernista. Al igual que los pioneros de la escultura moderna, tales Al igual que Broncusi y Alkico, Moore también adoptó el "método de tallado directo" en sus primeras creaciones. De hecho, el interés de Moore por la escultura primitiva se debió principalmente al encanto de su perfecta combinación de material y forma, escribió Moore en un artículo. : "Cuando descubrí la escultura mexicana me pareció a la vez apropiada y hermosa. Correcta. Tiene sensación de piedra, es decir: se adapta al material, tiene una gran resistencia sin comprometer su sensibilidad, tiene una variedad de patrones y una gran fecundidad en la creación de formas, estas creo que es insuperable por esculturas de cualquier tipo. tiempo. "Además de las esculturas de piedra, las primeras obras de Moore también incluyen una variedad de esculturas de madera. Aunque estas esculturas de piedra y madera de "tallado directo" son de tamaño pequeño, todas tienen un poder inherente que no solo expresa varias imágenes simbólicas, sino que también da Juego completo de Las propiedades inherentes de varios materiales. Moore fue un contemporáneo del surrealismo, y su estilo artístico estuvo influenciado por el surrealismo debido a sus numerosos viajes a París en las décadas de 1920 y 1930, donde interactuó con los surrealistas. Participó en la creación del "Grupo Surrealista Británico" y participó en la "Exposición Surrealista Internacional" celebrada en Londres de 1938 a 1936 como miembro del comité organizador. No hay duda de que el surrealismo le dio a Moore una gran influencia. un enorme papel catalizador en la formación de su estilo personalizado, pero es inapropiado clasificar a Moore en el campo surrealista.
De hecho, el arte surrealista es irracional e irracional el tratamiento de la locura y la dislocación y su revelación. Moore siempre había rechazado la idea de la siniestra estructura de la muerte subconsciente.
En última instancia, Moore sólo adoptó la técnica de deformación abstracta del surrealismo, y lo que quiso expresar fue siempre un suave afecto por la vida. Es el escultor más exitoso y perfecto que utiliza la técnica del agujero. La década de 1930 fue un período en el que Moore llevó a cabo diversas exploraciones, maduró su arte y sus ideas y comenzó a ganar fama. En 1932, Moore utilizó por primera vez la forma perforada en sus retratos escultóricos. Aunque Moore no fue el primero en hacer agujeros en retratos, en la historia de la escultura occidental moderna, escultores como Alquico, Lipchi, Yveillon de Duchamp y Zadkin utilizaron la técnica de los agujeros antes y después de él, pero Moore fue el más exitoso y perfecto. escultor a utilizar esta técnica surrealista. El uso de agujeros rompe el concepto inherente de "la escultura es una entidad rodeada de espacio". A través de la introducción de la escultura de Henry Moore, el espacio la atraviesa, haciendo del espacio una parte de la entidad e integrando escultura y espacio. El propio Moore afirmó que los agujeros del cuerpo humano tenían poderes misteriosos. "El misterio del espacio es el mismo que el de las cuevas con un poder increíble en las espaldas de montañas y acantilados". Según los teólogos, esta imagen con un agujero tiene otra capa de significado. Los teólogos creen que "Dios es la única garantía de la integridad humana" y el retrato incompleto y con agujeros de Moore es un retrato de la vida humana "después de la muerte de Dios".
Desde la perspectiva del vacío, las esculturas humanas de Moore y las pinturas humanas fragmentadas de Picasso son idénticas en un sentido espiritual. De todos modos, el agujero se ha convertido en la marca registrada de Moore, un factor importante en el extraño encanto de sus esculturas. La exitosa práctica de la escultura ambiental estableció su estatus supremo. A partir de 1935, Moore concibió conscientemente el paisaje natural y la escultura en su conjunto y se dedicó a la exploración de la escultura ambiental. Permitir que la escultura se mueva de un estante a otro, del espacio artificial al entorno natural, es la mayor creación de Moore. Precisamente gracias a la exitosa práctica de la escultura ambiental, Moore estableció su posición suprema en la escultura moderna. Moore no sólo considera la armonía de las formas escultóricas con el entorno, incluidas laderas, campos, bosques y edificios, sino que también utiliza el agua, el cielo, el cielo azul y las nubes blancas como partes integrales de sus obras. Su cuerpo humano reclinado en la naturaleza no sólo se parece a montañas y barrancos en apariencia, sino que también tiene el impulso y el poder para ser tan pesado como una montaña. No sólo eso, Moore también introdujo el color en sus esculturas, es decir, las esculturas de Moore son coloreadas. Consideró la presencia de la luz del sol y su dirección. Esas esculturas de bronce pulido brillan a la luz del sol. Introducción de Henry Moore, especialmente en "Autumn Forest" y "The Fields", el bosque está completamente teñido, produciendo una belleza fuerte y conmovedora. Para lograr la armonía con el color del entorno, Moore también utilizó corrosivos químicos para dar una pátina verde a algunas de las estatuas que colocó en el bosque siempre verde.
La calidad y el color de sus estatuas de mármol blanco, rojo y verde también están en armonía con las condiciones y el entorno local. Moore dijo: "Para mí, una obra primero debe tener su propia viveza. No me refiero a un reflejo de la vitalidad de la vida, ni me refiero a la vitalidad del movimiento, la actividad física, los saltos, el baile, etc., pero una obra debe tiene un interior Su energía y su propia poderosa vitalidad no están subordinadas a los objetos que representa "Moore apuesta por el modelado abstracto, pero siempre se mantiene alejado de la abstracción geométrica. Lo que persigue es una abstracción orgánica y biológica. Además del cuerpo humano, a Moore le gusta encontrar la base para el modelado abstracto en organismos vivos como huesos, conchas, raíces de árboles y óvalos. Entonces, no importa cuán cerca de la abstracción, su trabajo es una representación mucho más poderosa de la vitalidad de un animal que algunas de sus obras más concretas. La escultura de Moore colocada bajo el cielo azul y las nubes blancas es como una criatura que surge de la tierra, llena del aliento de vida que está estrechamente relacionado con toda la naturaleza. A lo largo de su vida, Moore nunca se desvió de su enfoque en la vida. A través de esas formas simbólicas llenas de vitalidad, Moore escribió un sinfín de odas al ser humano y a la naturaleza. Nombre de la escultura: Estatua yacente Nombre de la escultura: Estatua vertical Nombre de la escultura: Poder vertical Nombre de la escultura: Madre e hijo sentados Nombre de la escultura: Huso grande Nombre de la escultura: Estatua yacente