Introducción a Henry Moore_Esculturas de Henry Moore_Esculturas de Henry Moore
Moore Henry (Henry Spencer Moore, 1898-1986). Entre los escultores modernos, ninguno ha superado hasta ahora la reputación internacional del escultor británico Henry Moore. Su nombre es uno de los nombres de artistas más famosos desde la Segunda Guerra Mundial. La razón por la que se ha ganado el respeto de personas de todo el mundo es que su arte está estrechamente relacionado con la atmósfera de la sociedad industrial moderna. A lo largo de la historia, los objetos de escultura siempre han tratado principalmente de héroes sagrados, sabios, líderes políticos o deportistas. Antes del siglo XX, era inaudito crear una escultura que no tuviera un objetivo práctico ni un contenido concreto. Las obras de Henry Moore crearon un nuevo lenguaje escultórico para la época, un lenguaje que dialoga con el entorno, un lenguaje moderno y lleno de humanidad.
La herencia de genes culturales tradicionales en Moore se refleja en su insistencia en el humanismo cuando lo implementa en la escultura, siempre toma la figura humana como tema central de sus obras. Moore dijo: "No creo que vayamos a romper con el punto de partida básico de todas las esculturas anteriores, que es el ser humano. En lo que a mí respecta, lo que necesito son los elementos que componen la figura humana. - en este sentido, mi trabajo es figurativo." Excepto por algunas esculturas de animales como perros, serpientes y ovejas, la mayoría de las obras de Moore son figuras humanas. Una introducción a Henry Moore en 1924. Moore creó la primera estatua de "Madre e hijo" imitando el estilo escultórico indio del período precolombino. Desde entonces, las imágenes de madre e hijo han aparecido repetidamente en las esculturas de Moore en diversas posturas. , convirtiéndose en su motivo de retención para toda la vida. Desde el Neolítico, el retrato grupal de madre e hijo se ha convertido en un objeto de expresión en el arte humano. Este es un tema eterno y noble del amor. En la tradición cristiana, una imagen de una madre y un niño sin nombres específicos a menudo puede interpretarse como una imagen de la Virgen y el Niño. De hecho, según Henry Moore, Moore fue invitado a crear una estatua de la Virgen y el Niño digna de ese nombre para la Iglesia de San Mateo en Northamptonshire, Inglaterra, de 1943 a 1944. Este trabajo completó la serie de estatuas de madres e hijos de Moore. El amor maternal expresado ha sido divinamente sublimado.
Aunque mucha gente en el pasado también practicaba agujeros en sus obras, Moore fue el escultor que utilizó con mayor éxito y perfección esta técnica surrealista. El uso de agujeros rompe el concepto inherente de la escultura occidental tradicional de que "una escultura es una entidad rodeada por el espacio", permitiendo que el espacio penetre en la escultura, haciendo que el espacio forme parte de la entidad e integrando la escultura con el espacio. El propio Moore afirmó que los agujeros en las figuras tienen poderes misteriosos, "el misterio del espacio es el mismo que esas cuevas en las espaldas de montañas y acantilados que tienen un poder increíble". Según la interpretación de los teólogos, este tipo de figura con agujeros tiene un significado más profundo. Los teólogos creen que "Dios es la única garantía de la integridad humana". El retrato incompleto y con agujeros de Moore es un retrato de la vida humana después de que "Dios ha muerto". Desde la perspectiva del vacío, las esculturas humanas de Moore y las pinturas humanas fragmentadas de Picasso son idénticas en significado espiritual. De todos modos, los agujeros se han convertido en la marca registrada de Moore, un factor importante en el extraño atractivo de sus esculturas.
A partir de 1935, Moore concibió conscientemente los paisajes naturales y las esculturas en su conjunto y se dedicó a la exploración de esculturas ambientales. Permitir que la escultura se mueva de un estante a otro, y del espacio artificial al entorno natural, es la mayor creación de Moore. Es precisamente gracias a la práctica exitosa de la escultura ambiental que se ha establecido la posición suprema de Moore en la escultura moderna. Moore no sólo consideró la coordinación entre la forma de la escultura y el entorno, incluidas laderas, campos, bosques y edificios, sino que también consideró el tragaluz de color agua, el cielo azul y las nubes blancas como partes integrales de la obra. Sus cuerpos humanos reclinados colocados en la naturaleza no sólo son similares en apariencia a montañas y barrancos, sino que también tienen el majestuoso impulso y poder de las montañas. No sólo eso, Moore también introdujo el color en sus esculturas, es decir, las esculturas de Moore son coloridas. Tomó en cuenta la presencia de la luz del sol y su dirección. Esas esculturas de bronce suaves y redondeadas brillan a la luz del sol, especialmente en los coloridos bosques y campos otoñales, estallando con una belleza fuerte y conmovedora. Para lograr la armonía con el color del entorno, Moore también utilizó corrosivos químicos para cubrir algunas de sus estatuas ubicadas en bosques siempre verdes con una capa de óxido verde.
Las texturas y colores de sus estatuas de mármol blanco, rojo y verde también se adaptan a las condiciones locales y reflejan armoniosamente el entorno circundante.
Moore dijo: "Para mí, una obra debe tener primero su propia viveza. No me refiero a un reflejo de la vitalidad de la vida, ni me refiero al movimiento, a las actividades corporales, a saltar, a bailar, etc. Más bien significa que una obra debe tener una energía interior y una fuerte vitalidad propia, que no esté subordinada al objeto que representa "Moore está obsesionado con las formas abstractas, pero siempre se mantiene alejado de la abstracción geométrica. Lo que persigue es una abstracción biomórfica orgánica. Además del cuerpo humano, a Moore le gusta encontrar la base para las formas abstractas en formas biológicas como huesos, cáscaras, raíces de árboles y huevos. Por lo tanto, por muy cercanas a la abstracción que estén sus obras, expresan la vitalidad de un animal con mucha más fuerza que algunas obras más concretas. Las esculturas de Moore colocadas bajo el cielo azul y las nubes blancas son como criaturas que surgen de la tierra, llenas del aliento de vida que está estrechamente relacionado con toda la naturaleza.
A lo largo de su vida, Moore nunca se desvió de su preocupación por la vida. A través de esas formas simbólicas vitales, Moore compuso una oda a la vida infinita de los seres humanos y la naturaleza.
(Henry Moore y sus esculturas)
Los bocetos de Henry Moore tienen una técnica muy singular.